sz-magazin.de - Neue Fotografie

Traumeinf�nger

Friederike Kr�ger (Interview) — 2013-05-16T15:00:00+01:00

Der zwölfjährige Luka leidet an Muskelschwund und kann sich kaum noch bewegen. Matej Peljhan hat ihm seine Träume verwirklicht - mit der Kamera.

MATEJ PELJHAN

Name: Matej Peljhan
Geboren: 12.7.1967, Ljubljana, Slovenia
Ausbildung: Psychologie an der Universität in Ljubljana
Homepage: http://mate.1x.com

SZ-Magazin: Woher kennen Sie den 12-jährigen Luka?
Matej Peljhan: Ich bin Psychologe und arbeite in der Einrichtung, in der Luka zur Schule geht. Ich kenne ihn seit ungefähr fünf Jahren.

Wie sind Sie auf die Idee gekommen, Luka in Szenen zu fotografieren, die er aufgrund seines Muskelschwunds sonst nie erleben könnte?
Es war seine eigene Idee. Bis auf kleine Bewegungen mit den Fingern ist der Junge gänzlich schwach. Sein Traum war es, einmal Dinge zu tun, die für andere Kinder selbstverständlich sind. Ich fand das toll und habe daraufhin seine Eltern um Erlaubnis gebeten. An vier verschiedenen Terminen haben wir dann die Bilder gemacht. Auf unseren Fotos hatte er die Möglichkeit sich einmal spielend leicht zu bewegen, zu springen und zu fliegen. Als Luka die Bilder zum ersten Mal sah, war er überrascht, betrachtete alles aufmerksam und rief dann »Super!« Er ist sehr glücklich und stolz über die vielen Rückmeldungen und die Aufmerksamkeit, die die Bilder überall auf der Welt erhalten.

Neben dem Fotoprojekt mit Luka haben Sie auch andere Menschen mit Behinderungen fotografiert.
Ich habe als Kind beim Spielen meinen rechten Arm und ein Auge verloren, als Bombenreste aus dem Zweiten Weltkrieg neben uns in die Luft gingen. Meine Kinder brauchen besondere Betreuung, weil sie als Zwillinge mit einer Knorpelbildungsstörung zur Welt gekommen sind, und ich arbeite eben mit Behinderten zusammen. Ich bin ständig damit konfrontiert und wollte die Erfahrungen verarbeiten. Das tue ich auf ganz unterschiedliche Weise. Seit vier Jahren fotografiere ich immer häufiger. Dabei lasse ich die typischen Stereotype außer Acht. Man kann und sollte über Handicaps reden, ohne dabei jedes Mal pathetisch zu werden. Meine Fotos sollen auf keinen Fall Mitleid erregen.

City Silhouettes

Nadine Hackemer (Interview) — 2013-04-08T15:59:00+01:00

Wir stellen Ihnen jede Woche junge, talentierte Fotografen vor. Diesmal: Jasper James, dessen Projekt die Schwierigkeit darstellt, Menschen und Städte zu trennen.

Name: Jasper James
Geboren: 1966, London
Ausbildung: B.A. Hons Photography Degree course at London College of Printing
Homepage: www.jasperjames.co.uk

SZ-Magazin: Herr James, wieso sehen fast alle Menschen auf Ihren Fotos so melancholisch aus?
Jasper James: Bisher war mir nicht klar, dass sie das tun. Aber jetzt, wo Sie es sagen - es könnte ein Resultat meiner Bildbearbeitung sein. Oft entwickelt sich eine bestimmte Stimmung aber auch schon am Set. Eigentlich finde ich es schön, wenn Melancholie dabei entsteht. Allerdings sollten auch andere Emotionen wiederzufinden sein.

SZ-Magazin: Stadtbilder und Silhouetten – in welche Beziehung wollen Sie beides bringen?
Jasper James: In eine Beziehung, in der sich verschiedenste Ideen treffen. Ich glaube, dass es immer interessant ist, zwei so unterschiedliche, teilweise gegensätzliche Dinge zu verbinden. Das kann unheimlich viele Fragen und Gefühle aufwerfen.

SZ-Magazin: Nur ein einziges Ihrer Fotos zeigt keine Person. Warum ist es Ihnen so wichtig, Menschen zu fotografieren?
Jasper James: Einige Städte, in denen ich arbeite, können gar nicht von der Bevölkerung getrennt werden. Die Atmosphäre ist von unglaublich vielen verschiedenen Faktoren beeinflusst, von der Regierung über das Wetter bist zur Wirtschaft, aber erst die Menschen, die in der Stadt leben, geben ihr den wahren Flair.

SZ-Magazin: In welcher Beziehung stehen die Modelle zu den Orten?
Jasper James: Einerseits habe ich fremde Personen ohne ihr Wissen abgelichtet. Diese Zufälle mag ich, aber darauf ist nicht immer Verlass. Deshalb gibt es auch Bilder, für die ich Menschen bewusst in Szene gesetzt habe. Da es unbekannte Menschen aus der Region sein sollen, sind beispielsweise auch Couchsurfing-Gastgeber darunter.

SZ-Magazin: Mit welcher Technik haben Sie die Bilder aufgenommen?
Jasper James: Ich habe doppelt belichtet. Bei analogen Kameras kann man zwei Bilder übereinander machen. Bei digitalen Kameras, die ich hauptsächlich nutze, funktioniert das automatisch. Im Nachhinein habe ich nur noch den Kontrast verändert.

Doppelt gesehen

Nadine Hackemer (Interview) — 2013-04-04T12:00:00+01:00

Wir stellen Ihnen jede Woche junge, talentierte Fotografen vor. Diesmal: Kelli Connell, deren Bilder erst auf den zweiten Blick die Wahrheit erkennen lassen.

Name: Kelli Connell
Geboren: 30. März 1974
Ausbildung: Bachelor of Fine Arts in Fotografie an der University of North Texas, Master of Fine Arts in Fotografie an der Texas Woman's University
Homepage: kelliconnell.com

SZ-Magazin: Frau Conell, in Ihren ersten Fotografien sehen Ihre Models aus wie Liebende. Auf späteren Aufnahmen dann auch wie Geschwister oder Freunde. Welches Bild wollten Sie entstehen lassen?
Kelli Connell: Die Bilder sind sozusagen mit mir groß geworden. Genauso mein Model Kiba Jacobsen, die immer beide Figuren auf den Fotos darstellt. Ich habe die ersten Aufnahmen von ihr gemacht, als ich 20 Jahre alt war. Gerade die ersten Bilder wirken deshalb so wie eine Beziehung, die am Anfang steht - eine in der die Charaktere sich erst kennenlernen müssen. Jetzt, da ich 30 bin, haben sich die Ansichten über mich selbst und Beziehungen verändert. Die späteren Fotos wirken deshalb auch wie Szenen aus einer reiferen Beziehung.

Über zehn Jahre lang haben Sie Bilder von ein und derselben Frau gemacht?
Noch als Studentin habe ich Kiba Jacobsen in einem meiner Fotografiekurse an der Uni kennengelernt. Wir kannten uns bereits sieben Jahre lang, bevor wir dann gemeinsam anfingen an Double Life zu arbeiten. Nachdem wir die ersten Probeaufnahmen gemacht haben, wusste ich, dass sie das richtige Model für diese Strecke ist. Sie konnte sich wie ein Chamäleon anpassen. Egal ob sie in eine männliche oder weibliche Rolle schlüpfen musste, es wirkte nie aufgesetzt.

Küsse, Umarmungen, Blickkontakte. Ihre Bilder wirken wie intime Ausschnitte aus dem wirklichen Leben.
Es ist wichtig, dass meine Fotos real wirken, obwohl nie zwei Figuren in einer Szene den gleichen Platz zur gleichen Zeit eingenommen haben. Für jedes Bild, das ich entstehen lasse, verbrauche ich mehr als zwei Filmrollen, allein für die erste Szene. Für die zweite Szene wiederum auch ein bis zwei Filmrollen. Normalerweise stehe ich oder jemand anderes Lichtdouble, um den anderen Charakter zu ergänzen. So hat mein Model jemanden mit dem sie interagieren kann. Gerade deshalb wirkt der Blickkontakt oder die Berührung echt. Nach dem Shooting, entwickle ich die Filme und erstelle Kontaktabzüge. Daraus bastle ich Collagen, um festzustellen welche der Figuren am besten für die Szene zusammenpassen. Anschließend scanne ich die Negative und bearbeite sie im Photoshop, so dass man den »Betrug« nicht mehr bemerkt. Das Wichtigste an meiner Arbeit ist, dass ich es schaffe, während meines Arbeitsprozesses Bilder enstehen zu lassen die einen starken emotionalen Touch haben. In jedem Bild lege ich besonders Wert auf eine bestimmte Atmosphäre, Spannung oder Stimmung, dabei interessiert mich weniger, ob die Bilder digital mit Photoshop bearbeitet wurden. Photoshop erlaubt mir lediglich ein realistisches Bild entstehen zu lassen, dass entweder als eine Beziehung zwischen zwei Menschen verstanden werden kann, oder als Beziehung zwischen multiplen Persönlichkeiten des Ichs. Darin besteht die Schönheit für mich

Jede Szene ist anders: Frau mit Mann. Frau mit Frau. Mann mit Mann. Durch Kleidung und Körpersprache haben die Charaktere immer eine andere Rolle. Was haben Ihre Bilder mit Identität, Geschlechterrollen und Gesellschaft zu tun?
»Double Life« hinterfragt die Rollen die jeder Mensch in Beziehungen mit anderen einnimmt. Gleichzeitig wollte ich die verschiedenen Persönlichkeiten, die jeder in sich trägt, gegenüberstellen. Weil ich immer das gleiche Model fotografiert habe und dabei auf Körpersprache, Mimik und Kleidung geachtet habe, konnte ich die Komplexität der Identität hinterfragen. Meine Arbeit versucht zu ergründen wie sich Beziehungsrollen verändern oder gleich bleiben, wenn zwei Frauen die Rollen beider Partner annehmen. Mich interessiert die Idee, dass Identität nicht starr sondern beweglich ist - und wir Grenzen oder Systeme überwinden können, die uns die Gesellschaft auferlegt hat.

Auf Ihrer Webseite sind nur Bilder der Serie »Double Life« zu finden. Abgesehen davon, was fotografieren Sie noch?
Während ich die Serie »Double Life« entstanden ist, habe ich mit meiner Frau, Betsy Odom, zusammen an einem neuen Projekt gearbeitet. Die Bilder werde ich im Verlauf des Jahres auf meiner Webseite kelliconnell.com veröffentlichen.

Honkey Kong

Nadine Hackemer (Interview) — 2013-03-20T10:42:00+01:00

Wir stellen Ihnen jede Woche junge, talentierte Fotografen vor. Diesmal: Christian Åslund, der sich auf den Dächern Hongkongs an seine liebsten Computerspiele erinnert fühlt.

Name: Christian Åslund
Geboren: 27. Juli 1974
Ausbildung: Studium der Dokumentarfotografie in Hola, Schweden, und Studium der Stillleben-Fotografie in Hadsel, Norwegen
Homepage: www.christian.se

Herr Åslund, Sie kommen aus Schweden. Warum haben Sie sich für Ihre Serie Honkey Kong gerade Hongkong und nicht Stockholm oder Berlin ausgesucht?
Christian Åslund: Ich wohne in Stockholm, eine eher kleinen Stadt für eine Hauptstadt, ohne riesige Skyscraper, wie es sie in den USA, China und anderen Großstädten gibt. Die Idee zu der Honkey Kong-Serie ist mir gekommen, als ich einen Freund in Hong Kong besucht habe. Er hatte Zugang zu dem Dach eines Hochhauses. Ich war begeistert von der Aussicht von dort oben. Aus der Vogelperspektive das alltägliche Leben zu betrachten, brachte mich dann auf die Idee den klassischen 2D Videospiele, old-school Spiele wie Donkey Kong eben, einen Tribut zu zollen.

Wie haben Sie das Projekt finanziert?
Kurze Zeit nachdem ich die Idee hatte, kam eine Schuhfirma auf mich zu und bat mich darum Fotos für eine Anzeigenkampagne zu machen. Ich schlug Ihnen meine Honkey Kong-Idee vor und ich konnte überzeugen. Ein paar Wochen später bin ich mit einem sehr kleinen Produktionsteam nach Hong Kong zurückgekehrt.

Was war die größte Herausforderung bei der Umsetzung?
Der Produktionszeitplan war sehr eng gesteckt. Letzten Endes hatten wir nur zwei Tage für Probeaufnahmen und die Suche nach geeigneten Shooting-Spots Zeit. Das schwierigste war es deshalb, Zugang zu den unterschiedlichen Hochhausdächern zu bekommen und möglichst viele Locations zu finden. Auch die Sprache war ein Problem, so dass wir Studenten engagieren mussten, die kantonesisch sprechen. Fotografiert haben wir dann zwei Tage lang, um die zehn richtigen Fotos für die Kampagne zu schießen.

In Ihren Bildern wirken die Perspektiven verzerrt, die Models scheinen sich perfekt in die 2D-Landschaft zu fügen.
Ich glaube, die Honkey Kong-Serie fällt auch gerade deshalb so ins Auge. Aus einer ungewöhnlichen Perspektive hat man einen Blick auf eine verrückt verdrehte Spielwiese. Es sollte so aussehen, als ob das Fotomodell sich durch die Straßen Hong Kongs navigiert. Damit das klappt, haben wir Walkie-Talkies benutzt, um mit den Leuten auf dem Boden zu kommunizieren. So konnten wir sie genau in die richtige Perspektive rücken. Gleichzeitig mussten wir immer ein Auge auf den Verkehr haben, schließlich haben wir die Models in der Mitte vielbefahrener Straßen fotografiert.

Ganz unten

Meike Mai (Interview) — 2013-02-07T17:00:00+01:00

Wir stellen Ihnen jede Woche junge, talentierte Fotografen vor. Diesmal: Nurcan Özdemir, die türkische Transsexuelle im Istanbuler Ghetto begleitet hat.

Name: Nurcan Özdemir
Geboren: 10.Januar 1986
Ausbildung: Akademie für Mode und Design, München
Homepage: renegatxx.tumblr.com

SZ-Magazin: Frau Özdemir, Ihre Fotos von türkischen Transsexuellen geben Einblick in eine Szene am Rande der Gesellschaft. Diese Menschen leben ausgestoßen und von Männern und Frauen misstrauisch beäugt in einem Istanbuler Ghetto. Wie bekamen Sie so ungehinderten Zugang zu dieser Szene, dass sich die Transsexuellen sogar nackt fotografieren ließen?
Nurcan Özdemir: Es war wahnsinnig schwer. Von Deutschland aus hatte ich mindestens hundert Mails geschrieben und Telefonanrufe getätigt. Auch über Facebook, NGOs oder Gayromeo hatte ich versucht, Kontakt aufzunehmen. Erfolglos. Schließlich bin ich einfach nach Istanbul geflogen. Dort habe ich Friseursalons abgeklappert, bin jedoch nicht direkt ins Viertel der Transsexuellen gegangen – davon wurde mir von allen Seiten strengstens abgeraten. Es gilt als gefährlich, denn hier wohnen nur Menschen, die nichts zu verlieren haben: Junkies, Prostituierte, Verbrecher, Kurden und eben Transsexuelle. Über einen Friseursalon habe ich dann den Namen einer Transsexuellen bekommen. Der hat sehr geholfen. Als ich dann in einem zweiten Friseursalon in diesem Viertel stand, wurde ich wenigstens nicht attackiert. Nach etwa einer Stunde Reden schlug die Stimmung von Aggressivität in Offenheit um.

So offen, dass Sie ganz intime Fotos dieser Frauen machen konnten.
Das war das Wunderbare! Diese Menschen sind so gebeutelt und haben doch einen so liebevollen Kern! Nachdem sie Vertrauen zu mir gefasst hatten, durfte ich ihren Lebensmut und ihre Willenskraft erleben. Sie luden mich und die zweite Fotografin Sebnem Coskun in ihre heruntergekommenen Wohngemeinschaften ein, servierten Essen, und wir durften beobachten, wie sich sie für die Arbeit fertig machen.

Als was arbeiten die Frauen?
Neun von zehn gehen auf den Strich. Ich vermute, dass viele unter ihnen drogen- oder alkoholabhängig sind. Anders ließe sich ihr gefährlicher Alltag wohl kaum ertragen.

Weshalb leben Transsexuelle in der Türkei so gefährlich?
Türken hassen Transsexuelle, ihre Familien verstoßen sie. Täglich werden sie auf der Straße verspottet, diskriminiert oder mit irgendwelchen Sachen beworfen. Polizisten schikanieren sie bei Festnahmen aus an den Haaren herbeigezogenen Gründen wie „Erregung öffentlichen Ärgernisses". Am größten ist aber die Gefahr durch gewalttätige Sexkunden. Viele sterben oder werden verletzt, weil einige Männer nach vollzogenem Akt auf sie losgehen - aus Selbsthass, dass sie Sex mit einer von ihnen hatten.

Aus Selbsthass?
Ja, die besten Kunden sind schwule Familienväter. Psychologisch gesehen eine sehr komplizierte Geschichte. Deshalb haben die Transsexuellen übrigens auch meistens Brüste und einen Penis - und lassen sich bewusst nicht umoperieren. Ich kann mir auch gut vorstellen, dass viele der Frauen, die ich fotografiert habe, ursprünglich gar keine Frau sein wollten - sondern nur offen schwul. Viele sind aus dem konservativen Osten des Landes geflüchtet, wo die religiöse Patriachalgesellschaft sie in die Transsexualität trieb, noch bevor sie in Istanbul die Freiheit finden konnten.

Sie fotografieren schwarz-weiß. Warum?
Die Persönlichkeit, die Gesichter, aber auch die Narben der Menschen sollten im Mittelpunkt der Bilder stehen. Von ihrem Schicksal hätten die bunten Straßen Istanbuls nur abgelenkt.

Willkommen in Skateistan

Ben Kuhlmann (Interview) — 2013-01-31T14:27:00+01:00

Wir stellen Ihnen jede Woche junge, talentierte Fotografen vor. Diesmal: Patrik Wallner, der sich mit dem Skateboard in die entlegensten Gebiete Zentralasiens aufmachte.

Name: Patrik Wallner
Geboren: 3. August 1987 in Tübingen
Ausbildung: Autodidakt
Homepage: www.visualtraveling.com

SZ-Magazin: Herr Wallner, wie kommt man auf die Idee, mit dem Skateboard nach Afghanistan zu reisen?
Patrik Wallner: Es war nur eine Frage der Zeit. Ich habe in den letzten drei Jahren schon einige Rundreisen mit anderen Skatern in Asien und Europa unternommen, weshalb eine Reise nach Zentralasien sowieso früher oder später stattgefunden hätte. Am Ende stand dann die Route parallel der Seidenstraße mit Stopps in Kasachstan, Kirgistan, Usbekistan und Turkmenistan fest. In letzter Minute wurde uns allerdings der Eintritt nach Turkmenistan verweigert, weshalb wir stattdessen in Afghanistan gelandet sind.

Und wie können Sie solche umfangreichen Reisen finanzieren?
In der Regel zahle ich meine Reisen selbst, indem ich mir im Vorfeld ein wenig Geld verdiene. Manchmal zahlen auch ein paar Sponsoren, deren Logo ich dann im Gegenzug am Ende meiner Filme oder Fotos zeige.

Wie reagierten die Leute dort auf Sie als Skateboardfahrer?
In den meisten Städten halfen uns einheimische Skateboarder dabei, Hotels, Skate-Spots und Restaurants zu finden. Besonders in Afghanistan gab es aber auch Momente, in denen uns das Skateboard half, das Eis zwischen uns und den Einheimischen zu brechen. Anfangs waren die Leute noch skeptisch, aber nachdem sie uns dabei zusahen, wie wir auf Geländern rutschten und Stufen runtersprangen, wollten sie plötzlich selber skaten und löcherten uns mit Fragen.

Welcher Moment ist Ihnen am stärksten in Erinnerung geblieben?
Das beste Erlebnis war eine wirklich skurrile Szene in Afghanistan. Wir, schmutzige Skateboarder wurden in Geländewägen, begleitet von Bodyguards und der Polizei, chauffiert. Ich fühlte mich wie ein Politiker oder Skateboard-Botschafter.

Auf manchen Bildern sind schwer bewaffneten Begleiter zu sehen. Wie fühlt sich das an, so zu reisen?
Im ersten Moment unheimlich, nach einer Weile dann aber sehr angenehm. Ich erinnere mich, wie wir am zweiten Abend in Afghanistan mit den Wachleuten essen waren und ich mir dachte: »Kann der Typ mal seine Kalaschnikow von meinen Beinen entfernen?« Irgendwann fand ich es lustig, wie schnell ich mich doch daran gewöhnt hatte, so viele Maschinengewehre um mich zu haben. Außerdem ist mir im Gedächtnis geblieben, wie ich an einem Abend im Internet surfte und den Wachen einige Videos, Fotos und ein paar nackte Frauen zeigte. Daraufhin sagte einer zu mir: »Meine Kalaschnikow ist mein Internet«.

Wohin geht Ihre nächste Reise?
Iran wird mein nächstes Projekt. Ich bin mit Leuten im Kontakt, die in Teheran einen Skatepark bauen. Wenn alles nach Plan läuft, fliege ich diesen Sommer. Abgesehen davon gibt es noch viele Orte, an die ich zurückkehren möchte. Es gibt nichts Besseres, als den Wandel einer Stadt mitzuerleben.

Fall ins Bodenlose

Nadine Hackemer (Interview) — 2013-01-17T17:00:00+01:00

Wir stellen Ihnen jede Woche talentierte, junge Fotografen vor. Diesmal: Jan Lieske mit seiner Porträtserie über Menschen, die Privatinsolvenz angemeldet haben.

Name: Jan Lieske
Geboren: 01.07.1976
Ausbildung: Studium „Reportage und Dokumentarfotografie" an der FH Hannover
Website: www.janlieske.com

SZ-Magazin: Herr Lieske, es scheint, jedem einzelnen Ihrer Porträtierten sei die Sorge ins Gesicht gemeißelt.
Jan Lieske: Das liegt vielleicht daran, dass ich während des Fotografierens jeden darum gebeten habe, sich an die Zeit der Privatinsolvenz zurückzuerinnern. Ich habe die Leute gefragt, wo ihr Lieblingsort sei. Der Ort, an dem sie am besten abschalten können. Dort sind wir dann hingefahren.

Wie sind Sie überhaupt auf das Thema Privatinsolvenz gekommen?
In Hannover war ich über die Caritas an einem Fotoprojekt für Obdachlose beteiligt. Dort habe ich dann einen Dokumentarfilmer kennengelernt, der einen Film über die Schuldnerberatung drehen wollte. Wir überlegten uns, ob es nicht sinnvoll wäre zweigleisig zu fahren. Daraus ist dann die Serie „Personal Bankruptcy" entstanden.

Eine Privatinsolvenz hängt man zumeist nicht an die große Glocke. Wie haben die Leute auf Ihre Fotoserie reagiert?
Im Vorfeld habe ich viele Gespräche mit dem örtlichen Schuldnerberater der Caritas geführt. Er hat die Leute dann gefragt, ob sie mitmachen wollen. Erstaunlich viele waren der Fotoserie gegenüber offen und haben eingewilligt, mich und meine Idee kennenzulernen.

Welche persönliche Geschichte hat Sie am meisten berührt?
Der Mann mit der Nähmaschine war ursprünglich Fernfahrer. Während einer Tour hatte er einen schweren Herzinfarkt. Danach war er berufsunfähig und wurde arbeitslos. Nach und nach verlor er alles. Als er seine Wohnung nicht mehr bezahlen konnte, ist er ins Männerasyl gegangen. Er hat mir gesagt, wenn die Beratung nicht gewesen wäre, würde er heute nicht mehr leben. Das war ein Mann, der ursprünglich mitten im Leben stand und dann fast ins Bodenlose gefallen ist. Das Foto ist vor der Nähmaschine entstanden, weil er gerne Dinge repariert. Ganz besonders gerne Kleidung.

Nach dem Sturm

2012-12-30T15:47:00+01:00

Wir stellen Ihnen jede Woche junge, talentierte Fotografen vor. Diesmal: Lena Scherer, die in New York die Folgen des Hurrikan Sandy festgehalten hat.

Name: Lena Scherer
Geboren: 5. Juni 1989
Ausbildung: Fotografen-Gesellin
Website: www.lenascherer.de

SZ-Magazin: Frau Scherer, Sie haben Sturm Sandy in New York erlebt - für uns, die wir davon nur gelesen haben, wie war es: Schlimmer, als man in Deutschland denkt? Weniger schlimm?
Es kommt drauf an, wo man sich zu dem Zeitpunkt aufgehalten hat oder wo man lebt. In der Zone A, also am Wasser, war es tatsächlich sehr schlimm. Viele Menschen haben ihr ganzes Hab und Gut verloren und konnten nur tatenlos dabei zu sehen, oder waren bereits evakuiert. In der Mitte Brooklyns hat man nur mitbekommen, dass es unangenehm windig ist. In Dumbo, Rockaway Park und an anderen Orten war es aber wie ein kleiner Weltuntergang.

Merkte man der Stadt den Sturm noch lange an?
Ja! Manche Gebäude im Financial District hingen noch lange an Generatoren. Viele hatten kein Internet oder Telefon, wie im Brooklyn Navy Yard, das mannshoch unter Wasser stand und dessen Lagerhallen geflutet wurden. Die Benzin-Knappheit in ganz New York konnte erst spät wieder behoben werden. Die Aufräumarbeiten werden mancherorts noch Wochen, wenn nicht Monate andauern. Jedoch gehen die Menschen unglaublich gut damit um, sie versuchen sich nicht zu beklagen und sind dankbar für die Dinge die sie retten konnten, oder weil sie einen Job haben mit dem sie ihr Leben wieder aufbauen können. Wie zum Beispiel die Bauarbeiterin die ich porträtieren konnte, die nahe der Brooklyn Bridge bei Aufräumarbeiten geholfen hat.

Sind Sie während des Sturms zum Fotografieren vor die Tür gegangen?
Ich habe mich in einem kleinen Hotel in Little Italy aufgehalten, als der Sturm auftraf und dann Montagabend der Strom in ganz Downtown ausfiel. Ich war wenige Minuten draußen, jedoch wurde nach kürzester Zeit klar, dass es tatsächlich lebensgefährlich sein kann. Es flogen Markisen und deren Gestänge durch die Gegend, Strassenschilder wurden Instabil und dazu kam, dass durch den fehlenden Strom natürlich auch keine Sicherheitssysteme, keine Ampeln, keine Alarmanlagen oder Ähnliches funktionierte und die Nebenstrassen für Diebe und Kleinkriminelle ideale Orte wurden.
Also: Nein. Erst ein paar Tage später bin ich losgezogen.

Ist New York an sich eine besondere Stadt zum Fotografieren?
Ja, ist sie. Die Architektur, Strukturen, Farben und vor allem die Menschen sind von solcher Vielfalt, dass man manchmal gar nicht weiß, worauf man zuerst den Fokus richten soll. Ich glaube sogar, dass das Licht hier anders ist. Mal davon abgesehen, dass sich wohl in keiner anderen Stadt so viele Menschen befinden, die mit Fotografie, Fashion, Werbung und den Medien zu tun haben.

Welche deutsche Stadt finden Sie als Fotografin am interessantesten und warum?
Das kann ich nicht auf eine reduzieren. Hamburg, Berlin und auch München würden sich das Treppchen teilen. Jede Stadt hat ihren Charme und ihre Vorzüge. Hamburg und dessen Agenturen unterstützen die Nachwuchsfotografen vermehrt, Berlin strotzt vor Kreativität und Anderssein und München hat eine tolle Medienlandschaft und ist eben meine Heimatstadt. Alles ist irgendwie als Fotografin für mich wichtig, vielleicht sollte ich mich irgendwann dreiteilen?

Wo sehen sie Ihren Schwerpunkt?
Emotion. Das soll meine Fotografie sein - oder auslösen. Dabei ist nicht unbedingt wichtig welche Emotionen, weil das subjektiv ist. Wichtig ist, dass sie bei mir, während meiner Arbeit anfängt und beim Betrachter aufhört.

Getr�bte Sicht

Catharina Tews (Interview) — 2012-12-21T07:00:00+01:00

Wir stellen Ihnen jede Woche junge, talentierte Fotografen vor. Diesmal: Bryan Schutmaat, der die Einwohner der Schürfgemeinden im Westen der USA ablichtete.

Name: Bryan Schutmaat
Geboren: 1983 in Houston, Texas
Ausbildung: Master in Fotografie an der University of Hartford
Hompage: www.bryanschutmaat.com

SZ-Magazin: Herr Schutmaat, Sie sind in einem Vorort von Houston, der viertgrößten Stadt Amerikas, aufgewachsen. Muss man die Metropole erst satt haben, um sich nach dem Kleinstadtleben im Westen zu sehnen?
Bryan Schutmaat: Das Leben in Houston fühlt sich an, als würde die ganze Welt eines Tages einfach überbetoniert werden – man kann die drohende Zerstörung beinahe spüren. Das flache, hässliche Bild der Stadt zieht sich endlos. Es gibt kein weites Land, keine Grünräume. Vielleicht übertreibe ich ja, aber Houston wirkt erstickend, einengend und das weckt die Sehnsucht nach grenzenlosem Raum mit Bergen, Bäumen und Flüssen. Der Westen kann dir das bieten, das fasziniert mich.

»Der Westen« steht nach wie vor für das wilde Amerika. Wo waren Sie unterwegs?
Anfangs habe ich in Montana gelebt, deswegen entstanden dort viele Aufnahmen. Später bin ich von einer Minenstadt zur anderen gereist durch die Bergregionen des Westens, Wyoming, Idaho und South Dakota, bis hin in den Südwesten über Nevada nach Colorado, New Mexico and Arizona.

Der Titel Ihres Foto-Essays »Grays the Mountain Sends« ist ein Auszug aus einem Gedicht von Richard Hugo, in dem er die ökomische Krise des Nordwestens Mitte des 20. Jahrhunderts reflektierte.
Genau. Ich war auf der Suche nach Literatur, die sich auf die Region bezieht. Mir fiel Richard Hugo in die Hände, ein Mann, der den Großteil seines Lebens dort verbrachte und dessen Texte die Tristesse und Schönheit der Umgebung reflektieren. Als ich zum ersten Mal sein bekanntestes Gedicht über eine ausgebrannte Minenstadt las, ließ es mich nicht mehr los.

In diesen Versen schreibt er von verlassenen Hotels, von Kirchen als einzigen Hoffnungsgarant, von den schönen Mädchen, die gehen, und den Bars, die doch nicht die Langeweile vertreiben können. Entspricht das Ihrem Bild der westlichen USA?
Hugos Texte sind poetisch gefärbt von seiner Melancholie. Deshalb können sie das Leben der Menschen dort nicht verallgemeinernd abbilden. Auch meine Bilder nicht, obwohl sie nicht inszeniert sind. Die Verse beschreiben aber einige Städte exemplarisch: Orte, die die Boom-Zeiten lange hinter sich haben, geschlossene Hotels, die seit Zeiten keine Geschäftsmänner oder Touristen mehr beherbergen und Bars, die von jenen profitieren, die versuchen ihre Trostlosigkeit zu ertränken. Wenn die Menschen hoffnungslos werden, füllen sich die Kirchenbänke. Einige Städte schrumpfen, Arbeiter bleiben, die Frauen gehen. Hat deine Heimat dir nichts mehr zu bieten, dann fühlst du das »Grau der Berge« – Langeweile, Armut, dein gebrochenes Herz, Ausweglosigkeit. Wenn Hugo im Osten gelebt hätte, hätte er sicherlich auch »Grays the Factory Sends« verfasst.

Sind Ihre Aufnahmen deshalb absichtlich so grau?
Ich habe ohne Filter gearbeitet, wenn Sie das meinen. Ich fotografiere, wenn die Sonne noch tief steht am frühen Morgen oder an bewölkten Nachmittagen. Dieser Grauton ist charakteristisch für das Licht in den Bergen. Die Sonne senkt sich hinter das Gebirge bevor sie untergeht und dämpft das Licht.

Die Menschen auf Ihren Bildern waren Fremde. Haben sie Ihnen trotzdem von ihrem Leben erzählt?
Ich habe unglaubliche Geschichten gehört. Zum Beispiel vom alten Dave: Er ist der letzte noch Lebende seines Freundeskreises und glaubt, mit einem Minengeist zusammenzuwohnen. Jim hat einen Felssturz überlebt. Ein junger Mann glaubte, dass Satan ihn wegen seiner sexuellen Neigungen heimsuchen würde und wandte sich der Kirche zu. Jesse erzählte von schlaflosen Nächten, in denen er plötzlich wieder in Vietnam kämpfte. Und dann war da noch Scott, der seit zehn Jahren dem selben Berglöwen hinterherjagt. Am meisten bewegt hat mich aber Charly, den ein simpler Leitersturz um seinen Sohn gebracht hatte. »Einige Dinge vergisst du einfach nicht«, hat er immer wieder gesagt. Diese Erinnerungen kann man hinter meinen Porträts nur erahnen. Der Fotograf ist kein Geschichtenerzähler. Er deutet nur an, fängt den Moment ein. Die Vorstellungskraft des Betrachters bereitet den Rest.

Scheint, als hätten Ihnen die Menschen viel Vertrauen entgegengebracht?
Manchmal sprachen wir stundenlang, ich wurde zum Abendessen eingeladen, bekam Geschenke und wurde »Freund« genannt. An anderen Tagen schickten sie mich weg, schikanierten mich sogar.

Wenn man Ihre Fotos betrachtet, fragt man sich, wie denn der Einzelne diese Einsamkeit und Perspektivenlosigkeit erträgt?
Menschen im tiefen Westen überleben wie überall sonst: Sie arbeiten hart, bringen ihr Geld zur Bank und ab und an haben sie Momente seltenen Glücks und die wissen sie zu schätzen. Das ist ihr Alltag. Meine Bilder sind vielleicht traurig, aber so geht es eben auf der Welt zu.

Und wenn sie nicht gestorben sind

Quentin Lichtblau (Interview) — 2012-11-18T12:18:00+01:00

Wir stellen Ihnen jede Woche neue talentierte Fotografen vor. Diesmal: Dina Goldstein, die Märchenprinzessinnen als gefallene Heldinnen inszeniert hat.

Name: Dina Goldstein
Geboren: 1969 in Tel Aviv
Ausbildung: Studium der Fotografie in Vancouver, B.C.
Website: www.dinagoldstein.com

SZ-Magazin: Frau Goldstein, wollten Sie als junges Mädchen auch eine Prinzessin sein?
Dina Goldstein: Ich bin im Israel der frühen Siebzigerjahre aufgewachsen und kam sehr jung nach Kanada. Dort musste ich mich an eine völlig andere Gesellschaft anpassen und habe diese Prinzessinnen-Phase komplett verpasst. Als Kind in Israel wurden mir hauptsächlich biblische Geschichten mit Lehren für ein gutes Leben erzählt. Disney kannte ich damals überhaupt nicht, jetzt natürlich schon.

Was hat Sie dazu gebracht, das perfekte Bild der Märchenheldinnen gewissermaßen zu zerstören und sie als Gefallene darzustellen?
Meine Tochter Jordan war drei Jahre alt und gerade in ihrer ersten "Prinzessinnen-Phase". Die Figuren waren für sie plötzlich omnipräsent während ich sie überhaupt erst richtig kennenlernte. Etwa zur selben Zeit wurde bei meiner Mutter Brustkrebs diagnostiziert. Diese beiden Ereignisse brachten mich zum Nachdenken: Wie sähe wohl eine Prinzessin aus, die mit einer schweren Krankheit, finanziellen Problemen oder fortschreitendem Alter zu kämpfen hat? Ich stellte mir vor, was den verschiedenen Charakteren zustoßen könnte, wenn sie eben nicht "glücklich und zufrieden bis an ihr Ende" lebten. Meine erste Idee war die der Rapunzel, die ihr langes Haar durch eine Chemotherapie verliert. Darauf aufbauend begann ich mit ersten groben Skizzen und Ideen zu den restlichen Bildern, die mit der Zeit immer detailreicher wurden. Mit einem sehr knappen Budget und einer Menge freiwilliger Helfer entstand die Serie dann schließlich einem Zeitraum von zwei Jahren.

In Ihrem neuen Projekt "In the Dollhouse" beziehen Sie sich auf eine weitere Mädchen-Ikone: Die Barbie-Puppe. Sie inszenieren Barbie und Ken in einer kaputten Beziehung, die ein tragisches Ende nimmt.
Mehr als jedes andere Kindheitskonstrukt repräsentiert Barbie die Idee, dass Schönheit Macht bedeutet und notwendig für ein glückliches Leben ist. Viele meiner Freunde sind durchtrainiert, gutaussehend, gesund und wohlhabend - trotzdem hat jeder seine persönlichen Schwierigkeiten. Es gibt im echten Leben keine Perfektion. Und das ist auch vollkommen in Ordnung so.

Viele Eltern versuchen ihre Kinder von Dingen wie Barbie-Puppen und der ganzen rosa Prinzessinnenwelt fernzuhalten und ihnen einen offeneren Umgang mit Geschlechterrollen näherzubringen. Wie gehen Sie als Mutter damit um?
Ich lasse meinen Mädchen ihre Freude an was immer sie wollen. Ich halte es für unnötig, da irgendwelche Grenzen zu setzen. Meine siebenjährige Tochter Jordan hat ihre Rosa-Phase hinter sich und wird mittlerweile eher zur burschikosen Kumpeline. Meine kleine Zoe hingegen fängt gerade an, sich für die Barbie-Puppen ihrer großen Schwester zu interessieren und ist ein ziemlicher Fan von Mode. Ich lasse sie da einfach ihre Erfahrungen machen, fungiere lieber als Beobachterin und, wenn nötig, als Ratgeberin.

Welche Ikone bringen Sie in Ihrem nächsten Projekt zu Fall? Oder haben sie andere Pläne?
Ich habe bereits eine Idee, aber die muss erst einmal konkretere Formen annehmen, bevor ich mich dazu äußere. Warten Sie's ab!

Ohne Obdach

Thomas von Eichhorn (Interview) — 2012-10-31T12:12:00+01:00

Wir stellen Ihnen jede Woche junge, talentierte Fotografen vor. Diesmal: Jasmine Shah hat vier Wochen mit Obdachlosen verbracht.

Name: Jasmine Shah
Geboren: 1983 in Castrop-Rauxel
Ausbildung: Studiengang Fotografie und Medien an der FH Bielefeld und der Moholy-Nagy University of Art and Design in Budapest
Homepage: www.shah-photographies.de

SZ-Magazin: Für Ihre Abschlussarbeit »Shelter« haben Sie vier Wochen mit Obdachlosen auf der Straße verbracht. Warum wollten Sie die Menschen so lange mit so vielen Entbehrungen begleiten, anstatt sie einfach nur einige Tage lang zu fotografieren und abends nach Hause zu gehen?
Jasmine Shah: Ich hatte mich schon vorher mit dem Thema beschäftigt und wollte besser verstehen wie es ist, wenn man so viele Sachen entbehren muss. Da war es für mich wichtig, diesen Schritt zu machen. Vier Wochen waren ein guter Zeitraum, sonst wäre es schwierig gewesen, die Obdachlosen richtig kennenzulernen.

Wo waren Sie überall und wie haben Sie diese Zeit erlebt?
Ich war in Nordrhein-Westfalen, weil ich dafür das Semesterticket hatte. Gelebt habe ich in Bochum, Dortmund, Köln, Oberhausen und Düsseldorf. Dabei habe ich mich selbst besser kennengelernt. Es war eine sehr emotionale Zeit mit schwankenden Gefühlen. Ich habe zum Beispiel selbst gebettelt und Suppe ausgegeben bekommen. Negativ fand ich, dass alles viel langsamer abläuft. Man steht auf und hat nicht viel zu tun. Das einzige, womit man sich beschäftigt, ist: Wie komme ich an Geld, wo kann ich mich duschen und wie bekomme ich mein Essen? Einmal haben wir in einem relativ windgeschützten Tunnel in Düsseldorf geschlafen. Da sind viele Menschen vorbeigegangen und haben geschaut. Man fühlt sich als Mensch zweiter Klasse.

Auf den Fotos sieht man drinnen und draußen schlafende Menschen, manche mit Schlafsäcken, andere in warmen Betten, Gepflegtere und Ungepflegtere. Warum unterscheiden sich die Lebensbedingungen von Obdachlosen so sehr?
Es gibt Einrichtungen zum Duschen und niemand muss in kaputten Sachen rumlaufen. Man bekommt Anziehsachen und Schuhe und in jeder großen Stadt kann man essen. Jeder muss selbst entscheiden, ob er duschen möchte oder nicht. Als Frau hatte ich Glück: Während die Männer zu dritt oder viert duschen mussten, durfte ich alleine duschen. Die Klischees, die von den Medien verbreitet werden, stimmen nicht. Es ist nicht jeder alkohol- oder drogenkrank.

Leben viele aus freier Entscheidung obdachlos?
Einige schon. Ich würde Obdachlosigkeit nicht mehr mit Armut verbinden. In Deutschland muss niemand auf die Straße gehen. In einer neuen Stadt geht man zuerst zur Bahnhofsmission. Dort kann man essen und Wäsche waschen. Man hat eigentlich alles – außer einem eigenen Bett. Weil in den Unterkünften mehr Leute Alkohol- und Drogenprobleme haben, geht man dann doch lieber auf die Straße.

Wie sind die Unterkünfte sonst?
Es gibt eine Unterkunft, bei der man 80 Euro im Monat zahlen muss und drei Mahlzeiten pro Tag bekommt. Das ist sehr eintönig: Man würde gerne auch zwischendurch essen und darf nie zum Essen aufs Zimmer gehen. Teilweise wird man wie ein Kind behandelt: Man muss sich immer an die Zeiten halten und sich in eine Liste eintragen, wenn man duschen geht.

Einer der Obdachlosen trägt eine verkrustete Wunde auf der Nase. Wissen Sie, woher diese kommt?
Von einer Schlägerei, bei der ich nicht dabei war. Er hatte viel getrunken und jemand wollte seinen Schlafsack klauen. Die Leute in den Notunterkünften beklauen sich leider sehr oft gegenseitig.

Ihr Projekt trägt den Untertitel »Was bedeuten Schutz und Zuflucht im 21. Jahrhundert?« Wie beantworten Sie diese Frage jetzt nach Ihrer Arbeit?
Schutz und Zuflucht bedeuten für mich, dass man einen privaten Raum hat. In den Mehrbettzimmern wird man oft bestohlen und hat nie die nötige Ruhe, um sich zurückzuziehen.

Erntedank

Thomas von Eichhorn (Interview) — 2012-10-31T12:00:00+01:00

Wir stellen Ihnen jede Woche junge, talentierte Fotografen vor. Diesmal: Markus Schwarze porträtiert jene Arbeiter, die in der Türkei für unser Obst und Gemüse schuften.

Name: Markus Schwarze
Geboren: 1978 in Hamburg
Ausbildung: EDV-Kaufmann, danach 12 Jahre IT-Berater bei unterschiedlichen Agenturen, seit vielen Jahren Fotograf im Nebenberuf, seit 2012 komplett selbstständig
Homepages: Hochzeiten unter www.markusschwarze.com, Porträts unter www.markusschwarze.me

SZ-Magazin: Sie sind ja eigentlich Hochzeitsfotograf. Bilden Sie Menschen lieber in Hochzeits- oder Alltagskleidung ab?
Markus Schwarze: Was ich an Hochzeiten mag, ist die Leidenschaft und Freude, die dort den ganzen Tag über zu spüren ist. Aber ich fotografiere auch total gerne Menschen ganz natürlich. 2010 hatte ich die Idee für eine Serie, für die ich 365 Tage lang jeden Tag eine andere Person fotografiert und einen kleinen Text dazu geschrieben habe. Seitdem schaue ich immer, wenn ich länger weg bin, dass ich Leute porträtiere, zum Beispiel die Schickeria in Cannes. Es fasziniert mich, mit den Leuten sehr lange zu reden und sie dabei näher kennenzulernen.

Für Ihre aktuelle Serie haben Sie in der ländlichen Gegend um Antalya türkische Landarbeiter abgelichtet. Wie haben Sie sich mit ihnen verständigt?
Ich hatte mir vorher beibringen lassen, was »hallo«, »tschüss« und »Ich komme aus Deutschland« heißen. Ich finde es sehr wichtig, dass wenigstens das Hallo funktioniert. Also bin ich mit dem Auto herumgefahren und habe den Leuten »merhaba« zugerufen. Die Menschen freuen sich gleich, wenn man ihnen auf Türkisch begegnet. Ich habe mich dann auf Deutsch, Englisch, sowie mit Händen und Füßen mit den Leuten unterhalten und sie gebeten, sie fotografieren zu dürfen. Die Menschen sollten sich einfach nur aus der Situation heraus hinstellen. Drehen mussten sie sich nur, wenn das Licht nicht passte.

Wie kamen Sie auf das Thema?
Ich gehe unheimlich gerne weg von touristischen Gegenden und die Türkei ist ja ein großer Lieferant von Obst und Gemüse. Wir meckern immer, dass Obst und Gemüse teurer wird, sehen aber nicht, wie hart die Leute dafür arbeiten. In Deutschland ist ja alles industrialisiert, da gibt es vielleicht maximal noch Spargelstecher. Daher kam mir die Idee, mir das mal vor Ort anzuschauen und zwei bis drei Porträts von Leuten, die auf dem Feld arbeiten, zu machen. Ich hab dann einfach gesagt: »Schatz, ich fahre morgen weg.«

Warum wurden es schließlich doch mehr Porträts?
Die Gastfreundschaft hat mich einfach überwältigt. Die Menschen haben mir immer Tee und Ayran angeboten und am Ende war mein ganzer Wagen voll mit Obst. Einmal bin ich auf der Straße einem Landstreicher begegnet, der kilometerweit eine große Melone geschleppt hat. Nach dem Foto hat er mir die Melone geschenkt. Man kann so was ja eigentlich nicht annehmen, aber ablehnen auch nicht. Er ist danach vermutlich einfach die gleiche Strecke zurückgegangen und hat sich die nächste Melone geholt. Es hat mich fasziniert und schockiert, wie einfach die Leute leben – wie bei uns im Mittelalter.

Wozu machen Sie diese Bilderserien unterwegs?
In erster Linie für mich selber: Ich drucke mir die Porträtserien immer auf einem besonders schönen Papier aus. Ich freue mich schon auf meine nächsten Projekte: Im Oktober fotografiere ich Schäfer in Schottland und Anfang 2013 fahre ich für zwei Wochen nach Indien. Das muss ja ein Traumland für Fotografen sein. Auch dort werde ich versuchen, nicht die typischen Fotos zu machen.

Ballett auf dem Spionageschiff

Thomas von Eichhorn (Interview) — 2012-10-24T16:00:00+01:00

Wir stellen Ihnen jede Woche junge, talentierte Fotografen vor. Diesmal: Andreas Franke haucht einem Schiffswrack Leben ein.

Name: Andreas Franke
Geboren: 1967 in Linz, Österreich
Ausbildung: Höhere Grafische Bundeslehranstalt in Wien
Homepages: www.staudinger-franke.com (Fotografie allgemein), www.thesinkingworld.com (Vandenberg-Projekt)

SZ-Magazin: In Ihrem Projekt »The Sinking World« wurden Alltagsszenen in Aufnahmen eines Schiffswracks montiert, das in 40 Metern Tiefe vor der Küste Floridas liegt. Was macht ein Schiffswrack dort?
Vor allem in den USA ist es üblich, Schiffe als künstliche Riffe zu versenken. Korallen finden darin Halt und Fische einen neuen Lebensraum. Aber es wäre nicht Amerika ohne einen kommerziellen Hintergedanken: den Tauchtourismus. Unfassbar, wie viele Fische sich da tummeln. Das ist sehr interessant für Taucher.

War das Schiff ein Marineschiff?
Ja, die »Vandenberg« war ursprünglich ein Transportschiff im 2. Weltkrieg, später diente es als Spionageschiff gegen die Russen und zur Überwachung der Apollo-Missionen. Außerdem wurde es im Hollywood-Film »Virus« eingesetzt. Irgendwann war es zu alt und wurde 2009 mit großem Brimborium versenkt.

Fiel Ihnen das Fotografieren unter Wasser schwer?
Fotografieren unter Wasser ist mit der richtigen Ausrüstung nicht sehr schwierig, das ist für mich wie Architekturfotografie. Der größte Reiz daran ist die begrenzte Sichtweite. Der Vordergrund ist sehr scharf, dahinter verschwindet der Rest des Schiffes wie im Nebel. Das hat einen sehr lyrischen Touch.

Die Szenerien auf Ihren Fotos sehen sehr realistisch aus – und nach tausenden Stunden Photoshop-Gefrickel…
Das ist so. Aber das war einer meiner Mitarbeiter. Er hat die Fotos im Photoshop überlagert und geschaut, dass Winkel, Licht und Entfernungen stimmen. Ich als Fotograf hatte die Idee dahinter. Auf vier Tauchgängen habe ich mehr als 1000 Bilder gemacht, bin retour nach Wien geflogen und habe mir die ausgesucht, die am interessantesten ausschauen und wo sich ein passender Hintergrund für die Szenerie findet. Dann habe ich die Leute im Studio fotografiert.

Kampfsportler, Kinobesucher, Balletttänzerinnen, spielende Kinder, und alles sieht aus wie in einem alten Film: Was haben die Motive miteinander zu tun?
Gar nicht so viel. Sie spielen halt nicht in der Jetztzeit, sondern damals, als das Schiff aktiv war. Es sind frei gewählte Szenen, die zum Hintergrund passen – eben eine Geschichte von Leben unter Wasser.

Ihre Fotos haben Sie auf demselben Schiff ausgestellt, auf dem sie gemacht wurden. Schräge Idee, oder?
Ich dachte: Wie wäre es, die Fotos an den Ort des Geschehens zurückzubringen? Es hat mehrere Monate gedauert, bis ich denjenigen an der Strippe hatte, der die Schiffe versenkt, und ihm klargemacht hatte, was ich will. Wir haben die Bilder dann mit sehr starken Magneten am Wrack angebracht – mit der Angst, dass die Bilder auf Korallen oder andere Taucher fallen. Er war erstaunt, wie es hält, und dann fiel der Spruch »german engineering – american steel« (deutsche Technik – amerikanischer Stahl).

Ihre »Galerie« ist ja nicht unbedingt für jeden zugänglich. Wie viele Besucher hat Ihre Ausstellung?
Das darf man nicht unterschätzen. Am Tag kommen locker 100 bis 200 Taucher vorbei. In normalen Galerien tut man sich schwer, das hinzubekommen. Nur Vernissage kann ich keine machen.

Sehen Sie das nicht mit einem weinenden Auge, dass die Bilder unter Wasser ausbleichen?
Das ist für mich fast das Tollste. Diese ganzen Korallen und Flechten, die sich auf dem Bild festsetzen, und das Wasser, das in die Bilder reinsickert. Das ist wie ein Veredelungsprozess und macht jedes Bild zum Unikat.

Was soll neben der beeindruckenden Ästhetik noch von Ihrem Projekt hängen bleiben?
Dass man einen Raum wie das Meer, der für Menschen eigentlich kaum zugänglich ist, auch als Kunstausstellungsraum nutzen kann. Die Ausstellung ist allein in Nordamerika extrem gut angekommen. Mehr als 340 Fernsehsender haben darüber berichtet, weil es etwas ist, das es noch nicht gab. Es soll mindestens noch ein Projekt dieser Art entstehen. Auf Barbados, den Cayman Islands und noch mal in Florida habe ich weitere Schiffe fotografiert. Da kommt noch was nach.

Die Werke werden voraussichtlich im Januar in der Galerie »The Key West Studios« in Key West zu sehen sein.

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Unter Beschuss

Julia Slamanig (Interview) — 2012-10-05T09:13:00+01:00

Wir stellen Ihnen jede Woche neue talentierte Fotografen vor. Diesmal: Alessio Romenzi begleitete die Rebellen im syrischen Bürgerkrieg.

Name: Alessio Romenzi
Geboren: 1974 in Colle Sant'Angelo (Italien)
Homepage: alessioromenzi.photoshelter.com

SZ-Magazin: Warum sind Sie nach Syrien gegangen?
Alessio Romenzi: Nachdem ich bereits die Revolutionen in Ägypten und Libyen fotografiert habe, will ich die Geschichte des arabischen Frühlings weitererzählen. Es ist allerdings nicht leicht, nach Syrien einzureisen und im Land unterwegs zu sein. Fast kein Fotograf schafft es, unter den harten Bedingungen dort zu arbeiten. Umso wichtiger finde ich es, der Welt zu zeigen, was dort passiert.

Wie ist es Ihnen gelungen, ins Land kommen?
Beim ersten Mal haben mich Schmuggler vom Libanon aus über die Grenze geschafft. Im Land reise ich mit den Rebellen der »Freien Syrischen Armee«. Seit Anfang des Jahres war ich sieben Mal in Syrien, insgesamt etwa drei Monaten.

Wie gefährlich ist Ihre Arbeit in Syrien?
Man ist nie sicher, egal wohin man geht. Die Rebellen, mit denen ich reise, kennen in der Regel die Stellungen von Assads Armee und gehen ihr aus dem Weg; wir sind aber trotzdem in Kämpfe geraten und waren unter Beschuss. Die Rebellen meiden die Straßen und bewegen sich nur nachts in den Bergen von einer Stellung zur nächsten. Ihre Waffen transportieren sie in Rucksäcken.

Ihre Fotos zeigen viele schreckliche Szenen. Gab es auch Situationen, in denen Sie darauf verzichteten, ein Foto zu machen?
Ja, wenn die Menschen nicht abgebildet werden wollten. Aber das passiert kaum. Die Menschen haben keine Scheu, ihr Leid zu zeigen, weil sie wissen, dass ich ihre Geschichte weitererzähle. In Europa kann man sich nicht vorstellen, einfach in ein Haus zu gehen und ein Begräbnis zu fotografieren. Hier ist es total in Ordnung, fast überall. Syrien ist eine andere Welt.

Wie beurteilen Sie die gegenwärtige Situation in Syrien?
Das Land ist zerstört. Nicht nur die Gebäude, sondern auch die Beziehungen der Menschen zerbröckeln. Das macht mich traurig, weil Syrien so ein schönes Land ist. Die wunderschöne Altstadt von Aleppo wurde sogar zum UNESCO-Weltkultuerbe erklärt. Aber nun sind keine Menschen mehr da, nur mehr Feuer und Gefechte. Man hofft auf einen glücklichen Ausgang des Konflikts, aber leider wird es bestimmt keine schnelle Lösung geben.

Haben Sie Hoffnung für das Land?
Leider nicht. Die Situation ist sehr traurig. Was wir jetzt erleben, ist nur der Anfang. Es wird noch schlimmer kommen.

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Alle in einem Boot

Mira Kleine (Interview) — 2012-09-26T14:00:00+01:00

Wir stellen Ihnen jede Woche neue talentierte Fotografen vor. Diesmal: Bettina Flitner hat Menschen in einer burmesischen Barke auf dem Rhein inszeniert.

Name: Bettina Flitner
Geboren: 1961 in Köln
Fotografische Ausbildung: Autodidaktin
Homepage: www.bettinaflitner.de

SZ-Magazin: Frau Flitner, Ihre Serie »Boatpeople« haben Sie auf dem Rhein fotografiert, wo man ein solches Boot normalerweise nicht findet. Was genau ist das für ein Boot und woher kommt es?
Bettina Flitner: Diese Barke kommt aus Burma. Ich bin seit dem Jahr 2000 immer wieder dort gewesen und habe darüber auch gerade ein Buch verfasst: »Reisen in Burma«. Das Boot habe ich auf dem Inle-See entdeckt, auf einem Hochplateau in den Shan-Bergen. Hier leben die Inthas, die Menschen vom See. Ihre Häuser und Pagoden stehen auf Stelzen im Wasser, ihre Gärten schwimmen im Wasser und sie haben sogar einen schwimmenden Markt, auf dem sie von Boot zu Boot verkaufen. Das Boot ist also die Basis ihres ganzen Lebens. Mit Hilfe von burmesischen Freunden habe ich die Barke in die Hauptstadt transportiert und mit einem Containerschiff nach Deutschland verfrachtet.

Passt so ein burmesisches Boot denn zum deutschen Rhein?
Der Rhein ist gar nicht so anders als der Inle-See. Da ist diese Barke, da ist das Wasser und da sind Menschen auf Reisen: von einem Ort zum anderen, von einer Lebensphase in die nächste, vom Leben in den Tod. Ich habe im Frühling, Sommer, Herbst und Winter fotografiert, um ganz unterschiedliche Lichtstimmungen zu bekommen. Mein Assistent Wasja und ich haben die Barke jeden Tag vom Bootshaus an den Rheinstrand geschoben und auf ein kleines Podest aus Stein im Wasser gestellt. Sonst wäre diese Barke in der Rheinströmung abgetrieben. Das hat natürlich Aufsehen erregt. Immer wieder sind Passanten stehen geblieben. Und einige von ihnen habe ich kurzentschlossen ins Boot gebeten, wie zum Beispiel den Ghanaer zusammen mit den Bestattern aus Köln.

Warum haben Sie eine surreale Situation für die Serie gewählt?
So surreal finde ich das gar nicht. Das Boot ist eine Art Bühne, auf der sich verschiedenste Lebenssituationen abspielen. Gleichzeitig sitzen »alle in einem Boot«. Sie reisen allein, sind aber doch Teil einer Prozession im Fluss des Lebens.

Wie haben Sie die Personen ausgewählt?
Ich wollte ganz verschiedene Menschen zeigen – Flüchtlinge, Manager, Karnevalisten. Oft bin ich auch von den Lebensgeschichten der Porträtierten ausgegangen, wie zum Beispiel bei der Frau, die zwischen ganz vielen Kisten sitzt. Die war in einer chaotischen Lebenslage. Ehrlich gesagt dachte ich am Anfang, dass es eine eher melancholische Arbeit wird – Tod, Abschied, solche Dinge. Und dann haben die Fotografien ihr Eigenleben entwickelt, sind oft ironisch oder komisch geworden.

Welches Bild mögen Sie am liebsten?
Wenn ich mich entscheiden müsste, würde ich das Bild der Familie Rautenstrauch mit dem burmesischen Schirm nehmen, das ja auch auf dem Buchcover ist. Damit verbinde ich Abschied und Neuanfang zugleich.

Ist mal jemand ins Wasser gefallen?
Beinahe. Auf dem Rhein sind ja viele Containerschiffe unterwegs. Und ausgerechnet, als wir die vier alten Leute aus dem Altersheim auf dem Boot hatten, kam ein besonders großes und schweres Containerschiff vorbei. Das hatte einen gigantischen Sog, und das Boot wurde von einer großen Welle hochgehoben. Um ein Haar wäre die Barke ins Schwimmen geraten, flussabwärts. Wie hätte ich das den Verwandten erklären sollen?

Am 7. September wurden die Bücher »Boatpeople« und »Reisen in Burma« in der Galerie Zellermayer in Berlin vorgestellt, wo die Fotografien noch bis zum 19. Oktober gezeigt werden.

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