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�Sex war der Dynamo f�r fast alles in meinem Leben�

Malte Herwig und Sven Michaelsen (Interview) — 2013-06-14T12:00:00+01:00

Für den Schauspieler Rupert Everett zählte viele Jahre lang vor allem eines: der Exzess. Heute geht er es etwas ruhiger an, aber die innere Spannung hat er nicht verloren. Ein Gespräch über Shakespeare und Oscar Wilde. Und über Sex, natürlich (was dachten Sie denn?).

»Ich bin eine gehässige Tunte, die bei anderen zwanghaft nach Fehlern Ausschau hält«: Sich selbst hat Rupert Everett aber auch nie geschont.

SZ-Magazin: Mr. Everett, zunächst möchten wir Ihnen gratulieren. Nach künstlerisch mageren Jahren haben Sie am Londoner Hampstead Theatre als Oscar Wilde in The Judas Kiss die Rolle Ihres Lebens gespielt.
Rupert Everett: Mein altes Ich rief bei schmeichelhaften Kritiken immer: »Grandios gemacht, Rupert! Und als Nächstes spielst du Hamlet!« Wenn ich heute höre, ich sei für diese Rolle geboren, sagt mein neues Ich: »Vorsicht! In Wahrheit will man dir zu verstehen geben: Du wirst garantiert an deiner nächsten Rolle scheitern – also versuch’s gar nicht erst.«

Sie haben früher mal auf den Tadel einer Theaterbesucherin reagiert, indem Sie der Dame ein paar Ihrer Schamhaare nach Hause schickten. Wie sehr verletzt Sie Kritik?
Selbst bösartigste Verrisse berühren mich nicht mehr. Aber das liegt lediglich daran, dass ich so oft gefickt wurde, dass ich völlig unempfindlich geworden bin. Ich denke dann: Okay, was soll’s, bück dich halt und lass es mal wieder über dich ergehen.

Nach The Judas Kiss wollen Sie nun auch einen Kinofilm über Oscar Wilde drehen, als Produzent, Regisseur, Drehbuchautor und Hauptdarsteller. Was fasziniert Sie so an Wilde?
Der Film zeigt die letzten drei Wochen in Oscars Leben. Nachdem er wegen Unzucht mit männlichen Prostituierten zwei Jahre Zuchthaus mit schwerer Zwangsarbeit hinter sich hatte, lebte er als verwahrloster Vagabund in Paris. Er schnorrte in den Cafés Gäste an, weil er seine Rechnung nicht bezahlen konnte. Einer seiner Sprüche war: »Ich bin Oscar Wilde, und ich werde nun etwas Furchtbares tun. Ich werde Sie um Geld bitten.« Um die Dramatik dieses Niedergangs zu verstehen, muss man sich klarmachen, dass er fünf Jahre zuvor noch ein umschwärmter Superstar war. Als der Staatsanwalt die Jagd auf ihn eröffnete, liefen in London drei seiner Stücke gleichzeitig. Aber wie alle Stars ließ er sich von seinem Erfolg blenden und lebte mit dem Kopf in den Wolken. Als der Prozess gegen ihn begann, brüstete er sich gegenüber einem Freund: »Mir wird nichts passieren, denn die arbeitenden Klassen stehen geschlossen hinter mir.« Deutlicher kann Hybris sich nicht offenbaren.

Wildes Verhängnis war seine an Hörigkeit grenzende Liebe zu Lord Alfred Douglas, genannt Bosie. Wie erklären Sie diese Amour fou?
In England blickt man auf Iren herab, und Oscar hatte das Pech, in Dublin geboren zu sein. Deshalb war es für ihn ein Triumph, Sex mit einem englischen Aristokraten zu haben. Hinzu kam, dass Bosie Stil und Witz hatte und blendend aussah. Dass ein Mensch mit Anfang zwanzig schon so snobistisch und dekadent sein konnte, faszinierte Oscar. Bosie wurde sein Gott. So hochmütig und aasig wie dieser prächtig parlierende Dorian Gray wollte er auch werden. Die Kunstfigur, die Oscar aus sich machte, war indirekt Bosies Schöpfung. Als Oscar im Laufe der Jahre dahinterkam, dass Bosie ein infamer Opportunist war, schwankten seine Gefühle zwischen Jähzorn, Liebe und vollständigem Abscheu.

Als Wilde im Sommer 1895 in seine Zelle gesperrt wurde, lernte der Snob Speisen kennen wie braune Mehlgrütze mit Nierenfett.
Er empfand das Gefängnis als Grab für Noch-nicht-Tote und litt unter Unterernährung, Schlaflosigkeit, Gicht und Diarrhö. Nur alle drei Monate durfte er einen Brief empfangen, die Besuchszeit betrug zwanzig Minuten. Weil er immer wieder gegen die Anstaltsordnung verstieß, sperrte man ihn in eine Dunkelzelle und gab ihm nur Brot und Wasser. Seine größte Furcht war, dem Wahnsinn zu verfallen.

Von einer mittelmäßigen Ballade abgesehen hat Wilde nach dem Gefängnis nichts mehr geschrieben. Wurde er gefragt, weshalb er literarisch verstummt sei, war seine Antwort, er leide an »cacoethes tacendi«, unheilbarer Schweigesucht.
Wer seine Selbstachtung verliert, wird bitter. Oscar leugnete vor Gericht, homosexuell zu sein und machte sich damit zum Idioten, denn jeder in London wusste, dass er eine hoffnungslos hedonistische Tunte war. Statt juristische Argumente vorzubringen, wollte er die Zuschauer im Saal mit geistreichen Aperçus beeindrucken. Mit anderen Worten: Er gab den großen Star. Russell Crowe hätte es nicht schlechter machen können. Zu dieser Selbsterniedrigung kamen die Demütigungen im Gefängnis. Mit seinem Stolz zerbrach auch sein Esprit und die Lust am Fabulieren. Im Exil in Frankreich und Italien lebte er in Schmach und Verachtung wie ein Paria. Täglich musste er Affronts von Leuten erdulden, die er früher von oben herab verlacht hätte. Wie seine Mutter kam er erst nachmittags aus dem Bett und griff dann zügig zu Absinth und Brandy. Bei einem Diner zwei Jahre vor seinem Tod sagte er, die Grausamkeit einer Gefängnisstrafe beginne erst mit der Freilassung.

In den dreieinhalb Jahren, die Wilde nach dem Gefängnis noch blieben, hätte er dank seiner Gönner ein halbwegs komfortables Leben führen können. Stattdessen ruinierte er sich, indem er Villen mit Personal anmietete.

Er war ein selbstzerstörerischer Charakter. Etwas in ihm hatte das unbezwingbare Verlangen, durch extravagante Exzesse in der Gosse zu enden. Kaum hatte sich das Gefängnistor geöffnet, steckte er eine Blume ins Knopfloch und erstand zwei Dutzend weiße und ein Dutzend farbig geränderte Taschentücher. Leben hieß für ihn, über die eigenen Verhältnisse zu leben. Je begrenzter seine Mittel, desto mehr warf er mit Geld um sich. Eigentlich sehr sympathisch.

Sie kennen Wildes einzigen Enkel. Wie ist er?
Merlin ist so, wie man sich Oscar heute vorstellen würde. Er hat sinnliche Lippen und eine süßlich-sanfte Stimme, die die Haare auf meinen Unterarmen senkrecht stehen lässt. Ich möchte nicht esoterisch klingen, aber man fühlt Oscar und seine Sünden, wenn man mit seinem Enkel spricht.

Nach Shakespeare ist Wilde der meistzitierte Autor englischer Sprache. Seine Bücher dagegen liest kaum noch jemand.
Was ein großer Fehler ist. Seine Süffisanz und seine sarkastische Noblesse sind Haltungen, die einem helfen, den Gemeinheiten des Lebens zu trotzen. Noch kurz vor seinem Tod formulierte er den unsterblichen Satz: »Meine Tapete und ich fechten gerade ein Duell auf Leben und Tod aus. Einer von uns muss verschwinden.«

Erkennen Sie sich in Wilde wieder?
Ja und nein. Oscar war großzügig und konnte verzeihen. Ich bin eine gehässige Tunte, die bei anderen zwanghaft nach Fehlern Ausschau hält. Andererseits wird uns beiden ein fataler Hang zur Selbstsabotage nachgesagt.

Sie gelten als schwieriger Schauspieler. Wollen Sie jetzt selbst Regie führen, weil kaum noch einer mit Ihnen arbeiten möchte?
Ich habe mich geändert. Dass ich früher ein hysterischer Hypochonder war, lag daran, dass gleich zu Beginn meiner Karriere die große Aids-Epidemie ausbrach. Mein Sexleben war so ausschweifend, dass ich mir überhaupt nicht vorstellen konnte, nicht infiziert zu sein. Fast jeder, mit dem ich geschlafen hatte, lag im Sterben. Ich rechnete täglich damit, die ersten Symptome der Seuche an mir zu entdecken. Einmal wurde ich bei Dreharbeiten von einer Mücke gestochen. Ich dachte: Das ist es jetzt, ein Karposi-Sarkom, der Anfang vom Ende! Man kann im Film sehen, dass mir von dem Moment an alles egal war. Meine Angst machte mich unberechenbar. Eine missverständliche Bemerkung von einem Beleuchter am Set, und ich bin sofort explodiert und habe eine Fatwa erlassen. Man hielt das für die Launen einer verzickten Diva, in Wahrheit war es Ausdruck totaler Verunsicherung. Fünf Jahre lang habe ich dann überhaupt keinen Sex mehr gehabt.

Was werden Sie machen, wenn Ihr Film über Wilde fertig ist?
Glauben Sie bitte nicht, dass der Film mein Sprungbrett für eine Karriere als Hollywood-Regisseur sein soll. Ich habe nicht vor, The Hobbit III zu drehen. Ich werde den dritten Band meiner Memoiren schreiben und mich dann zur Ruhe setzen, vielleicht als Hotelbesitzer im Norden von Brasilien. Von dort stammt mein Freund, mit dem ich seit vielen Jahren zusammen bin. Ich spüre mit jeder Minute deutlicher, dass ich den Anschluss an die heutige Kultur verloren habe. Es gibt nicht viel Zukunft für jemanden wie mich.

Ist Ihre Melancholie eine Pose?
Immer wenn ich in Selbstmitleid versinke, weil mir Freunde von ihren Dreharbeiten mit Stars wie Nicole Kidman erzählen, schalte ich den amerikanischen Entertainment-Kanal E! ein. Da sieht man, was man tun muss, um in den USA Erfolg zu haben: Fernsehteams in die eigene Küche einladen und mit einem Dauergrinsen das Lieblingsgericht kochen. Bei so etwas siegt meine Selbstachtung über meinen Ehrgeiz.

Wir führen dieses Gespräch in Rom. Wo leben Sie zurzeit?
Nirgends richtig. Ich muss in Bewegung sein, weil ich es nicht aushalte, längere Zeit an einem Ort zu bleiben. Für den Fall, dass ich mal meine Koffer auspacken möchte, habe ich ein Apartment in London, eine Wohnung in Santos in Brasilien und ein Haus in New York.

In Brooklyn?
Nein, Darling, im West Village. Dank meines Vaters bin ich ein bisschen wie Claudia Schiffer. Ich habe mein Geld konservativ angelegt.

[seitenumbruch title="»Sex kommt mir heute vor wie Windows 2.«"]

RUPERT EVERETT Queen of Mean Das Internat brach er mit 16 Jahren ab, von der Schauspielschule in London flog er wegen unzähliger Regelverstöße, sein Geld verdiente er sich eine Zeit lang als Callboy. Sein Ruf als Außenseiter verhalf dem 1959 in England geborenen Rupert Everett zur Rolle des homosexuellen Internatszöglings Guy Bennett in dem Film Another Country (1984), in dem er neben Colin Firth debütierte. Die darauf folgende Karriere als Schauspieler, Popsänger, Romanautor und Model gleicht einer Achterbahnfahrt. Everett drehte viele sehr schlechte Filme und einige sehr gute. Den größten Kassenerfolg hatte er 1997 als schwuler Freund von Julia Roberts in Die Hochzeit meines besten Freundes. Mit seinen 2006 erschienenen Memoiren Rote Teppiche und andere Bananenschalen bestätigte er seinen Ruf als begnadete Lästerzunge. Nach Veröffentlichung kündigte Madonna ihm prompt die Freundschaft auf.

Wie hat sich die Schwulenkultur in den letzten Jahrzehnten verändert?
Heterosexuelle sind die neuen Schwulen. Sie suchen ständig Sex und sind dabei ziemlich wahllos. Die Schwulen dagegen heiraten, adoptieren Kinder und leben monogam. Wenn ich das mit den Siebzigern und Achtzigern vergleiche, steht die Welt Kopf. Aus der Gay Community ist ein Klassensystem geworden. Es gibt eine große Mittelschicht, die Babys adoptiert oder für 75 000 Dollar eine Gebärmutter mietet. Und dann gibt es die Clubgänger und Partysüchtigen, denen ihr Hedonismus wichtiger ist als Söhne oder Tochter zu haben. Das Langweilige ist, dass sich die beiden Milieus nicht mehr mischen – außer in Berlin. Im »KitCatClub« oder im »Berghain« stehen Grafen mit Einstecktuch neben Fahrradkurieren mit nacktem Oberkörper.

Sie sind 54. Gehen Sie immer noch ins »Berghain«?
Nein. Ich kann keine Drogen mehr nehmen, weil ich den Kater am nächsten Tag nicht mehr aushalte.

Vermissen Sie den Rausch?
Natürlich. Andererseits möchte ich retten, was von meinem Hirn noch übrig ist. Es ist keine gute Idee, morgens um neun mit einem schmerzenden Crystal-Meth-Schädel in ein Meeting zu gehen, in dem Ihnen Leute von der Bavaria gegenübersitzen, die darüber entscheiden, ob Sie Geld für Ihren Film bekommen oder leer ausgehen.

Sie sprechen Französisch und Italienisch. Wie steht es um Ihre Deutschkenntnisse?
Da ich viel Zeit in Berlin verbringe, habe ich versucht, Deutsch zu lernen, aber mein Gehirn hat seine Pforten für Neues geschlossen. Selbst wenn ich mich vom einem Taxifahrer ins »Diener« oder »Adnan« fahren lasse, sage ich statt Dankeschön lieber Grazie.

Vergangenes Jahr haben Sie in Großbritannien mit Vanished Years den zweiten Band Ihrer Memoiren veröffentlicht. Nach der Lektüre hat man den Eindruck, Sie seien sexmüde.
Bin ich auch. Ich habe seit meinem zehnten Lebensjahr hauptsächlich an Sex gedacht. Er war der Dynamo für fast alles in meinem Leben – und ich habe meist den Al-fresco-Stil bevorzugt.

Den was?
Ich spreche von Sex im Freien. Und Gruppensex. Entweder bin ich jetzt in den Wechseljahren oder ich hatte so viel Sex, dass er fade für mich geworden ist. Sex kommt mir heute vor wie Windows 2. Das Beunruhigende ist, dass ich genau weiß, dass mein Appetit auf Sex in zehn Jahren mit aller Macht wiedererblühen wird. Und dann wird es zu spät sein, weil mein Aussehen im Eimer ist.

In Vanished Years schildern Sie, wie das amerikanische Revolverblatt National Enquirer Ihnen mit der Veröffentlichung von Fotos droht, die Sie beim Sex in der Toilette eines Schwulenclubs in Miami zeigen.
Wenn Sie Krieg mit einem Magazin haben, wollen Sie nicht verlieren. Denken Sie an die arme Britney. Kaum ließ sie sich den Kopf kahl scheren, war ihre Karriere für immer dahin. Um ihrem Schicksal zu entgehen, bin ich mit einem Freund zum Haus des betreffenden Journalisten gefahren. Es war zufällig derselbe, der Britney beim Koksen in der Toilette des »Delano« erwischt hatte. Der Mann reagierte höchst verdutzt, als wir vor seiner Tür standen. Ich riet ihm nachdrücklich, die Geschichte über mich nicht zu veröffentlichen, und mein Freund wollte ihm zum Abschied eine mitgebrachte Torte ins Gesicht schmeißen. Die Torte verfehlte Gott sei Dank ihr Ziel, denn auf der Rückfahrt mussten wir feststellen, dass wir uns in der Hausnummer geirrt hatten.

Sie haben sich früh geoutet. Hätten die Toiletten-Fotos Ihre Karriere wirklich ruiniert?
In den USA gibt es eine akzeptierte Art, schwul zu sein, und Toilettensex gehört nicht zu den Dingen, die Ihnen als Schwuler erlaubt sind. Die Einzigen, die mit allem davonkommen, sind schwarze Rapper. Jeder weiß, dass sie alles von hinten und von vorne vögeln, was ihnen in die Quere kommt, aber die einzige Reaktion ist: Na ja, was soll’s, es sind halt Rapper.

In Vanished Years nennen Sie Ihre Kollegin Helen Hunt »Helen Cunt«, spekulieren über die Penisgröße des schwarzen Modepapstes André Leon Talley und behaupten, Madonna würde für alles in ihrem Leben ein Zeitlimit haben, »ihren Orgasmus eingeschlossen«. Wie haben Sie das an den Rechtsanwälten Ihres Verlages vorbeigebracht?
Ich musste gar nicht so viel streichen. Wenn man irgendwo im Satz das Wort »wahrscheinlich« einfügt, stellt man nur eine Vermutung an, und dafür kann einen niemand belangen.

Sie kommen aus einer strikt konservativen Familie. Wie haben Ihre Eltern reagiert, als sie erfuhren, dass Sie schwul sind?
Mein Vater war Major und sang zu Hause Soldatenlieder aus dem Zweiten Weltkrieg. Ich gebe Ihnen eine Kostprobe: »Hitler has only got one ball. The other is in the Albert Hall. Himmler has something similar and Göring has no balls at all.« Meine Mutter ist eine sehr, sehr strenge Katholikin. Nachdem sie die Pille genommen hatte, ging sie nie wieder in die Kirche. Sie empfand Verhütung als Todsünde. Inzwischen habe ich Waffenstillstand mit meiner Familie. Mein Freund darf sogar zu Weihnachten nach Hause kommen. Nur wenn meine Mutter uns dabei erwischt, wie wir Händchen haltend vor dem Fernseher sitzen, wird sie richtig böse.

Stimmt es, dass Sie in jungen Jahren als Callboy gearbeitet haben?
Ja. Die Theaterszene in den Siebzigern war linksradikal. Ich hasste es, aus einer gutbürgerlichen Familie zu kommen. Ich wollte mein altes Leben zerstören und werden wie Arthur Rimbaud. Außerdem war ich eine Schlampe. Als ich eines Tages vor einer U-Bahn-Station im Regen stand, hielt neben mir ein Rolls-Royce. Der Mann am Steuer lud mich ein, mich mitzunehmen. Im Wagen bot er mir 25 Pfund, wenn er mich zweimal ficken dürfe. 25 Pfund waren Mitte der Siebziger eine Menge Geld, also sagte ich sofort ja. Er tat, als sei er eine wichtige Persönlichkeit. Erst beim Aussteigen entdeckte ich seine Dienstmütze – er war der Chauffeur und führte mich direkt in die Dachstube. Es ging alles ganz einfach.

Hatten Sie das Gefühl, eine Grenze überschritten zu haben?
Nein, ich hatte nie ein schlechtes Gewissen. Jeder Mann betrügt seine Frau, kauft ihr anschließend Blumen und tut so, als sei nichts geschehen. Was Sex angeht, habe ich eine Aufmerksamkeitsdefizitstörung. Früher nannte man das Promiskuität. Sex ist für mich der Weg, Leute kennenzulernen. Ich verstehe Paare nicht, die nach dreißig Jahren immer noch Sex haben und behaupten, dass es ihnen Spaß macht. Eine grauenerregende Vorstellung. Einfach ekelhaft. So etwas finde ich wirklich unnatürlich. Sex ist nur dann interessant, wenn man jemanden noch nicht kennt. Ich sehe jemanden und will ihn besitzen oder von ihm besessen werden. Wenn ich ihn erst entdeckt habe, was hat Sex dann noch für einen Sinn?

Sagen Sie es uns.
Keine Ahnung. Überhaupt glaube ich nicht mehr an horizontalen Sex. Er geht zu sehr auf die Ellbogen.

�Auf einmal war ich nicht mehr w�tend�

Michael Saur (Interview) — 2013-06-05T12:00:00+01:00

Seine Filme sind rätselhaft, er ist es auch: Der Regisseur David Lynch verlässt kaum noch sein Haus und meditiert zweimal täglich. Besuch bei einem Künstler, der seinen Frieden gefunden hat.

Das Haus, in dem David Lynch in Los Angeles lebt, ist das Haus aus seinem Film Lost Highway, auf dessen Stufen Bill Pullman und Patricia Arquette mysteriöse Videos aus ihrem Schlafzimmer finden. Lynchs Assistentin öffnet die Tür und führt durch einen getäfelten Vorführraum und ein Tonstudio, in dem vier junge Leute an einem Mischpult sitzen. Die Lampen und manche der von Lynch selbst gebauten Möbel im Haus sind die gleichen wie in Lost Highway und Mulholland Drive. In der Küche läuft eine Espressomaschine. Lynch ist notorischer Kaffeetrinker und verkauft sogar seine eigene Kaffeemarke »David Lynch Coffee«. Die Assistentin öffnet eine Hintertür zum Garten und führt den Besucher über einen gewundenen Pfad zum Atelier, wo Lynch, 67, bereits wartet.

SZ-Magazin: Herr Lynch, die Idylle hier steht in krassem Gegensatz zu Ihren Filmen wie auch Ihren Gemälden. Dort finden sich faulende Schmorbraten, Ameisen und tote Mäuse. Was fasziniert Sie so am Verfall?
David Lynch: Eine Arbeit muss sich für den Künstler richtig anfühlen. Dann ist sie auch stimmig, dann ist alles möglich.

Sehen Sie sich heute mehr als Maler oder als Filmemacher?
Ein Film ist ein Bild mit Ton und einer Geschichte. Der Maler Francis Bacon zum Beispiel wollte keine Geschichten erzählen, aber viele Betrachter entdecken sie trotzdem in seinen Werken. Letztlich hat man keinen Einfluss darauf, was beim Anblick eines Bildes mit dem Betrachter passiert.

Betrachten Sie all Ihre Filme als eine einzige große Leinwand?
Ich sehe sie als lauter unterschiedliche Kinder.

Es gibt eine lustige Geschichte über ein Gemälde von Anselm Kiefer, das einmal ein bisschen Stroh verlor. Sein Besitzer, der Schauspieler Sylvester Stallone, brachte das Stroh mit Sekundenkleber wieder an.
Wenn Kiefer das Stroh wieder in das Bild klebt, hat er eine konkrete Vorstellung, wo es hingehört. Wenn Sylvester das tut, kann es in einer Katastrophe enden. Es ist wie beim final cut in einem Film. Das letzte Wort sollte immer der Künstler haben.

Sie bestehen bei jedem Film darauf, dieses letzte Wort über die Endfassung zu haben. Das wird nur sehr wenigen Regisseuren zugebilligt.
Da ich über die Malerei zum Film kam, hat es mich am Anfang sehr überrascht, dass ein Filmemacher jemals einen Film machen würde, ohne dabei seine totale Freiheit zu bewahren. Als Maler hat man immer die absolute Freiheit.

Als Mel Brooks Ihnen vor gut dreißig Jahren die Regie von Der Elefantenmensch anbot, einem Film über einen grässlich verunstalteten Mann im viktorianischen England, waren Sie noch ein Niemand. Der Film erhielt acht Oscar-Nominierungen, darunter für den besten Film. Warum hat Brooks gerade Sie auserkoren?
Mel Brooks ist eben ein seltener Vogel. Ihm hat Eraserhead, mein erster Film, sehr gut gefallen, den ja außer ihm fast niemand gesehen hat.

Brooks ist hauptsächlich als Komödiant bekannt. Wie kam es, dass er sich für so ein ernstes Projekt erwärmte?
Er hat die Seele eines Dichters, er ist hochsensibel und versteht die menschliche Natur. Sonst hätte er vermutlich auch keine Komödien machen können.

Der Film wurde ein großer Erfolg. Daraufhin bot Ihnen der legendäre Hollywood-Produzent Dino De Laurentiis eines der größten Budgets der Geschichte Hollywoods für den Science-Fiction-Film Dune – Der Wüstenplanet an. Erlagen Sie dem Reiz des vielen Geldes?
Ich mochte das Drehbuch. Dino war einer der letzten großen Magnaten von Hollywood. Er hatte eine unglaubliche Energie, ich liebte ihn und seine ganze Familie. Er hat mir beigebracht, wie man Rigatoni kocht. Aber mit Der Wüstenplanet hatte ich das Gefühl, dass Dino und seine Tochter Raffaella mir wirklich eine Menge aufgezwungen haben.

Was wurde Ihnen denn aufgezwungen?
Dass ein Film zum Beispiel nur eine bestimmte Länge haben darf, weil die Kinobetreiber sonst Geld verlieren. Ich wusste bereits bei Vertragsabschluss, dass ich zu optimistisch war: Ich hatte auch keinen final cut und bin deshalb einen langsamen Tod gestorben. Aber es gibt immer noch Teile des Films, die ich mag.

Danach rauschte Ihr Marktwert in den Keller. Warum hat De Laurentiis trotzdem mit Ihnen weitergearbeitet?
Er hat irgendwie an mich geglaubt und mich als nächstes Blue Velvet machen lassen, sogar mit final cut. Im Gegenzug dafür bekam ich nur ein sehr kleines Honorar. Dino war eben ein ausgekochter Geschäftsmann.

Ließ er Sie beim Dreh in Ruhe?
Wir waren der kleinste Film in seinem neuen Studio in Wilmington in North Carolina. Zur selben Zeit wurden dort zwölf andere Filme gedreht, die alle viel teurer und mit großen Stars besetzt waren. Keiner beachtete uns.

Viele wichtige Entscheidungen für einen Film werden heute vom Publikum gefällt. Newcomer in Hollywood wie Amazon oder Netflix machen sogar Zuschauerumfragen, bevor ein Dreh beginnt. Wie sehen Sie diese Entwicklung?
Solche Umfragen sind meistens Unsinn. Dino ließ Blue Velvet damals in einem Kino testen, wo sonst Filme wie Top Gun mit Tom Cruise liefen. Es war also ein Top Gun-Publikum, das die Testkarten ausfüllte – das Ergebnis war verheerend, das schlimmste Screening, das Dinos Leute je gesehen hatten. Aber der Film hat sich am Ende doch für ihn gelohnt.

Ist es heute schwieriger, Geld für Filme aufzutreiben?
Auf jeden Fall. Ich arbeite nicht mit den großen Studios zusammen, und sie können umgekehrt gut ohne mich leben.

Woran liegt das?
Die Studios bedienen Kinobesitzer, und die wollen ihre Filmtheater füllen. Und das Publikum verlangt etwas für sein Geld, ein Kinoabend ist schließlich nicht billig: Man muss einen Babysitter zahlen, der Parkplatz kostet Geld, die Eintrittskarten, Getränke, Popcorn. Dafür wollen die Leute auf eine bestimmte Art unterhalten werden, und ich biete diese Art der Unterhaltung eben nicht.

Marilyn Monroe hat einmal gesagt, in Hollywood würden 50 000 Dollar für ein Kuss bezahlt und 50 Cent für die Seele. Ist das der Grund, warum bei den Studios beliebte Regisseure wie Steven Spielberg oder Roland Emmerich wohlhabender sind als Sie?
Ich glaube schon, dass Steven Spielberg die Filme macht, die er wirklich liebt und mit
denen er sich identifiziert. Sein Glück ist, dass Milliarden Menschen die gleichen Filme wie er gut finden.

Als Sie in jungen Jahren Ihre erste Ehefrau verließen, erklärten Sie ihr, Sie wollten lieber ein Künstlerleben führen als ein Familienleben. Was ist das für ein Leben?
Zigaretten rauchen, Kaffee trinken, nicht heiraten und auf keinen Fall Kinder haben.

Aber Sie sind doch gerade erst wieder Vater geworden, mit Ihrer neuen Frau, der dreißig Jahre jüngeren Schauspielerin Emily Stofle.
Stimmt, ich habe nun vier Kinder und bin zum vierten Mal verheiratet. Aber ich rauche noch und trinke auch noch Kaffee.

Sehen Sie sich selbst als Teil von Hollywood?
Nein. Die Leute denken oft, dass sich die Regisseure hier dauernd treffen und zusammen ausgehen und feiern. Ich verlasse mein Haus kaum. Aber mir gefällt es, in einer Stadt zu leben, wo Filmemacher wohnen und Filme gedreht werden. Und ich liebe das Licht und das Gefühl von Freiheit hier.

Was kriegen Sie davon mit, wenn Sie Ihr Haus nicht verlassen?
Bevor ich einen Film mache, muss ich mich in eine Idee verlieben. Dann prüfe ich anhand meiner Umwelt, ob sich diese Idee gerade richtig anfühlt. So was liegt in der Luft, vor allem in Hollywood. Wenn das Gefühl nicht da ist, muss man die Finger davon lassen.

Ist dieses Gefühl auch dafür verantwortlich, dass Sie Ihren seit mehr als dreißig Jahren geplanten Film über einen Zwerg, der die Kontrolle über den Strom hat, bis heute nicht gedreht haben?
Ronnie Rocket, ja. Ich hatte nie das Gefühl, dass die Zeit reif für ihn war.

Das heißt, Sie haben das Projekt noch nicht aufgegeben?
Aufgegeben nicht. Aber Ronnie Rocket spielt in einer Industriewelt der Fabriken und der rauchenden Schornsteine. Diese Welt war in den Fünfziger- und Sechzigerjahren noch sehr lebendig. Dann kam dieses elende Graffiti auf – ziemlich das Schlimmste, was dieser Welt zustoßen konnte.

Ist Graffiti nicht auch Malerei und damit eine Form des künstlerischen Ausdrucks?
Nein, Graffiti hat die Welt der Industriearchitektur, der faszinierenden Fabrikgebäude ruiniert. Man kann nicht mehr in diese Zeit zurückgehen.

Sind Sie nostalgisch?
Ich verspüre eine gewisse Sehnsucht nach den Fünfzigerjahren. Das Leben schien so optimistisch und hoffnungsvoll, die Autos sahen fabelhaft aus – und es war die Geburtsstunde des Rock ’n’ Roll. In den Sechzigerjahren wurde das Leben dann düsterer.

Ihr letzter Film Inland Empire, ein albtraumhaftes Dreistundenepos, ist gefloppt. Waren Sie sehr enttäuscht?
Ich war verletzt. Ich glaube, es war mein erster Film, der einen Verlust einfuhr. Viele Verleiher haben Geld verloren. Die meisten Menschen haben ihn nicht verstanden und für Schwachsinn gehalten. Vielleicht war er seiner Zeit voraus.

Neulich lief in New York eine Serie von Kinofilmen unter dem Titel Ausgebuht in Cannes. Wie fanden Sie es, dass Sie gleich mit zwei Filmen – Wild at Heart und Twin Peaks: Fire Walk With Me – vertreten waren?
Ich habe bei den Festspielen in Cannes sogar erlebt, wie Federico Fellini ausgebuht wurde. Der große, große Fellini. Das war entsetzlich.

Einige gefeierte Filmemacher wie Michael Cimino oder der späte Billy Wilder haben ihr Gespür fürs Publikum verloren. Was passiert, wenn der Wind sich dreht?
Das Geheimnis besteht darin, zu erkennen, dass sich die Zeiten ändern, und dass man sich deshalb auch selbst ändern muss. Sonst fällt man.

Haben Sie manchmal Angst, den Draht zum großen Publikum verloren zu haben?
Von Zeit zu Zeit hat man einfach das Riesenglück, dass vielen gefällt, was einem selbst gefällt, wie zum Beispiel bei Twin Peaks oder Blue Velvet. Das gelingt aber nicht immer. Am wichtigsten ist, dass man selbst seine Arbeit liebt.

Was für ein Gefühl haben Sie, wenn Sie heute ins Kino gehen?
Es scheint, dass heutzutage alles billiger wird. Die Bilder sehen billiger aus, die Töne klingen schwächer. Wir leben in einer Wegwerfkultur.

Schlechte Zeiten für große Regisseure?
Es gibt Menschen, die auch heute noch Regisseure wie Federico Fellini entdecken, die solche Filme sehen wollen und sich fragen, warum es die nicht mehr gibt. Große Filme werden immer ihr Publikum finden. Aber die meisten Leute sind eben ganz zufrieden mit dem anderen Zeug, nicht wissend, was sie versäumen.

Im Internet kursiert ein Clip, in dem Sie das iPhone als »fucking telephone« beschimpfen. Man könne darauf nicht ernsthaft Filme anschauen. Woher rührt Ihre Wut?
Einige Filme, die kein großes Publikum finden, können durchaus zu Hause vor dem Fernseher funktionieren. Aber sicher nicht auf einem Telefon. Da stimmt dann nichts mehr. Nicht der Sound, nicht das Bild, nicht die Umgebung. Man kann über einen Telefonbildschirm nicht in einen Film eintauchen.

Was unterscheidet den Fernseher von der großen Leinwand?
Die Menschen sind einzeln toleranter, ein großes Publikum verzeiht nicht. Mit den Jahren habe ich gelernt, dass in einem Kino die Intelligenz des gesamten Publikums höher ist als die des Einzelnen, es entsteht ein kollektives Bewusstsein.

Das große Publikum irrt nie?
Wenn zu viele Leute ein Werk nicht mögen, sollten Künstler das zumindest ernst nehmen.

Sie sind ein großer Anhänger fernöstlicher Spiritualität. Welche Rolle spielten persönliche Begegnungen mit geistigen Führern wie dem Dalai Lama oder dem Maharishi Yogi für Ihre Arbeit und Ihr Leben?
Den Dalai Lama traf ich, als ich gerade an Twin Peaks arbeitete. So kam es zu Special Agent Dale Coopers Faible für Tibet. Maharishi Yogi hat eine Technik namens Tranzendentale Meditation (TM) entwickelt, die ich seit fast vierzig Jahren praktiziere. Seitdem meditiere ich zweimal täglich.

Was bewirkt diese Meditation bei Ihnen?
Fragen Sie meine erste Frau. Ich war plötzlich nicht mehr wütend, sondern ausgeglichener. Man verabschiedet sich von Stress, traumatischen Belastungen, Depressionen und Wut. Die Angst schwindet. Dinge, die einen früher aus dem Gleichgewicht gebracht haben, sind nicht mehr bedrohlich. Menschen, die man nicht leiden konnte, stören einen nicht mehr. Es ist, als ob man eine kugelsichere Weste hätte. Eine glücklichere Welt offenbart sich.

Wie kommt es dann, dass Ihre Filme eher von exzessiver Gewalt geprägt sind?
Gewalt ist nun mal Teil dieser Welt, aber deswegen heiße ich sie nicht gut. TM ist wie ein Schlüssel, der die Tür zu einem anderen Bewusstsein öffnet. Was nicht heißt, dass ich ein Asket wäre. Die materielle Welt kann betörend und spannend sein. Aber es gibt etwas anderes, viel Wichtigeres als nur die materielle Welt. Und wer das begreift, kann sie noch mehr genießen.

Sie fördern den Bau von sogenannten Friedenspalästen und konnten Kollegen wie Martin Scorsese, Jerry Seinfeld und Kate Perry zur Unterstützung gewinnen. Was erwarten Sie sich davon?
Um friedlich zusammenzuleben, braucht man Friedensgruppen, die anderen das Meditieren beibringen. Das können auch Angestellte sein, die dafür bezahlt werden, oder Freiwillige. Wenn nur ein Prozent der Bevölkerung meditieren würde, hätte das gewaltige Auswirkungen auf das kollektive Bewusstsein.

Sie glauben tatsächlich, dass der Weltfrieden durch Meditation erreicht werden kann?
Ich glaube: Das Feld des Friedens war schon immer da. Dieses Meer des Friedens kann jedem zugänglich gemacht werden, sodass auch der Einzelne mehr Frieden findet.

Was geschah mit Ihnen selbst nach dem vierwöchigen Erleuchtungskurs bei Maharishi Yogi, der Sie immerhin eine Million Dollar gekostet hat?
Ich habe all das erlebt, wovon ich eben gesprochen habe. Aber ich bin nur ein Bote. Ich gebe nur weiter, was mich der Maharishi gelehrt hat.

Haben Sie je erlebt, dass reale Probleme mithilfe von Meditation gelöst wurden?
Ja, an einer Schule in San Francisco, damals die schlimmste Schule der ganzen Stadt. Der Direktor war nicht gerade ein Typ, der sich leicht für Meditation erwärmen ließ. Aber er begriff, dass es nichts zu verlieren gab, also sagte er: Lasst es uns probieren. Fast alle an der Schule begannen zu meditieren, Schüler, Lehrer und der Direktor. Die Noten wurden besser. Die Schüler lernten etwas, die Lehrer unterrichteten wieder mit Leidenschaft. Davor hatte es jede Woche Auseinandersetzungen gegeben, regelmäßig waren die Polizei und Krankenwagen angerückt. Ein Jahr später war alles anders.

Viele Menschen halten das, was Sie sagen, für Unsinn und fühlen sich an Scientology erinnert, die in Hollywood auch sehr präsent ist.
TM ist eine Meditationstechnik und keine Sekte oder Religion. Auf dem EEG-Gerät lässt sich das wunderbar nachweisen. Wenn ein Mensch wirklich meditiert, leuchtet das ganze Gehirn. Transzendieren ist die einzige Erfahrung im Leben, die das bewerkstelligt. Wenn man dagegen etwa Klavier spielt oder ein Bild malt, wird nur ein winziger Teil des Gehirns in Anspruch genommen.

Haben Sie keine Angst, das Glück, das Sie aus der Meditation schöpfen, könnte Ihre kreative Arbeit beeinträchtigen?
Negativität zerstört die Kreativität. Um interessante und sinnvolle Arbeit zu leisten, muss man nicht unglücklich sein.

Foto: dpa

�Ich muss alles hinter mir lassen, um weiterleben zu k�nnen�

Malte Herwig (Interview) — 2013-05-01T12:00:00+01:00

Verstörende Fotos, harte Trennungen: Die Schauspielerin Charlotte Rampling ist in ihrem Leben keinem Skandal aus dem Weg gegangen. Ein Gespräch in klaren Worten.

»Mein Vater wurde 100, er war zum Umfallen schön. Er hat mir einen haltbaren Körper und ein haltbares Gesicht vererbt.« Weiß Gott, das hat er.

Los Angeles, ein blauer Aprilmorgen. Das Hotel »Chateau Marmont« liegt an einer Biegung des Sunset Boulevard und ist seit den Dreißigerjahren die Herberge der Hollywood-Prominenz. Hier feierte Errol Flynn Orgien, hier fiel Jim Morrison vom Dach, hier bekam Britney Spears Hausverbot. An diesem Vormittag sitzt der berühmteste Blick der Filmgeschichte auf einem Sofa in der Hotellobby und schaut den Reporter mit grün-blauen Augen an. Charlotte Rampling würde nirgendwo Hausverbot bekommen. Sie ist eine Dame, aber eine lässige, die allein mit einem Augenaufschlag Distanz oder Nähe signalisieren kann. Dieser kühle und zugleich lockende Blick machte sie zur Ikone. Nun sagt er: Komm schon, setz dich auf das Sofa. Das Spiel beginnt.

SZ-Magazin: Frau Rampling, Sie sind die einzige Schauspielerin, deren Name ein englisches Verb geworden ist: »to rample«. Was bedeutet das?
Charlotte Rampling: (spricht die ersten Worte auf deutsch): »Hey, können Sie mich rampeln?« Wunderbar, ich hätte am liebsten, wenn es das Wort in jeder Sprache gäbe. Es bedeutet, einen Mann mit kühler Sinnlichkeit wehrlos zu machen.

Ihr Blick wurde zu einem Markenzeichen, als Helmut Newton 1973 das berühmte Foto im Hotel »Nord-Pinus« schoss, auf dem Sie nackt über die Schulter in die Kamera blickten.
Es war für ihn und für mich das erste Nacktfoto. Wir waren beide schüchtern, und das Shooting war ziemlich hastig.

Seitdem haben Sie immer wieder sehr gewagte Rollen gespielt. Wann begann diese Lust an der Provokation?
Das erste Foto, das je von mir veröffentlicht wurde, habe ich mit 16 gemacht. Ich war ein bisschen angetrunken und sehr aufgeregt, dass mich jemand fotografieren wollte. Ich war ziemlich brav angezogen, und sie haben mich gefragt, ob ich mich auf einen Topf setzen würde.

Einen Topf?
Ja, einen Nachttopf. Und dann ging es Schritt für Schritt. »Würdest du dich nackt auf den Topf setzen?« Und ich habe verdammt noch mal mitgemacht. So gab es dann dieses skandalöse Foto, wie ich sehr süß ausschauend auf einem kleinen Nachttopf sitze. Man sieht nichts, ich schaue nur ungezogen, lache und zeige ein wenig Bein. Am nächsten Tag war ich wieder nüchtern und habe mich gefragt: What the fuck, Charlie? Was machst du für Sachen? Ich hatte furchtbare Angst, dass mein Vater das Foto sehen würde. Ein paar Wochen habe ich in Furcht und Schrecken gelebt. Aber er hat es nie herausgefunden, das Buch wurde ein Riesenerfolg und seitdem habe ich immer wieder solche skandalösen Sachen gemacht. Es hat niemandem geschadet.

Auf die Rolle des unterkühlten, männermordenden Weibs waren Sie jahrzehntelang festgelegt, seit Sie 1974 in Der Nachtportier eine KZ-Insassin spielten, die sich nach dem Krieg in ihren ehemaligen SS-Peiniger Max verliebt. Der britische Journalist John Lichfield bezeichnete Sie als »Kultfigur mit Katzenfigur und Katzenaugen«.
Erzählen Sie das mal meinen Katzen Max und Felix. Max ist übrigens nach der Figur von Dirk Bogarde im Nachtportier benannt, weil auch er lange hinter Gittern saß, bis ich ihn fand. Allerdings ist er ein blonder Arier und sieht überhaupt nicht aus wie der Max im Film.

In Ihrem neuen Film I, Anna spielen Sie eine einsame, verlassene Frau, die hilflos ins Unglück stürzt. Unter der Oberfläche eines düsteren Thrillers erzählt der Film auch die Geschichte einer Familie. Hat es eine Rolle gespielt, dass Ihr Sohn Barnaby Southcombe Regie geführt hat?
Natürlich. Wir tauchten in Bereiche ein, in denen auch ich schon mal als gebrochene Seele gewesen bin. Barnaby wusste das selbstverständlich, weil ich seine Mutter bin, und wir haben daraus eine Geschichte gemacht, wir haben alles sublimiert. Sein Vater Bryan Southcombe war am Boden zerstört, als ich ihn 1976 verließ, und Barnaby hat das viele Jahre lang gespürt. Als Bryan 2007 im Alter von 69 Jahren starb, setzte sich Barnaby wenige Monate später hin und schrieb ein völlig neues Drehbuch für I, Anna. Als ich es las, sagte ich: Das ist es, das ist der Film, lass ihn uns jetzt drehen! Ich glaube, durch den Tod seines Vaters hat sich bei ihm eine Sperre gelöst.

Kurz vor Beginn der Dreharbeiten brachen Sie sich die Hand, verheimlichten das aber Ihrem Sohn. Warum?
Unfälle sind sehr verräterisch. Mir passieren normalerweise keine U-fälle, weil ich ein gutes Gleichgewichtsempfinden habe. Dann bin ich in der Küche ausgerutscht und habe mir das Handgelenk gebrochen. Ich dachte erst, es sei nichts Schlimmes, aber am nächsten Tag sah ich aus wie der Elefantenmensch. Als ich meinem Sohn endlich von dem Unfall erzählte, haben wir ins Drehbuch geschrieben, dass Anna einen Gips trägt.

[seitenumbruch title="»Ich gehe mit dem Wind.«"]

Es soll Schauspieler geben, die sich für eine Rolle mutwillig Knochen brechen …
Oder Leute, die sich fast zu Tode hungern, wie mein Freund Michael Fassbender für die Rolle des Bobby Sands. Seitdem ist es mit seiner Karriere steil bergauf gegangen. Es scheint der sicherste Weg zu einer Oscar-Nominierung zu sein.

Laut Ethel Barrymore muss man als erfolgreiche Schauspielerin das Gesicht der Venus, die Intelligenz der Minerva, die Grazie von Terpsichore, den Körper von Juno und die Haut eines Rhinozeros haben. Würden Sie dem etwas hinzufügen?
Die Hälfte von denen kenne ich nicht mal. Wer soll Terpsichore sein? Hat sie die erfunden?

Die griechische Muse des Tanzes.
Das Weib hat Humor. Aber mit dem Nashorn liegt sie richtig. Wenn du nach ganz oben aufsteigen willst, brauchst du wirklich Dickhäutigkeit. Es gab ja diese göttlichen Hollywood-Schönheiten, die es auf den Olymp geschafft haben, aber nie ohne dafür Opfer zu bringen.

Der Regisseur Luchino Visconti warnte Sie einst vor Hollywood. Nachdem Sie für ihn in Die Verdammten gespielt hatten, gingen Sie trotzdem in die USA und arbeiteten eine Zeit lang mit Größen wie Sidney Lumet, Paul Newman und Robert Mitchum, ehe Sie sich wieder aufs europäische Kino konzentrierten. Was hat Sie dreißig Jahre später wieder nach Amerika zurückgetrieben?
Ich habe seit zwei Monaten eine Rolle in der sehr erfolgreichen TV-Serie Dexter über einen Psychopathen und Forensiker. Das Arbeiten hier ist großartig. Ich fahre einfach den Sunset Boulevard in meinem Auto runter, alles läuft in geregelten Bahnen. Los Angeles ist eine sehr gesellige Stadt, wenn man Lust auf Gesellschaft hat.

Sind Sie viel auf den berüchtigten Partys unterwegs?
Nein, ich mag keine großen Partys, ich kann sie nicht ertragen. Mit fehlt dafür die Sprache. Ich weiß nicht, was ich da machen soll, wie ich dastehen und reden und von einem Grüppchen zum nächsten gehen soll. Das konnte ich nie, also stehe ich meistens in der Ecke und warte darauf, dass mich jemand anspricht.

Als erfahrene Schauspielerin könnten Sie doch zumindest so tun, als ob.
Eben nicht. Vor der Kamera weiß ich genau, wie das geht. Aber die Person, die hier neben Ihnen auf dem Sofa sitzt, die weiß es nicht. Ich kann das nur spielen, und wenn ich nicht vor der Kamera stehe, spiele ich nicht.

Sie sind bekannt dafür, Produzenten und Regisseuren Körbe zu geben. Was ist die größte Rolle, die Sie abgelehnt haben?
Darüber rede ich nicht. Ich gehe mit dem Wind, und entweder geschehen Dinge oder sie geschehen nicht. Aber bei mir sind sie immer geschehen. Ich habe ein seltsam magisches Verhältnis zum Leben. Dinge passieren mir einfach.

Als Teenager waren Sie mit Ihrer Schwester unter dem Namen »The Colonel’s Daughters« in Londoner Kneipen als Gesangsduo unterwegs, bis Ihr Vater der Sache einen Riegel vorschob.
Mein Vater war immer sehr auf das echte Leben fixiert. Er wollte, dass ich tippen lerne und Sekretärin werde. In der Schule war ich nicht sehr begabt. Wir wurden dort nicht gefördert, weil wir Mädchen waren und unsere Eltern keine Akademiker.

Dabei war Ihr Vater der erste Rampling, der – wenn auch ohne es zu wissen – in einem großen Kinofilm auftauchte: Leni Riefenstahls Olympia.
Mein Vater trat bei den Olympischen Spielen 1936 im Staffellauf an und gewann eine Goldmedaille. Es war der Lauf seines Lebens, und Leni Riefenstahl hat ihn gefilmt. Aber das habe ich erst viel später erfahren, denn er hat nie darüber geredet. Er war ein sehr verschlossener und problematischer Mensch. Wahrscheinlich wusste er nicht mal, dass er in Riefenstahls Film auftaucht. Er ging nur ins Kino, wenn meine Mutter ihn mitschleppte.

1966 nahm sich Ihre Schwester Sarah mit dreiundzwanzig Jahren das Leben, und Sie stürzten in eine schwere Krise. Haben Sie selbst jemals an Selbstmord gedacht?
Jeder Mensch hat die Option, sich das Leben zu nehmen – für mich kam das aber nie in Frage. Ich habe damals mit mir selbst einen Pakt geschlossen, so etwas nie zu tun. Ich hätte es meinen Eltern nicht antun können, dass sich beide ihrer Töchter umbringen. Der Selbstmord meiner Schwester hat mich davon abgehalten. Sie hat mir Kraft gegeben und es mir ermöglicht, weiterzuleben – obwohl es bisweilen unglaublich schwer war.

Der Selbstmord wurde in Ihrer Familie lange verleugnet und stattdessen die Legende gepflegt, Ihre Schwester sei an einer Hirnblutung gestorben. Vierzig Jahre später nahmen Sie ein Album mit Chansons auf. War das auch in Erinnerung an Ihre Schwester und das abrupte Ende Ihrer gemeinsamen Gesangskarriere?
Ja, da schloss sich ein Kreis. Kurz zuvor hatte ich Unter dem Sand mit François Ozon gedreht …

… die Geschichte einer Frau, deren Mann eines Tages spurlos am Strand verschwindet und die seinen Selbstmord nicht akzeptieren kann.
Eine wunderbare Rolle, ich habe sie geliebt, sie war einer der Schlüsselmomente in meinem Leben. Es war ein Comeback, in privater wie beruflicher Hinsicht, denn ich lernte den Selbstmord meiner Schwester anzunehmen.

Und die Arbeit an den Chansons hat Ihnen bei diesem therapeutischen Prozess geholfen?
Sie hat mir dabei geholfen, eine Menge ungelöster Dinge zu verarbeiten. Als Schauspielerin kann ich mit jeder Herausforderung umgehen, aber das hier war etwas anderes, weil es um unbewältigte Dinge ging. Wenn man mich dazu bringen will, etwas zu tun, ist das oft, als ob man Blut aus einem Stein zu quetschen versucht. Die Produzenten klopften damals immer wieder an meine Tür in Paris, und wenn ich nicht geöffnet habe, kamen sie am nächsten Tag wieder. Sie haben sich nicht abschrecken lassen und mir Mut gemacht, etwas Neues zu versuchen. Auf einmal stellte ich fest, dass ich diese Tür öffnen musste und damit eine ganze Reihe anderer Dinge herauslassen würde.

[seitenumbruch title="
»In Hollywood begrüßt man einander so: Du siehst wunderbar aus, wer ist dein Chirurg?«"]

CHARLOTTE RAMPLING Die Legende Die Schauspielerin wurde 1946 als Tochter eines britischen Offiziers und einer Malerin geboren. Nach Luchino Viscontis »Die Verdammten« (1969) gelang ihr 1974 mit »Der Nachtportier« der endgültige Durchbruch. In ihrem jüngsten Film »I, Anna« (ab 2.5.), einem packenden Noir-Thriller, spielt sie die geschiedene Mutter Anna, die zu Speed-Dating-Events geht und sich in Kommissar Bernie (Gabriel Byrne, rechts) verliebt. Dessen Ermittlungen in einem Mordfall führen bald direkt zu Anna, die ein dunkles Familiengeheimnis hütet.

Als Kind gingen Sie auf ein katholisches Internat in Frankreich. Glauben Sie an Gott?
Ich bin nicht katholisch, aber die Nonnen gefielen mir und das Singen, die Rituale. Deshalb ging ich auch zur Beichte, obwohl ich das als Protestantin eigentlich gar nicht durfte. Man hat in dem Alter ja schon schlimme Gedanken, und ich dachte mir: Großartig, jetzt kann ich darüber reden, ohne dass mir was passiert. Der Zorn Gottes konnte mich schließlich nicht treffen, ich war ja nicht gläubig.

Obwohl Sie selbst ein Kind der Swinging Sixties sind, haben Ihre eigenen Kinder eine strenge Erziehung genossen. Warum?
Mein zweiter Ehemann Jean Michel Jarre und ich waren sehr konservative Eltern. Wir waren keine Rock ’n Roller wie Mick Jagger und Co., wir haben dafür gesorgt, dass unsere Kinder ein geregeltes Leben führen. Sie hatten immer dieselben Kindermädchen, waren auf derselben Schule. Meine Kinder haben sich bei mir dafür bedankt, weil sie andere Kinder gesehen haben, die als Hippies aufwuchsen und völlig undiszipliniert und haltlos waren. Wenn es keine Grenzen gibt, werden Kinder verrückt, glaube ich, und verfallen dem Alkohol oder Drogen.

Ihre Ehe mit Jean Michel Jarre zerbrach 1996 nach fast zwanzig Jahren. Stimmt es, dass Sie damals mit dem Gedanken spielten, sich für immer aus dem Filmgeschäft zurückzuziehen?
Es war eine persönliche und damit auch eine berufliche Krise. Es gab tatsächlich einen Moment, in dem ich mit dem Gedanken spielte, keine Filme mehr zu machen. Ich wollte nicht mehr im Scheinwerferlicht stehen, ich wollte nicht, dass die Leute mich ansehen, ich wollte nicht mehr Teil dieser Welt sein, in der du anderen etwas vorspielen musst. Schauspielerei kann nicht intim sein, also habe ich damals angefangen zu schreiben.

Was haben Sie geschrieben, Ihre Autobiografie?
Ich warne Sie, wenn das Wort »Autobiografie« im Interview vorkommt, verzeihe ich Ihnen das nie. Das ist ein viel zu großes Wort für mich. Ich bin keine Schriftstellerin. Ich will nicht über mich reden, sondern durch mich. Es gibt viele große Themen, aber es kommt darauf an, sie auf ein Minimum zu reduzieren, in einen Satz zu fassen. Ich habe in den letzten Jahren sehr viel geschrieben, denn ich möchte so schreiben können, wie ich spiele, und das braucht Zeit. Manchmal entdecke ich ein paar Blätter mit Notizen, die ich vor drei Jahren verfasst habe, und verliere sie dann wieder. Das ist wie mit meinen Rollen im Film: Ich muss Dinge vergessen, um mich vollständig frei zu fühlen. Ich muss alles hinter mir lassen können, um weiterleben zu können.

Eine Biografie über sich wollen Sie offensichtlich auch nicht. Ihre Biografin haben Sie verklagt, das Buch ist nie erschienen. Warum nicht?
Weil es so schlecht geschrieben war. Es war klatschsüchtig und anzüglich. Wir wollten eigentlich zusammenarbeiten, sie sollte recherchieren und ich sollte große Teile schreiben. Aber das stellte sich als unmöglich heraus, sie hinterging mich. Also sagte ich, na gut, wenn du nicht freiwillig aufhörst, werde ich dich fertigmachen, egal wie lange es dauert und wie viel es kostet.

Das Alter ist grausam, nur zu Ihnen anscheinend nicht. Verraten Sie uns Ihr Geheimnis?
Mein Vater starb 2009, er wurde hundert Jahre alt. Er war ein unglaublich gut aussehender Mann, zum Umfallen schön. Ich war immer sehr stolz auf meinen schönen Vater, und er hat mir einen haltbaren Körper und ein haltbares Gesicht vererbt. Ich werde bestimmt auch hundert Jahre alt, mindestens. Jedenfalls hoffe ich, dass ich so lange in guter geistiger Verfassung bleibe, auch wenn körperlich dann alles im Eimer ist.

Gehen Sie regelmäßig ins Fitnessstudio?
Nein. Die Leute hier in Hollywood sind geradezu besessen von körperlicher Fitness. Neulich ging ich mit der Regisseurin Kathryn Bigelow spazieren. Eine freundliche, sehr unkomplizierte Frau, noch dazu sehr schön, mit einem schmalen Körper. Sie marschierte den Canyon in einer Geschwindigkeit rauf, dass ich dachte, wir sehen uns nächste Woche am Ziel. Sie hat mir gesagt, dass sie jeden Morgen eineinhalb Stunden spazieren geht. Das sei das beste Rezept.

In Hollywood gehört es auch zum guten Ton, sich regelmäßig liften zu lassen.
Gestern Abend habe ich Jane Fonda gesehen. Ich kenne sie gut, aber ihr Gesicht war wieder mal gemacht worden. Sehr schön übrigens. Es gibt hier hervorragende Chirurgen. Sie sagt ganz offen: Ich bin 75 Jahre alt, und so läuft das hier. Zur Begrüßung sagt man einander: Du siehst wunderbar aus, wer ist dein Chirurg?

Als Sie jung waren, wollte Ihr Agent Sie dazu überreden, Ihr Gesicht operieren zu lassen. Er fürchtete, dass Ihre schweren Augenlider Ihrer Karriere im Filmgeschäft schaden würden.
(Bricht in schallendes Gelächter aus.) Ich habe ihn gefeuert. Zugegeben, heute wirken meine Augen ein bisschen wie die einer Schlange. Aber auch das ist interessant.

Woody Allen hat einmal auf die Frage, welche Gäste er gern zu einem Dinner einladen würde, geantwortet: Charlotte Rampling und Franz Kafka. Wen würden Sie einladen?
Ich würde ihn und Kafka einladen! Schließlich bin ich als braves Mädchen erzogen worden, und wenn mich jemand einlädt, dann bekommt er eine Gegeneinladung. Den Papst können wir auch dazubitten – Kafka, Woody Allen und den alten Papst Franziskus, das wärs. Ich wüsste gerne, was in seinem kleinen Kopf vor sich geht.

Fotos: NFP, dpa

�Naturgesetze machen jede Menge �rger�

Till Krause (Interview) — 2013-01-09T12:00:00+01:00

Wie lässt man Raumschiffe, Monster und Explosionen im Kino realistisch wirken? Regisseure holen sich Rat beim Wissenschaftsberater Sean Carroll.

Ob bei »Hulk«, »Thor« oder »Illuminati« mit Tom Hanks: Wenn es im Kino besonders eindrucksvoll kracht und scheppert, waren Wissenschaftler am Werk.

SZ-Magazin: Herr Carroll, Sie sind Astrophysiker. Was genau wollen Filmemacher von Ihnen wissen?
Sean Carroll: Ganz unterschiedliche Dinge: Wie ein Raumschiff aussehen müsste, das mit Überlichtgeschwindigkeit fliegt. Wie groß ein Komet sein müsste, damit er die Erde zerstören könnte. Oder was mit jemandem passieren würde, der vom Rand eines scheibenförmigen Planeten ins Weltall geschubst wird.

Was würde denn passieren?
Das funktioniert gar nicht: Die Schwerkraft sorgt dafür, dass man einfach auf der anderen Seite der Scheibe landen würde. Aber schon die Scheibenform ist unlogisch: Es gibt ein Phänomen namens »Hydrostatisches Gleichgewicht«, das Planeten in eine runde Form zieht.

Wie reagiert ein Drehbuchautor, wenn Sie sagen: Nette Idee mit dem Scheibenplaneten – aber wissenschaftlich ist das Unsinn?
Ich bin diplomatischer – ich sage eher: Ich habe ein paar Vorschläge, die der Story nicht schaden, aber plausibler sind. Die Sache mit dem Scheibenplaneten kam im Film Thor vor, in einer frühen Fassung des Drehbuchs. Im fertigen Film ist der Planet dann rund.

Glauben Sie wirklich, solche Fehler fallen Zuschauern auf?
Es reicht schon, wenn einer den Clip auf Youtube stellt und erklären kann, was die Filmemacher falsch gemacht haben. Dann wird ein Film schnell zur Lachnummer. Das Publikum ist viel kritischer geworden.

Wenn Sie auf solche Fehler hinweisen – fühlen Sie sich manchmal als Spielverderber?
Nein. Ich will die Ideen ja nicht kaputtreden. Mich interessiert: Was wollen Drehbuchschreiber und Regisseure erzählen? Und dann achte ich darauf, dass es innerhalb dieser Fantasiewelt halbwegs realistisch zugeht. Superman kann fliegen? Kein Problem. Aber dann sollte seine Flugbahn stimmen.

Wie schwer fällt es Ihnen, sich auf solche Gedankenspiele einzulassen?
Als Wissenschaftler frage ich immer: Welche Phänomene der Natur gibt es wirklich? Hollywood funktioniert anders, da kommt jemand daher und sagt: Hey, lasst uns einfach selbst bestimmen, was geht und was nicht. Ich muss diese innere Stimme überwinden, die ständig sagt: Eine Figur wie »Thor« mit seinem fliegenden Hammer widerspricht den Gesetzen der Physik.

Aber kein Mensch geht doch ins Kino, um physikalisch korrekte Superhelden zu sehen.
Schon klar. Aber damit eine Geschichte funktioniert, braucht es irgendwelche Gesetze, sonst wird die Handlung langweilig. Sonst könnte der Held einfach mit den Fingern schnippen, und alle Gegner sind tot und die Welt ist gerettet. Am Ende lassen sich viele Geschichten auf eine einfache Formel reduzieren: Naturgesetze machen jede Menge Ärger. Da sind sich Wissenschaft und Filme gar nicht so unähnlich. Wir machen daraus Experimente. Hollywood macht daraus Blockbuster.

Für Illuminati mit Tom Hanks mussten Sie sich überlegen, wie eine Bombe aus Antimaterie funktionieren würde. Wie gehen Sie so eine Aufgabe an?
Normalerweise würde ich Experimente machen, Fachliteratur auswerten und mit Kollegen diskutieren. Ging in diesem Fall alles nicht, denn technisch gesehen ist eine Bombe aus Antimaterie reine Fiktion. Das Material ist so schwierig herzustellen, dass man bisher nur winzige Mengen produzieren kann. Und die wären so gefährlich wie ein Streichholz.

Also berechnen Sie, was bei so einer Explosion theoretisch passieren würde?
Genau. Ich will das so präzise wie möglich hinbekommen, aber alles, was ich weiß, ist: Es würde explodieren. Aber wie genau? Mit einer Flammenwolke? Oder als heller Blitz? Also habe ich versucht zu berechnen, wie sich die Antimaterie in der Luft ausbreiten würde und welche Energien dabei freigesetzt würden. Am Ende wird das kaum ein Zuschauer merken. Aber immerhin: Die Explosion sieht anders aus als alle andere Explosionen im Kino.

Über welchen Film haben Sie sich zuletzt geärgert?
Sosehr ich den Star Trek-Film von J. J. Abrams mochte: Er hatte ein paar ziemliche Patzer. Es gibt da eine Substanz, die sogenannte rote Materie, die Planeten zum Explodieren bringen kann. Im ganzen Film geht es darum, wie man diese Materie stoppen könnte, aber man erfährt nie, was genau das für ein Material ist. Also bleibt es völlig rätselhaft, wie sich die rote Materie besiegen lässt. Da fühle ich mich irgendwie für dumm verkauft. Schau, da ist dieses magische Zeug, wir müssen es aufhalten – dann eine Verfolgungsjagd, am Ende gewinnen die Guten, fertig.

[seitenumbruch title="Die häufigsten Fehler"]

Sean Carroll unterrichtet Astrophysik an der angesehenen Universität California Institue of Technology und interessiert sich für Raumschiffe, Explosionen und Sagengestalten. Weil er komplizierte Dinge so erklären kann, dass auch Laien sie verstehen, ist er einer der wichtigsten Wissenschaftsberater Hollywoods. Seine bekanntesten Aufträge: »Tron«, »Thor«, »Illuminati«, »The Avengers« und »The Big Bang Theory«.

Welcher Fehler kommt im Kino besonders häufig vor?
Sobald es um Zeitreisen geht, wird es fast immer dubios. Klar kann man im Film in die Vergangenheit reisen – aber man kann dort nichts verändern. Denn die Vergangenheit muss ja irgendwie mit dem zusammenpassen, was wir heute über die Vergangenheit wissen. Sie können also theoretisch Ihre eigenen Eltern als Kinder besuchen – aber Sie können nicht Ihre eigene Zeugung verhindern. Denn Sie existieren ja.

Aber genau das ist doch an Filmen so toll: dass sie etwas zeigen, was eigentlich nicht geht.
Aber ich will auch bei Zeitreisenfilmen das Gefühl haben, dass die Drehbuchautoren sich auch etwas dabei gedacht haben – so wie bei 12 Monkeys, wo man merkt: Hier sind die Zeitebenen so logisch angeordnet, dass wirklich alles zusammenpasst.

Welche Regisseure genießen unter Wissenschaftlern einen besonders guten Ruf?
Am meisten hat mich der Chef der Marvel Studios beeindruckt, der sich bei Actionfilmen wie Der unglaubliche Hulk, Iron Man oder The Avengers wirklich Mühe gibt, dass alle Details stimmen. Auch Ridley Scott ist ein ziemlicher Wissenschaftsnerd, der sich gern zeigen lässt, woran Forscher gerade arbeiten. Da hat sich einiges getan: In alten Science-Fiction-Filmen stand im Drehbuch an manchen Stellen einfach: Hier bitte Techno-Geschwafel einfügen. Da haben Autoren dann irgendwelche Versatzstücke aus Gebrauchsanweisungen und Physikbüchern reingeschrieben, nur damit die Dialoge irgendwie technisch klingen.

Wenn heute in Filmen wissenschaftliche Fachbegriffe vorkommen, kann man davon ausgehen, dass sie alle stimmen?
Ja, denn Filmemacher freuen sich immer, wenn sie exakt beschreiben können, was gerade in der Handlung vorkommt. Wenn zum Beispiel Leute im Film Thor sehr schnell durchs Universum reisen, lässt sich das theoretisch mit einem Prinzip erklären, das man in der Wissenschaft »Einstein-Rosen-Brücke« nennt. Sie sollten mal sehen, wie die Augen der Drehbuchautoren leuchten, wenn sie solche Wörter zum ersten Mal hören.

In Filmen sind Wissenschaftler oft durchgeknallte Typen mit schlecht sitzender Kleidung. Stört Sie das?
Wie Wissenschaftler aussehen, ist mir egal – außerdem gibt es ja Leute wie Tony Stark in Iron Man: einen Forscher-Playboy mit Unmengen Geld. Sehr schmeichelhaft für uns Wissenschaftler. Was mich eher stört: Oft wissen Drehbuchschreiber nicht, wie ein Labor funktioniert. Die denken: Da sitzen Genies an ultrateuren Geräten, ballern mit Lasern rum, und alles blinkt und funkelt.

Was tun Sie gegen solche Klischees?
Ein Kollege und ich haben die Autoren von The Big Bang Theory einfach mal in ein echtes Labor eingeladen – und die waren schockiert, wie schäbig es dort aussieht. Aber seitdem zeigt die Serie ein ziemlich realistisches Bild: Wir arbeiten fast immer knapp am Limit, da gibt es eher zusammengeschustertes Zeug als riesige Flachbildmonitore.

Was sagen Ihre Wissenschaftskollegen, wenn Sie erzählen: Nebenbei mache ich mir Gedanken über die korrekte Flugbahn magischer Hämmer?
Vielen ist das suspekt, auch wenn mir das noch niemand ins Gesicht gesagt hat. Aber es gibt, gerade bei jüngeren Kollegen, die mit Science-Fiction aufgewachsen sind, auch viel Begeisterung für Hollywood. Für sie war das Kino der erste Berührungspunkt mit Wissenschaft. Und wenn ich mich bemühe, dass Wissenschaft halbwegs plausibel ist, und Forscher nicht rüberkommen wie Freaks, hat das auch einen einfachen Grund: Wir brauchen mehr Nachwuchswissenschaftler. Wenn ich dadurch nur ein paar Schüler dazu bringe, Wissenschaftler zu werden, hat sich die Arbeit schon gelohnt.

Kann ein Film das schaffen – Menschen für Wissenschaft begeistern?
Na sicher. Eine reine Frage der Masse: Wenn ich ein Buch über das Higgs-Boson schreibe, lesen das vielleicht 20 000 Leute. Eine Comicverfilmung wie Thor schauen Millionen. Darin spielt Natalie Portman eine junge Astrophysikerin, obwohl sie eigentlich als Krankenschwester eingeplant war. Ich habe die Filmemacher überzeugt, dass eine Physikerin besser in die Story passt. Dafür hat Portman viel Fanpost von Mädchen bekommen, die sagen: Das ist cool. Das will ich später auch mal machen. Aber ein bisschen enttäuscht war ich von ihrer Rolle trotzdem.

Warum?
Sie findet den Donnergott Thor in der Wüste, als es ihn auf die Erde verschlägt. Kein echter Wissenschaftler würde das einfach so hinnehmen – sondern Thor ständig ausfragen: Wie funktioniert euer Sonnensystem? Was weißt du über dunkle Materie? Diese Neugier, die fehlt ihr.

Bekommen Sie eigentlich Geld für Ihre Arbeit?
Disney hat mir einmal 250 Dollar Aufwandsentschädigung gezahlt. Ansonsten arbeite ich gratis. Dass Wissenschaftler und Hollywood-Leute zusammenarbeiten, ist ja eine neue Entwicklung. Seit vier Jahren gibt es in Hollywood den »Science and Entertainment Exchange«, ein staatlich gefördertes Programm, in dem Wissenschaftler ehrenamtlich Tipps für Filmemacher geben. Da mache ich gern mit. Ich sehe das als eine Art Hobby.

An welchem Film arbeiten Sie gerade?
Das darf ich nicht sagen, ich muss seitenlange Verträge unterschreiben, bevor ich ein Drehbuch überhaupt lesen darf. Nur so viel: Wenn Thor 2 in die Kinos kommt, will ich mal behaupten, dass sich darin keine wissenschaftlichen Fehler finden lassen.

Fühlen Sie sich bei den Premierenpartys als Wissenschaftler deplatziert?
Ich werde nicht mal eingeladen. Bisher bin ich noch nicht mal im Abspann erwähnt – aber ich hoffe, das wird sich bei meinen nächsten Projekten ändern.

[seitenumbruch title="Hollywood im Fakten-Check"]
HOLLYWOOD IM FAKTEN-CHECK

RICHTIG

Deep Impact
Um Raumschiffe und Kometen korrekt darzustellen, haben die Filmemacher Physiker und Astronauten nach Hollywood eingeladen.

Die Unglaublichen
Obwohl es nur ein Trickfilm ist, stimmen viele Details - als ein Baby herunterfällt und gerettet wird, ist die Geschwindigkeit genau berechnet.

2001: Odysse im Weltraum
Stanley Kubrick hat für den Film mit 65 Experten gesprochen - seitdem glauben Skeptiker, dass er die Mondlandung inszeniert hat.

FALSCH

Star Wars
George Lucas nimmt es mit Naturgesetzen nicht so genau: Im Weltall gibt es keine Geräusche – also auch keine lauten Explosionen.

Jurassic Park
So faszinierend die Dinos auch sind – ihre Gefährlichkeit ist übertrieben: Die fiesen Velociraptoren sind in Wahrheit so groß wie Hühner.

2012
Die Kettenreaktion aus Naturkatastophen ist so unplausibel, dass die NASA eine Webseite betreibt, die auf die Fehler des Films hinweist.

�Erfolg kann sch�dlich sein�

Judka Strittmatter (Interview) — 2012-12-19T12:00:00+01:00

Diese Frau hat Daniel Brühl und Sandra Hüller zu Stars gemacht – weil sie haargenau weiß, wie man die ideale Besetzung für einen Film findet. Ein Gespräch mit der Casterin Simone Bär.

Simone Bär steht nur ungern selber im Rampenlicht, sondern verhilft lieber den von ihr besetzten Schauspielern zu Ruhm.

SZ-Magazin: Frau Bär, hat es einen Grund, warum Sie so fernab Ihrer Klientel im Westen Berlins arbeiten? Verstecken Sie sich? Die meisten der 20 000 Schauspieler, die in Berlin leben, wohnen in Mitte oder Prenzlauer Berg.
Simone Bär: Das hat eher praktische Gründe. 1990, als ich anfing, gab es im Osten, wo ich herkam, keine Telefone. Hier schon. Ansonsten kann ich nicht leugnen, dass ich mich lieber auf Abstand halte. Das hält den Blick scharf.

Stehen ab und zu Schauspieler vor der Tür, die einen Job suchen?
In Amerika gibt es den schönen Satz: »Don’t visit, don’t call.« Ein Schauspieler, der einen Caster nervt, dessen Weg endet an der Gegensprechanlage.

Gibt es Bestechungsversuche?
Ja, auch das.

Bis zur Wende haben Sie als Regieassistentin gearbeitet, Sie stammen aus Königs Wusterhausen bei Berlin. Woher wussten Sie, dass Sie eine gute Casterin sein würden?
Das wusste ich natürlich nicht. Ein Freund hatte in München eine Werbefilmproduktion. Der sagte: »Du kennst doch die ganzen Ostschauspieler, mach doch Casting!« Ich fragte: Was ist das denn? Ah, Besetzung. Warum braucht man ein englisches Wort dafür? Mit Werbeclips und Daily Soaps habe ich angefangen.

Trotzdem muss man doch für Menschen und den Schauspielberuf ein Händchen haben, um irgendwann so große Filme besetzen zu können, wie Sie das heute tun.
Das Interesse an Menschen bei mir ist groß, sie faszinieren mich eben. Einen Film zu besetzen, das ist, als würden Sie sich eine Familie bauen. Nach all den Jahren weiß ich, wer gut mit wem kann und auch von der Spielweise zusammenpasst.

Es geht also nicht nur ums professionelle Zusammenarbeiten, die Schauspieler sollten sich auch mögen?
Es ist zumindest die bessere Voraussetzung – finde ich.

Wann war Ihr Durchbruch als Casterin?
Wenn man Erfolg überhaupt bemessen kann, dann ging es los mit Die innere Sicherheit von Christian Petzold, dann kam Good Bye, Lenin! von Wolfgang Becker.

Sie haben diverse Talente entdeckt, auch Sandra Hüller, die Sie für Requiem von Hans-Christian Schmid besetzten.
Damals haben wir nach einem Gesicht gesucht, das nicht zu modern ist. Ich bin durch alle Theater gewandert und habe in Prospekten des Theaters Basel ein winziges Schwarz-Weiß-Foto von ihr entdeckt. Ich habe sie dann um Videomaterial gebeten, und sie schickte mir eine Minute. Eine Minute! In der jedoch fällt ihr rund 15 Sekunden lang ein Taschentuch herunter – großartig. Ich stand neben Hans-Christian Schmid und sagte: Siehste, siehste? Und er erwiderte: Aber was siehst du denn da?

Es gibt Gesichter, die zu modern sind für einige Filme?
O ja. Es gibt Typen und Gesichter, die sind entweder ländlich oder urban, passen besser in einen Historien- oder in einen Gegenwartsfilm. In der DDR auf den Schauspielschulen war es sogar so, dass man nicht zu schön sein durfte, weil das vom Spiel ablenkt. Ich schaue auch, wie jemand mit Sprache umgeht. Hat er diesen Großstadtslang oder kann er auch fein? Man wird nicht jeden Schauspieler zum Bauern machen können. Die größte Schwierigkeit beim Weißen Band war genau dieser Part. Die Hände mussten stimmen!

Ist Sozialisation ein Kriterium?
Wenn ich einen Stoff, der sich mit dem ehemaligen Osten befasst, besetzen möchte, ist es für mich natürlich besser, einen von dort zu nehmen als jemanden, bei dem ich spüre, dass er in München-Bogenhausen aufgewachsen ist. Man sagt zwar, ein Schau-
spieler muss das können, aber ich sehe immer noch Unterschiede. Wie er geht, wie er sich ausdrückt. Man kann spüren, ob jemand Arbeiterklasse oder Landadel ist.

Warum haben Sie dann 2001 Daniel Brühl für die Hauptrolle von Good Bye, Lenin! besetzt?
Er war zu der Zeit einer der begabtesten unter den Jungschauspielern. Ein frisches Gesicht mit hohem Sympathiewert. Aber da gab es auch viel Arbeit, ihn an die Ostsprache anzupassen.

Was muss jemand haben, damit Simone Bär auf sie oder ihn anspringt?
Wen ich gut finde für eine Rolle, das sieht man ja am Ende im Kino oder Fernsehen. Ich scheue mich, da einzelne Beispiele herauszunehmen, weil es andere automatisch ausschließt. Und die denken dann, ich mag sie nicht oder schätze ihre Arbeit nicht. Neuentdeckungen müssen auch nicht immer nur junge Leute sein. Ich habe Michael Maertens, an dem ich seit Jahren dran bin und der in Theaterkreisen sehr renommiert ist, in Die Vermessung der Welt besetzt, da spielt er den Herzog. Hinterher fragten viele: Wer ist denn das, der ist ja gut.

Von Ihnen stammt der Satz: »Eine ausgewogene Mischung aus Prominenz und Neuentdeckung oder eine ungewöhnliche Wahl machen eine gute Besetzung aus.«
Das ist richtig. Für mich ist es eher langweilig, wenn jemand schon einen Darsteller im Visier hat. Meistens sage ich: Bitte sag nichts, ich will von mir aus mit Vorschlägen kommen, und dann sehen wir, ob wir dasselbe denken über den Stoff. Hinzu kommt, dass in der Filmbranche jeder denkt, er könne einen Film besetzen. Es würde sich zwar keiner hinstellen und sagen: Ich kann auch Kamera, Kostüm oder Schnitt. Aber beim Casting wollen alle mitreden.

Angenommen, Nico Hofmann, der sich die Rechte von Bettina Wulffs Jenseits des Protokolls gesichert hat, käme auf Sie zu, um seinen Film zu besetzen,
Generell muss mir ein Buch gefallen, sonst mache ich es nicht. Wenn ich etwas politisch ablehne, kann ich auch nicht den Film dazu besetzen. Ich könnte es auch keinem Schauspieler anbieten, wenn ich es selbst nicht leiden mag. Wie soll man da überzeugend sein?

Wie sehr mischen sich Produzenten ein?
Generell gilt die Regel: Je höher das Budget, umso mehr Leute reden mit. Am besten ist es, die Dinge so hinzukriegen, dass Produzenten und Regisseure meine Empfehlung mittragen, ein Diplomatiegeschäft! Ich bin generell sehr genau, bis hin zur kleinsten Rolle, und gebe auch nicht so schnell nach. Da man uns als Ossis ja immer sagen wollte früher, was wir zu denken haben, hat sich da so ein Widerborst gebildet: Titel und Namen beeindrucken mich nicht.

Und wenn jemand besetzt wird, mit dem Sie überhaupt nicht einverstanden sind ?
Kann ich jederzeit aussteigen.

Sagt auch mal ein Regisseur, den oder die will ich haben, und Sie raten ihm ab?
Passiert auch. Auch dass mein Rat angenommen wird.

[seitenumbruch title="»Bei Christoph Waltz hat die Gerechtigkeit mal gesiegt.«"]

Simone Bär brachte Tarantino mit Christoph Waltz (für »Inglourious Basterds«, 2009) zusammen, seither ein unzertrennliches Duo in Hollywood. (Foto:dpa)

Wenn Deutsche in internationalen Filmen auftauchen, dann sind sie oft Nazis und sehen auch so aus: böse nämlich.
Ja, da gab es zwischenzeitlich auch bei mir ein Übersättigungsgefühl. Ich verstehe jeden Schauspieler gut, der so eine Uniform nicht mehr anziehen und nur aufs Äußere reduziert werden will. Zum Glück werden selbst diese Rollen vielschichtiger.

Christoph Waltz, den Sie für Inglourious Basterds vorschlugen, dürfte Ihnen hingegen ewig dankbar sein. Seine Rolle als perfider SS-Standartenführer Landa brachte ihm den Oscar ein, Hollywood wurde aufmerksam auf ihn.
Christophs Erfolg hat mich riesig gefreut, das gebe ich zu. Da hat die Gerechtigkeit mal gesiegt. Und obwohl die Schauspielergemeinde sonst ein neidisches Volk sein kann, hat ihm jeder seinen Erfolg gegönnt. Da habe ich nicht einmal gehört: Das hätte ich auch gekonnt!

Tarantino scheint Ihre Wahl ebenfalls nachhaltig zu schätzen: Christoph Waltz spielt auch in seinem neuen Film mit. Django Unchained kommt im Januar 2013 in die Kinos.
Ja, im Falle von Waltz und Tarantino kam eben alles zur richtigen Zeit und am richtigen Ort zusammen für einen Coup.

Und woher kannte ein Quentin Tarantino Simone Bär? Woher wusste er, dass Sie die Richtige für ihn sein würden?
Das ist eben das Empfehlungsgeschäft. Ich hatte vorher mit Stephen Daldry Der Vorleser gemacht.

Und Stephen Daldry, wie ist der auf Sie gekommen?
Entstanden ist alles über Das Leben der Anderen. Als der Film durch Amerika ging in der Oscar-Auswahl, hat Stephen Daldry Florian Henckel von Donnersmarck erzählt, dass er einen Film in Deutschland plane und ob er ihm seinen Casting-Direktor empfehlen könne. Von Donnersmarck hat dann gleich meine Handynummer weitergegeben, was ich eigentlich nicht mag. Das ist auch nur deshalb interessant, weil ich zu dieser Zeit, also um 2007 herum, noch gar kein Englisch sprach außer »Yes« und »Hello«. Und erst mal aufgelegt habe, als Daldry anrief. Vor Schreck.

Nach Daldry kam Tarantino zu Ihnen. Wie hat sich das angebahnt?
Bei Tarantino war mein Englisch auch noch mau – o je. Nach drei, vier Wochen war ich dann schon mutiger, und er rief erfreut: Sie spricht, sie spricht! Ich hatte inzwischen einen Englischlehrer. Außerdem ist Sprache nicht alles. In unserem Geschäft spürt man auch so relativ schnell, ob man miteinander kann.

Hat Daldry Sie Tarantino empfohlen?
Das weiß ich nicht. Seine Produzentin rief auf dem Handy meiner Mitarbeiterin Alexandra Montag an. Wir bauten gerade ein Regal zusammen, als ihr Telefon klingelte. Sie scherzte noch und rief: Hollywood! Und dann war Hollywood wirklich dran. Sehr lustig.

Wie haben Sie sich an Tarantinos Art Filme zu drehen herangetastet?
Na ja, nach Pulp Fiction dachte ich schon, dieser Typ muss ganz schön verrückt sein, dieses Blut überall. Aber manche Regisseure, und oft die guten, sind etwas abgedreht. Ich mag das.

Wie beginnt man so eine Arbeit mit ihm?
Die amerikanischen Schauspieler wurden natürlich von Amerika aus besetzt. Ansonsten ist das Wichtigste, so plakativ das klingt, Vertrauen. Der Regisseur muss mir glauben, wenn ich sage, der ist der Beste für die Rolle. Und zwar so sehr glauben, dass er nicht das Gefühl hat, noch hundert andere anschauen zu müssen. Tarantino habe ich zwei Schauspieler pro Rolle gezeigt, manchmal einen dritten, manchmal nur einen. Er hat sich sofort entschieden.

Haben Sie es im Gefühl, wie viele Schauspieler Sie einem Regisseur zeigen sollten?
Ich bin eigentlich ein »Dreier«, denn Menge verwirrt nur, verwässert die Vision. Ein Regisseur hat ja auch nicht zehn Visionen von einer Rolle. Ich versuche seiner am nächsten zu kommen.

Haben Sie auch Michael Fassbender besetzt, der gern von den Deutschen vereinnahmt wird, weil sein Vater aus Heidelberg stammt und er dort geboren wurde?
Michael Fassbender haben wir zwar nicht besetzt, aber der war hier, weil die amerikanische Casting-Agentur meinte, der kann Deutsch, und wir sollten das prüfen. Das war dann aber leider nicht wirklich der Fall.

Als Sie für Tarantino Schauspieler suchten, war im Vorfeld schon in der Presse zu lesen, wer eventuell mitspielt. Die Paparazzi haben sich bestimmt gefreut und Ihre Agentur belagert.
Ja, als das raus war, war es furchtbar, in der Presse zu lesen, wer alles beim Casting war, dann aber doch nicht auftaucht im Film – das ist auch für gestandene Schauspieler grauenvoll.

Zumal renommierte Schauspieler auch bestimmt nicht scharf darauf sind, sich einem Casting zu unterziehen, oder?
Na ja, bei Tarantino oder generell bei internationalen Produktionen ist das natürlich etwas anderes. Castings sind schon deshalb nicht beliebt, weil es ja immer eine Art Prüfungssituation ist. Aber der Druck, dass Filme funktionieren müssen, ist eben größer geworden. Und manchmal hat ja auch ein bewährter Schauspieler keinen guten Lauf. Kommt auch auf die persönliche Situation an, in der er sich gerade befindet.

Ein Regisseur will auch wissen, wie es einem Schauspieler geht?
Natürlich. Der will doch wissen, auf was für einen Menschen er da trifft.

Verbietet eigentlich die Professionalität, mit Schauspielern befreundet zu sein?
Ich versuche es zu vermeiden, auch mit Regisseuren, aber natürlich bin ich auch nur ein Mensch. Ich will mich nicht überfrachten mit Dingen, die ich über jemanden weiß, ich erfahre ja sowieso schon sehr viel Privates. Deswegen gehe ich auch kaum auf Partys. Für meine Wahrnehmung der Person ist das, was man auf Partys zu sehen bekommt, oft nicht gut.

Wie haben sich die Dinge für Sie verändert, seit Sie international mitmischen?
Ich werde seltener vom Fernsehen beauftragt. Erfolg kann also auch schädlich sein! Es war viel Arbeit, deutlich zu machen: Hey, ich mache immer noch gern Der Kriminalist und Fernsehfilme. Ihr könnt weiterhin fragen!

Wie oft werden Sie gefragt, ob Sie all Ihr Wissen und all die Anekdoten nicht mal in ein Buch gießen wollen?
Oft. Ich hatte schon ernsthafte Angebote. Auch ein Regisseur hat mal gesagt: Wir reden beide mal, und ich mach dann einen Film draus. Aber das kommt höchstens in Frage, wenn mir die Altersarmut droht, denn dicke Honorare kriegen wir Caster nicht. Wir werden pauschal bezahlt, egal, wie lange die Arbeit dauert. Wenn wir unsere Verträge kriegen, hat der Produzent oft das Geld für den Film noch nicht zusammen. Für mich heißt das, um alle Kosten decken und ein Kind großziehen zu können: Ich muss mehrere Filme gleichzeitig machen. Wenn ich es finanziell könnte, hätte ich mein Büro auch schon längst personell erweitert, denn die Arbeit, die ich habe, ist viel für zwei.

Simone Bär
ist eine der renommiertesten Casting-Direktorinnen für Film und Fernsehen. Schon im Vorfeld macht die 47-Jährige einem klar, dass man Sätze wie »Die Ferres geht immer« nicht von ihr zu hören bekommt. In ihrem Büro in Berlin-Wilmersdorf gibt es Regale mit Hunderten DVDs und Fenster mit Sichtschutz. Im Flur hängen die Plakate der Filme, die sie besetzt hat, unter anderem »Good Bye, Lenin!«, »Das Leben der Anderen«, »Inglourious Basterds« oder »Der Vorleser«. Die Liste ist lang und hochkarätig: Derzeit läuft im Kino »Anleitung zum Unglücklichsein«, im nächsten Jahr der Film »3096«, der die Geschichte von Natascha Kampusch erzählt - Bernd Eichingers letztes Projekt.

�Ich bin eine Ausgesto�ene�

Michaela Haas (Interview) — 2012-11-22T17:00:00+01:00

Die schweigsame Dänin Susanne Bier ist eine der ganz wenigen großen Filmregisseurinnen der Welt. Für sie sprechen: 17 Filme, 8 Preise, 1 Oscar. Höchste Zeit, dass sie mal selbst für sich spricht.

Susanne Bier fragt, ob sie die dunkle Sonnenbrille während des Gesprächs aufbehalten darf (»wegen meiner lichtempfindlichen Pupillen«), sitzt steif und mit verschränkten Armen in ihrem schwarzen Lederblazer am Tisch im Sushi-Restaurant in Santa Monica, und seufzt, sie müsse erst einmal was essen. Sie bestellt vier Gerichte und dann tauscht sie die Rollen. Sie, die Filmemacherin, befragt ausführlich die Interviewerin: »Haben Sie Familie hier? Was denken Sie politisch?« Da taut sie auf und spricht plötzlich sehr persönlich und ehrlich über ihre Ängste, ihre Familie und ihre Arbeit. Nach einer halben Stunde legt sie sogar die Sonnenbrille und das Jackett ab.

SZ-Magazin: Frau Bier, Kathryn Bigelow und Sie sind die wohl bekanntesten Filmregisseurinnen der Welt. Warum gibt es so wenige Interviews mit Ihnen?
Susanne Bier: Anders als viele meiner männlichen Kollegen macht es mir keinen Spaß, über mich zu sprechen. Außerdem bin ich schüchtern. Mir reicht die kleine Gruppe von Vertrauten, die um mich sind. Über rote Teppiche zu laufen musste ich erst lernen.

Immerhin haben Sie 2011 vor einem Millionenpublikum einen Oscar für Ihren Film In einer besseren Welt entgegengenommen, überreicht von Helen Mirren und Russell Brand. In so einem Augenblick unfassbar nervös zu sein, ist eigentlich ganz normal, oder?
Ja, aber bei mir haben solche Situationen sehr lang regelrecht Panik ausgelöst. Inzwischen ist es etwas besser geworden. Aber es ist eine Erfahrung wie eine Gipfelbesteigung. Etwas, was man nie im Leben vergisst. Schließlich sitzt bei der Oscar-Verleihung ja so gut wie jeder Schauspieler und Regisseur, den man bewundert: Martin Scorsese, Steven Spielberg.

Und Sie haben vor dem Oscar auch den Golden Globe gewonnen für den Film In einer besseren Welt. In Ihrem nächsten Film Serena, der 2013 in die Kinos kommt, spielen sogar Jennifer Lawrence und Bradley Cooper die Hauptrollen. Wollen Sie Hollywood erobern?
Das amerikanische Kino habe ich schon immer gemocht. Deshalb gelte ich in Dänemark als zu kommerziell, obwohl ich gute Kritiken bekomme. In Hollywood dagegen hält man mich für eine typisch europäische Arthouse-Regisseurin. Ich bin sozusagen in beiden Welten eine Ausgestoßene.

Na ja, Ausgestoßene gewinnen in der Regel nicht so viele internationale Preise wie Sie.
Ja, ich habe für In einer besseren Welt Preise rauf und runter gewonnen, aber in meiner Heimat Dänemark wurde ich nicht zur besten Regisseurin gewählt. Das finde ich schon ein wenig seltsam.

Sie haben neulich von Ihrer Angst gesprochen, für Ihren neuen Film Love Is All You Need gesteinigt zu werden. Warum das denn?
Weil es eine Komödie ist, der jeder Zynismus fehlt. Normalerweise kann man im Film Romantikzulassen, wenn man andererseits auch ein wenig Zynismus einbaut. Eine Komödie dreht sich in der Regel darum zu lieben, obwohl die Welt zynisch ist. Bei mir dagegen geht es um Liebe, weil die Welt schlecht und zynisch ist. Die beiden Hauptdarsteller hat das Leben fertiggemacht und genau deshalb verlieben sie sich ineinander. Das war auch für mich neu und beängstigend, denn meine erfolgreichen Filme sind Dramen. Dabei bin ich eine große Romantikerin, und in dieser Komödie bestehe ich auf einer romantischen Sicht der Welt.

Es klingt schon überraschend, dass Sie diesen Film eine Komödie nennen.
Was soll er denn sonst sein?

Sie erzählen von einer Frau,die gerade eine Chemotherapie durchsteht, und von einem Mann, der seine Frau verloren hat. Ich habe nur wenig gelacht, dafür am Ende geweint.
Sie werden doch hoffentlich wenigstens hin und wieder geschmunzelt haben? Fanden Sie den untreuen Ehemann nicht total komisch? Gut, Sie haben recht: Ursprünglich war der Film nicht als Komödie gedacht. Meine Mutter hatte zweimal Brustkrebs und die Mutter meines Drehbuchautors Krebs, also war das Thema für uns sehr real. Es ist dann dennoch kein Film über Krebs geworden. Krebs ist nur der Hintergrund, vor dem die Liebesgeschichte spielt.

Gefällt der Film Ihrer Mutter?
Meine Mutter mag ihn, gerade weil er so leicht ist. Vor dem Filmstart hat mich der größte dänische Fernsehsender zusammen mit zwei Krebspatienten zu einer Diskussion eingeladen. Mal wieder wäre ich vor Angst beinahe gestorben, aber auch sie mochten den Film. Schon mehr als zehn Prozent der Dänen haben inzwischen den Film gesehen, das ist unglaublich.

In Ihren Filmen gibt es ein großes, immer wiederkehrendes Thema: Wie viel müssen Familien und Beziehungen aushalten? Warum ist das Ihr Thema?
Ich bin ein Familienmensch. Mein Bedürfnis nach Nähe ist geradezu obsessiv. Wenn ich wie jetzt sechs Wochen unterwegs bin, vermisse ich meine Familie so sehr, dass ich jeden Tag mindestens einmal mit meinen Eltern telefoniere. Es ist ein Uhr nachts, ich weiß, dass ich eigentlich schlafen sollte, aber dann halte ich es doch nicht aus und greife zum Telefon.

Und Ihre Kinder?
Meine Tochter ist 17, mein Sohn 23, da halte ich mich besser zurück. Mein Sohn lebt jetzt in London und sagt: Mama, ich muss dir keine SMS mehr schicken, wenn ich nachts nach Hause komme.

[seitenumbruch title="»Meine Kinder wären vermutlich schwer geschädigt, wenn ich keine Filme machen könnte«"]

(Foto: Les Kaner)
In Ihren Filmen stimmt zunächst alles, doch unter der Oberfläche lauert die Katastrophe.
Ich glaube, diese Art Dinge wahrzunehmen hat auch mit meiner jüdischen Herkunft zu tun. Mein Vater war deutscher Jude, der 1933 als Kind nach Dänemark floh, meine Mutter wurde als Jüdin in Dänemark geboren. Als die Nazis begannen, auch dort die Juden zusammenzutreiben, flohen beide auf einem Boot nach Schweden. Als Jüdin habe ich deswegen einen eingebauten Sensor für potenzielle Katastrophen. Und das alles wird noch mal schlimmer, wenn ich mir vorstelle, was meinen Kindern alles zustoßen könnte. Ich habe eine sehr lebhafte Fantasie. Wenn ich sie auslebe, wird es wirklich böse. Da muss ich mich manchmal selbst stoppen.

Oder Sie übertragen diese Fantasie in Ihre Filme.
So ungefähr. Meine Kinder wären vermutlich schwer geschädigt, wenn ich keine Filme machen könnte. Dann müssten sie alles ausbaden.

Begleitet Sie Ihre Familie zu Dreharbeiten? Ihr Mann ist Komponist, er könnte doch sogar mit Ihnen zusammenarbeiten.
Aber er macht keine Filmmusik. Meine Kinder besuchen mich hin und wieder bei Dreharbeiten, aber so toll ist das nicht, ich bin ja schwer beschäftigt.

Die Deutschen sind seit einiger Zeit regelrecht süchtig nach Filmen und Krimis aus Skandinavien. Können Sie sich erklären warum?
Wahrscheinlich denken Deutsche so wie alle anderen auch: nämlich, dass das Leben anderswo prickelnder wäre. In Dänemark zum Beispiel sind wir davon überzeugt, dass wir alle glücklicher wären, könnten wir in einem kleinen italienischen Dorf wohnen. Ich denke nicht so, ich lebe gern in Dänemark.

Und Ihre Filme sind sehr dänisch, jedenfalls was die Einsilbigkeit der Menschen betrifft. In einer Szene Ihres neuen Films druckst die Hauptdarstellerin auf die Frage ihres untreuen Mannes, ob sie ihn zurücknimmt, nur ein einziges Wort heraus. Dabei gäbe es einiges zu sagen.
Sie werden es nicht glauben, meine Figuren reden mehr als in anderen dänischen Filmen. Aber es stimmt, wir sind eine eher wortkarge Nation. Ich selbst bin ja auch nicht sehr gesprächig. Es kommt vor, dass mein Gesprächspartner am Telefon sagt: Hallo? Bist du noch dran?

Wie ist eigentlich Ihr Verhältnis zu Deutschland?
Ich könnte Wetten darauf abschließen, dass jedes Mal, wenn ich in Deutschland bin, jemand auf mich zukommt, meistens jünger als ich, um mir über seine jüdischen Großeltern zu erzählen. Da scheint es immer noch viele Schuldgefühle zu geben. Irgendwann werde ich sicher einen Film über den Holocaust und die Geschichte meiner jüdischen Eltern machen.

Sie haben einen kurzen Ausflug in die Dogma-Familie gemacht. Sind Sie mit Ihrem Kollegen Lars von Trier, dem Gründer von Dogma, befreundet?
Unsere Töchter sind sehr gut befreundet, sie gehen in die gleiche Klasse. Ich habe enormen Respekt vor Lars von Trier als Regisseur. Vor seinen politischen Ansichten und seinen Ansichten über mich schon weniger.

Vor knapp zwei Jahren sagte von Trier in Cannes unter anderem, dass er lange Zeit Jude war und sehr zufrieden damit. Dann habe er Sie getroffen und sei nicht mehr so froh darüber gewesen. Sie haben auf diesen groben Ausfall nie reagiert.
Nein, und ich werde es auch nie tun. Es gibt genügend Konflikte in dieser Welt, da müssen wir uns keinen neuen ausdenken. Glauben Sie mir, einen guten Film zu machen, ist schwer genug - und mir viel wichtiger.

Susanne Bier,
52, ist eine der international erfolgreichsten Regisseurinnen der Welt. Bier wurde in Kopenhagen geboren und studierte Kunst in Jerusalem und Architektur in London, bevor sie sich an der Nationalen Filmschule in Dänemark einschrieb. Für ihren Film In einer besseren Welt gewann die Dänin 2011 sowohl den Oscar als auch einen Golden Globe für den besten fremdsprachigen Film und den europäischen Filmpreis für die beste Regie. Schon ihr Film Nach der Hochzeit über eine komplexe Familie war 2006
als bester fremdsprachiger Film für einen Oscar nominiert worden. Fast immer geht es um Familien am Rande einer Katastrophe: In Eine neue Chance mit Halle Berry und Benicio Del Toro verliert eine glückliche Ehefrau plötzlich ihren Mann, in Zwischen Brüdern ringt ein Soldat mit seinem Afghanistan-Trauma, in Für immer und ewig (2002), ihrem Ausflug in das Dogma-Kino, muss ein junges Pärchen nach einem katastrophalen Autounfall neu anfangen. Ihr neuer Film Love Is All You Need
mit Pierce Brosnan und Trine Dyrholm ist gerade in Deutschland angelaufen. Es ist ihr fünfter gemeinsamer Film mit dem Drehbuchautor Anders Thomas Jensen.

Emma mit der Ruhe

Ariel Leve — 2012-11-09T12:00:00+01:00

Sie ist erst 22. Und seit 13 Jahren ein Star mit allem, was dazugehört: umjubelte Auftritte, verrückte Fans, Spekulationen über ihr Liebesleben. Dabei würde Emma Watson einfach gern rausfinden, wie ein normales Leben aussehen könnte - und nebenbei nur das tun, wozu sie sich berufen fühlt: schauspielern.

Auf den ersten Blick sieht man: Emma Watson ist nicht mehr Harry Potters beste Freundin.

Könnte bitte jemand Emma Watson daran erinnern, wie wunderbar ihr Leben ist? Dass sie, mit 22, seit 13 Jahren ein Filmstar ist? Dass sie zwar nicht mehr unerkannt Bus fahren, dafür aber über rote Teppiche schreiten, für Modefirmen Kleider entwerfen, lukrative Modelverträge unterschreiben und auch sonst jede Menge glamourösen Spaß haben kann? Dass nie ein Foto von ihr auftauchte, auf dem sie betrunken aus einer Diskothek torkelt, kein Ex-Freund je irgendwelche Intimiäten über sie an den Boulevard verkauft hat? Und dass sie trotz ihres Weltruhms und ihres Reichtums von den Menschen geliebt wird? Ein märchenhaftes Leben, wie gesagt, das müsste auch sie begreifen. Allerdings sollte das schnell passieren, denn Emma Watson schluchzt gerade in ihr Rührei. Und ich bin schuld daran. Weil ich zu unserem Interview in einem New Yorker Hotel ein Buch namens Emma Watson: The Biography mitgebracht habe, verfasst von einem Autor, der die Schauspielerin kein einziges Mal getroffen hat, aber in aller Ausführlichkeit erzählt, wie es sich anfühlt, Emma Watson zu sein. Ich hatte nichts Böses im Sinn, ich wollte nur einen Beleg dafür zücken, mit welchen Absurditäten man es zu tun bekommt, sobald man weltberühmt ist. Doch sie sah ihr Porträt auf dem Buchumschlag und brach in Tränen aus. Meistens, sagt sie später, macht ihr so was nichts mehr aus, aber an diesem Tag eben doch. An diesem Tag ist da bloß wieder das Gefühl der Hilflosigkeit ihrem Ruhm gegenüber.

»Ich lese diese Seiten, und sie haben nichts mit meinem wirklichen Leben zu tun, damit, wie ich bin«, sagt sie. »Es ist reine Erfindung, aber mein Gesicht prangt auf dem Cover.«

Dann erzählt sie, wie ihr in New Orleans, wo sie sich wegen Dreharbeiten aufhielt, just dieses Buch unter die Nase gehalten wurde, »von einem Mädchen, elf oder zwölf, das ein Autogramm von mir wollte. Ich finde es immer irritierend, dass es für Menschen wichtig geworden ist, zu wissen, wie Emma Watson ist.«

Sie spricht gelegentlich über sich selbst in der dritten Person. Das zeigt auch, wie groß manchmal der Abstand zwischen ihr und dem Bild geworden ist, das sich die Öffentlichkeit von ihr macht. Tatsächlich, sagt sie, fühlt sie sich oft, als hätte sie drei Identitäten: die fiktive Emma, die wirkliche Emma, dazu noch die Filmfigur, die sie jeweils gerade spielt. Seit sie neun war, war das vor allem Hermine Granger, die beste Freundin Harry Potters.

Ihre Tränen zeigen, dass sie noch immer nicht abgehärtet genug ist für die Konsequenzen, die sich daraus ergeben: »Als es mit den Harry-Potter-Filmen losging, war ich eine Neunjährige, die in Interviews darauf bestand, dass sie bloß spielte. Bis mir auffiel, dass Journalisten doch immer wieder wissen wollten, wie sehr ich Hermine ähnelte, und irgendwann beschloss, das Spiel mitzumachen, weil es so schließlich bequemer für alle Beteiligten war.«

Tatsächlich waren manche Parallelen unübersehbar: Hermine und Watson waren beide eifrige, ein wenig altkluge Mädchen mit dem Ehrgeiz, gute Zensuren zu bekommen und jeden zufriedenzustellen. Doch im Unterschied zu ihrer Filmfigur ist Watson eine sehr gefühlsbetonte Person, und nicht immer kann sie das verbergen.

Denkt sie denn selbst, dass sie die Konstitution eines Filmstars hat? »Ich glaube nicht. Aber ich habe das Zeug, eine gute Schauspielerin zu sein. Ich mag meinen Beruf in den Augenblicken, in denen ich mich auf ihn beschränken darf. Was mir schwerfällt, ist dieses seltsame Zwischenreich zwischen dem Schauspielerinnen- und dem Berühmtsein.«

Watson wuchs nicht in einer Showbusiness-Familie auf – ihre Eltern sind beide Anwälte –, und so konnte sie niemand auf die Aufmerksamkeits-Stürme vorbereiten, die über ihr Leben hereinbrachen. Jetzt, nach den insgesamt acht Harry-Potter-Filmen, bei denen sie mitspielte, hat sie sich einen radikalen Neustart vorgenommen: »Ich hatte keine Lust, in eine dieser Jane-Austen-Kostümrollen zu schlüpfen. Ich wollte einfach nicht in Korsetts geschnürt werden, die ich nie wieder ablegen kann.«

[seitenumbruch title="Independent-Filme statt Blockbuster"]

Als Teenager Sam verdreht Emma Watson in Vielleicht lieber morgen diesem Jungen den Kopf.

Vielleicht lieber morgen, die Verfilmung des gleichnamigen Jugendromans von Stephen Chbosky, der in Deutschland dieser Tage anlief, erzählt vom Erwachsenwerden an einer typisch amerikanischen Highschool in Pittsburgh. Watson spielt darin ein rebellisches Mädchen, das extrovertiert, kompliziert und verwundet ist und wenig Hemmungen hat, sich in die üblichen Teenager-Dummheiten zu stürzen.

Hat sie keine Angst davor, dass die Menschen sie nicht mehr so mögen könnten wie als Hermine? »Es ist mir nicht wichtig. Diesen Film zu drehen, war eine der wichtigsten Entscheidungen, die ich getroffen habe. Dieses eine Mal geht es mir nicht darum, wie andere mich finden, kommt es mir nicht auf die Bestätigung von außen an.«

Sie hat sich dafür entschieden, die Art von Ruhm, die mit den Harry-Potter-Filmen verbunden war, zu meiden und sich Rollen in Independent-Filmen statt in Blockbustern auszusuchen. Sie hatte einen kleinen Auftritt in My Week with Marilyn, und neben Vielleicht lieber morgen drehte sie The End of the World mit Seth Rogen und The Bling Ring, bei dem Sofia Coppola Regie führt.

Sie hofft, dass mit solchen Filmen eine andere, für sie verträglichere Form des Erfolgs verbunden ist: »Als Kind musste ich mir über meine Entscheidungen ja nicht den Kopf zerbrechen. Deswegen muss ich mich jetzt immer wieder daran erinnern, dass ich als Erwachsene Freiheiten habe. Ich empfand es fast wie eine Offenbarung, als mir klar wurde, dass ich in Interviews Fragen nicht beantworten muss, wenn ich nicht will. Als wohlerzogenes englisches Mädchen neige ich zwar dazu, mich über die Maßen zu entschuldigen, wenn so etwas vorkommt, aber ich merke, dass ich über mein Leben selbst bestimmen kann.«

Manchmal stürzt sie das in Schwierigkeiten, vor allem, seit sie an der renommierten Brown University auf Rhode Island studiert. Einerseits will sie nichts anderes als eine Studentin sein, und zwar eine besonders fleißige, damit bloß niemand auf die Idee kommt, dass sie durch etwas anderes als durch ihre eigenen Leistungen vorankommt. Andererseits lässt es sich nicht vermeiden, dass ihr Studium immer wieder mit ihrem Beruf kollidiert. Während ihres ersten Jahrs an der Uni waren die Harry-Potter-Dreharbeiten immer noch nicht beendet.

»Ich wollte neu anfangen, aber so entschieden, wie ich mir das vorgestellt habe, funktionierte das nicht. Ich kann ja nicht gut die Seite aus mir schneiden, die eine Schauspielerin und eine öffentliche Person ist. Ich muss akzeptieren, dass beides zu mir gehört.«

Dann wäre da noch ihr Reichtum. Ihr persönliches Vermögen wird auf über 30 Millionen Euro geschätzt, doch als dieses Thema zur Sprache kommt, macht Watson dicht. »Die Menschen scheinen zu glauben, dass mein Geld das Interessanteste an mir ist. Als ich 13 oder 14 war, hat mich ein Journalist gefragt, ob mein Erfolg bedeute, dass ich nie wieder in meinem Leben für Geld arbeiten müsse, und natürlich habe ich das bejaht. Aber was davon blieb, war der Satz ›Ich muss nie wieder etwas für Geld tun‹. Seitdem glauben viele, dass ich nicht dankbar genug für das Glück bin, das ich habe. Wenn ich sage, dass Geld keine besondere Rolle in meinem Leben spielt, kommt das manchen hochmütig vor.«

[seitenumbruch title="Prominenz macht alles kompliziert"]

In den Harry-Potter-Filmen (oben Teil 1) spielt Emma Watson die stets strebsame Hermine.

»So wie ich gerade lebe, brauche ich nicht viel. Das Haus, in dem ich wohne, habe ich gemietet. Wenn ich reise, wird das von den Filmfirmen bezahlt. Ich habe ein einziges Auto, und zwar ein billiges, weil ich eine fürchterliche Fahrerin bin und deswegen nichts Teures zu Schrott fahren will. Im Wesentlichen gebe ich also mein Geld für mein Telefon und meinen Laptop aus. Es ist nicht so, dass ich es für eine Selbstverständlichkeit halte, Geld zu haben, aber ich brauche gerade wirklich nicht viel. Das wird sich sicher ändern, wenn ich eine Familie gründe und mir ein Haus kaufe und darüber nachdenken muss, welche Ausbildung meine Kinder bekommen sollen.«

Hin und wieder, erzählt Watson, lässt sie sich von einer Freundin begleiten, damit sie mitbekommt, was sie alles durchmacht. »Ich nahm eine Freundin aus England zu einer dieser Filmpreis-Verleihungen mit. Sie ging zusammen mit mir über den roten Teppich, und als wir es endlich ins Gebäude geschafft hatten, zitterten ihre Hände vor Aufregung. Freundinnen erinnern mich daran, wie verrückt das Leben oft ist, das ich führe.«

Ihr Terminplan ist voll. Ende nächsten Jahres beginnt sie mit den Dreharbeiten zu Die Schöne und das Biest, und sie berät sich mit dem Regisseur Guillermo del Toro. Sie selbst hat sich del Toro als Regisseur ausgesucht – ein Zeichen nicht nur für ihren Geschmack, sondern auch dafür, wie mächtig sie inzwischen in der Branche ist.

Ist es je vorgekommen, dass ihr etwas in ihrer märchenhaft scheinenden Karriere nicht gelungen ist, frage ich sie. Nicht beruflich, sagt sie. Aber es gab doch sicher Enttäuschungen? »Ja«, sagt sie mit weicher Stimme, »es gab sie. Lange Pause. »Es gab diesen einen Moment, in dem ich gemerkt habe, wie zerbrechlich und menschlich ich bin.« Noch eine Pause. »Als ich mir an der Uni eine Auszeit nahm. Ich war so fertig, dass ich wie ein Gespenst aussah. Da habe ich endlich begriffen: Nein, Emma, du kannst nicht zwei Filme drehen, an deinem Abschluss arbeiten, durch die Welt fliegen, um Werbung zu machen. Ich will das nicht zu sehr vertiefen, aber ich bin bei einer alleinerziehenden berufstätigen Mutter aufgewachsen. Und auch mein Vater, bei dem mein Bruder und ich viel Zeit verbrachten, hatte einen sehr anstrengenden Vollzeitjob. Ich glaube, das alles hat mich stark gemacht.«

Watson wurde 1990 in Paris geboren und zog erst 1995, nach der Trennung ihrer Eltern, nach England. Sie und ihr jüngerer Bruder Alex lebten bei ihrer Mutter in Oxford, aber besuchten häufig ihren Vater in London. Durch die Wiederverheiratung ihrer Eltern bekamen die beiden gleich fünf neue Geschwister.

Jetzt kommt eine Frau an den Tisch, um Watson daran zu erinnern, dass gleich das Vorgespräch für die Letterman-Show stattfinden soll, die am Nachmittag aufgezeichnet wird.

Sie ist schon einige Male in der Show gewesen und immer noch nervös, weil Letterman keine Rücksicht auf Absprachen nimmt, sondern fröhlich jede Frage stellt, die ihm gerade durch den Kopf geht. »Das letzte Mal, als ich da war, hatte kurz zuvor Daniel Radcliffe (der Harry-Potter-Schauspieler) eingestanden, dass er alkoholabhängig gewesen war, und ich hatte gebeten, nicht dazu befragt zu werden. Natürlich machte sich Letterman einen Spaß daraus, es dennoch zu tun.« Und natürlich wird er sie auch an diesem Nachmittag zu ihrem Liebesleben aushorchen wollen, ein Thema, das in Interviews mit Watson sonst tabu ist. Sie selbst hat darüber immer nur spärlich Auskunft gegeben, etwa, wie schwer es für sie immer war, sich mit jemandem zu verabreden.

Als ich sie darauf anspreche, muss sie lachen. »Das habe ich gesagt, als ich zwölf war, und seitdem wird das ständig wiedergekäut. Wer hat denn bitte mit zwölf nicht Schwierigkeiten mit Verabredungen?« Sie wurde mit einem Kommilitonen in Oxford fotografiert, aber sagt nicht, was sie mit ihm verbindet.

»Ich weiß einfach, dass Prominenz alles kompliziert macht. Man kann sich nicht wirklich aussuchen, in wen man sich verliebt, aber bisher habe ich es immer geschafft, mich für Männer zu interessieren, die ich an der Uni oder jedenfalls nicht in der Filmwelt kennengelernt habe.

Als unsere Interview-Zeit zu Ende geht, sagt sie noch: »Ich weiß, wann ich meine Rüstung anlegen muss, und normalerweise bin ich ziemlich gut darin. Aber der Mensch unter dieser Rüstung hat keine besonderen Fähigkeiten, bloß weil er berühmt ist oder eine Menge Geld verdient hat. Ich bin wie jeder andere. Ich versuche herauszufinden, wie das geht – das Leben.«

Emma Watson
Klar, sie ist weltberühmt als Engländerin, die in den acht erfolgreichsten englischen Filmen der letzten Jahre spielte, deren Vorlagen die derzeit berühmteste englische Schrifstellerin lieferte. Und doch, dass Watson in Paris geboren wurde und dort fünf Jahre lebte, merkt man, wenn man ihren Namen genauer betrachtet: Emma Charlotte Duerre Watson. Und so begann ihre Weltkarriere: Sie spielte Schultheater, gewann mit sieben den ersten Preis beim Gedicht-Vorlesewettbewerb, ihr Theaterlehrer meldete sie beim Casting zu Harry Potter an, wo sie sich gegen 4000 Bewerberinnen durchsetzte. Ihre Gagen stiegen enorm, allein zwischen 2007 und 2008 verdiente sie 5,5 Millionen US-Dollar. Seit 1. November läuft Vielleicht lieber morgen in den Kinos.

Fotos: dpa, dapd, Reuters

Das gro�e Herz

Max Fellmann und Gabriela Herpell (Interview) — 2012-10-11T17:00:00+01:00

Mit ihrem Film Männer … karikierte sie Rollenklischees, später verlor sie die Liebe ihres Lebens. Über die Idee vom idealen Mann kann sich die Regisseurin und Autorin Doris Dörrie trotzdem vor allem: amüsieren. Ein Gespräch.

SZ-Magazin: Frau Dörrie, können Sie mit dem Begriff Traummann etwas anfangen?
Doris Dörrie: Ich selber verwende ihn nicht. Aber die Figuren, die ich erfinde, tun es. Zumindest haben sie oft die Vorstellung, dass es so etwas gibt wie den idealen Mann.

Sind Traummann und Traumfrau vergleichbar – oder bezeichnen Männer und Frauen damit jeweils etwas grundsätzlich anderes?
Uh, wenn man versucht, das zu trennen, sitzt man in der Falle. Man muss schauen, wo der Traum eigentlich herkommt, was er darstellt und warum wir uns so viel mit unseren Träumen beschäftigen. Wir werden ja eigentlich alle immer realistischer. Alles wird sehr präzise benannt, die Ambivalenz hat ausgedient.

Was meinen Sie damit?
Es lässt sich niemand mehr überraschen. Wir machen Pläne, strukturieren alles. Und glauben trotzdem, da wäre noch Platz für die romantische Liebe. Kann ja gar nicht gehen. Wenn ich zum Abendessen gehe und mir vorstelle, da sollen drei Kerzen auf dem Tisch stehen und die sollen rot sein – dann programmiere ich die Enttäuschung. Irgendwas wird an dem Mann schon fehlen aus dem Eigenschaften-Katalog, den ich aufgestellt habe. Ich habe mal für eine Geschichte recherchiert, wie der Traummann in den Internet-Partnerbörsen beschrieben wird. Wie viele Adjektive da abgefragt werden! Wie viele Eigenschaften! Das sind Anleitungen zum Hirngespinst.

War das früher anders?
Aber ja.

Aber warum?
Weil die Reichweite früher nicht so groß war. Wenn ich als Teenager eine Vorstellung vom Traummann hatte, hat die gerade mal bis zum Dorfbrunnen gereicht. Heute tauscht sich die ganze Welt über diese scheinbar so dringenden Fragen aus und diskutiert, was der Traummann alles sein soll, was er können soll, wie er auszusehen hat. Der ideale Mann.

Und wie soll er aussehen?
Es wird festgelegt, wie groß er sein soll, Vegetarierer, Humor, Hobbys. Im Grunde ist diese Idee vom Traummann eine Konsumhaltung: Der ideale Mann ist wie eine Ware. Man kann die Kundenerwartung formulieren und sucht das passende Produkt. Es flirtet ja heute niemand mehr sinnlos vor sich hin. Weil man nicht genau weiß, wie der andere drauf ist, man hat ja sein Profil noch nicht gelesen.

Ist die Welt wirklich so trüb?
Ja, in unserem Kulturkreis schon. Männer und Frauen sind im Umgang miteinander sehr viel vorsichtiger geworden.

Auch die jungen Leute?
Ja, ich habe den Eindruck. Ich hatte doch mit Anfang 20 jede Woche einen neuen Freund! Na ja, sagen wir, alle vier Wochen. Man ist damals immer zu zweit aufgetaucht. Das scheint heute keine so große Rolle mehr zu spielen, es geht mehr um die Gruppe, die Clique.

Worauf führen Sie das zurück? Aufs Internet? Facebook?
Auch, klar. Das ist eine Welt, in der man die Nähe und das Chaos nicht wagen muss. Wenn’s zu eng wird, zu unüberschaubar, loggt man sich halt aus. Nur ist meine Theorie: Wahre Liebe kann man nur finden, wenn man den Mut zur Katastrophe hat.

Warum?
Wenn man liebt, droht immer der Verlust des geliebten Menschen. Weil die Liebe kaputtgeht. Oder weil man betrogen wird. Oder durch den Tod. Wie viel Zeit man zusammen hat, weiß man ja nicht. Wenn man den Mut zur Katastrophe nicht hat, ist der Traum vom Traummann ein ziemlich kleiner, schäbiger Traum.

Trotzdem suchen alle den einen, den Richtigen.
Ist aber total albern. Das bedeutet doch, man vergleicht den einen mit allen anderen. Aber der Vergleich macht immer unglücklich. Und dabei vergleicht man zwangsläufig auch sich selbst mit den anderen Frauen. Wenn ich den Supermann finde – bin ich toll genug für ihn? Da wird’s ganz schrecklich schwierig.

Aber stellen sich Frauen diese Frage wirklich?
Frauen stellen die sich ganz extrem! In welche Liga gehöre ich? Was kann ich von dem Mann fordern? Entspreche ich selbst dem Bild der Traumfrau? Wir versuchen ständig, uns zu optimieren. Männer machen das gar nicht – und wir Frauen bewundern sie dafür, dass sie da so frei sind. Ein Mann würde nie denken, hm, für die Frau bin ich vielleicht zu dick.

Der Film, mit dem Sie berühmt geworden sind, Männer …, war 1985 das Statement über Männer.
Das habe ich damals gar nicht so gemeint. Es war einfach ein Film über zwei Männer.

Wie finden Sie aus heutiger Sicht das Männerbild, das Sie damals hatten?
Es ging ja nicht nur um meins, sondern eher um so ein gesellschaftliches Männerbild. Und ich staune, dass ich das ganz gut auf den Punkt gebracht habe. Obwohl ich erst Ende 20 war. Der Film hat eine liebevolle Ironie, zu der ich nach wie vor stehe. So war ja auch der Titel gemeint: Ach, Männer …

Was für einen Film über Männer müsste man heute machen?
Einen Film über zwei Fanatiker vielleicht? Die in einer WG leben.

Gibt es etwas, worum Sie Männer beneiden?
Manchmal beneide ich sie darum, dass sie Dinge, vor allem im Beruf, nicht so persönlich oder übel nehmen. Erbitterte Feinde können wieder zu Geschäftspartnern werden. Männer sagen sich Dinge, da würde jede Frau total einknicken, und machen doch zusammen weiter. Sie scheinen gerüstet wie ein Ritter, wenn sie morgens ins Büro reiten.

Gibt es einen Traummann, auf den sich gerade alle einigen können – den Sie auch gut finden?
Nö.

George Clooney?
Ach, Schmarrn. Der sieht gut aus und ist ein guter Schauspieler, das ist sein Job. Warum soll der ein Traummann sein? Nur weil er gute Gene abgekriegt hat und die sich vorteilhaft ausgemendelt haben? Ich bitte Sie!

Wird Clooney für einen netten Mann gehalten, weil er gut aussieht?
Hm, ich glaube eher, schöne Männer sind immer sofort verdächtig. Die wissen, dass sie schön sind, und das macht einen schlechten Charakter – ist doch eine Standardweisheit unter Frauen!

Wer war Ihr Traummann als Teenager?
Pierre Brice.

Pierre Brice? Oder Winnetou?
Stimmt, eigentlich Winnetou. Wegen seiner guten Eigenschaften. Das große Drama war, dass ich seinen linken Fuß nicht hatte.

Seinen linken Fuß?
Vom Bravo-Starschnitt. Alle anderen Teile hatte ich, in Lebensgröße. Nur nicht den Fuß.

Mögen Sie Männer mit Pferden?
Nicht mehr. Bei Männern mit Pferden muss man eigentlich misstrauisch sein. Männer mit Porsche und Männer mit Pferd, beides nicht so ganz … Sie verstehen. Polierte Fingernägel. Auch Männer mit sehr kleinen Hunden. Die Herausforderung wäre natürlich, einen sehr gut aussehenden Mann mit Pferd und kleinem Hund, Porsche und polierten Fingernägeln kennenzulernen und trotzdem keine Vorurteile zu haben und sich überraschen zu lassen.

Gibt es Eigenschaften an Männern, die Sie früher sehr wichtig fanden und heute gar nicht mehr?
Ich habe immer Wert auf eine gewisse Wildheit gelegt, und früher war mir auch wichtig, dass die äußerlich erkennbar ist. Die äußerliche Wildheit ist mir heute überhaupt nicht mehr wichtig. Die innere schon noch.

Hatten Sie schon als Jugendliche die Vorstellung von Liebe, wie Sie sie heute haben?
Ach, das waren ja ganz andere Zeiten. Ich konnte mir nie vorstellen zu heiraten.

Haben Sie aber.
Habe ich, ja. Aber dann doch so, dass es möglichst anders war. Bei Navajo-Indianern in New Mexico, ohne Hochzeitskleid, in Cowboy-Stiefeln.

[seitenumbruch title="Bis dass der Tod uns scheidet"]

Ihr erster Mann, der Kameramann Helge Weindler, ist 1996 an Krebs gestorben. Die Katastrophe hat sich ereignet.
Und sie hat mich letztlich zum Optimisten gemacht. Als mein Mann gestorben ist, wurde mir klar, dass es das gibt: die große Liebe bis zum Ende. Wenn das Ende früh kommt, hat man Pech gehabt. Aber diese Liebe wurde nicht beschädigt oder klein gemacht durch eine Trennung, durch einen Alltag, der nicht funktioniert. Es war von Anfang bis Ende groß. Zehn Jahre.

War Ihr Mann der ideale Mann für Sie?
Wichtig war das Gefühl, dass alles möglich ist. Dass man sich keine Grenzen setzt.

Gab es Eigenschaften an Ihrem Mann, die Sie entscheidend fanden?
Ich glaube, am ehesten trifft es der Begriff vom großen Herzen. Das hatte er.

Was macht das große Herz aus?
Es ist das Gegenteil von Engstirnigkeit, Geiz, Kleingeistigkeit. Es ist Großzügigkeit, auch mit dem anderen: dass er so sein darf, wie
er ist. Dass man seine Schwächen ertragen kann – man muss sie nicht akzeptieren, aber ertragen.

Wollten Sie Ihren Mann jemals verändern?
Nein.

Kein bisschen?
Ach, worum geht’s denn schon? Um die Zahnpastatube? Oder um wirklich wesentliche Eigenschaften? Erst, wenn Verachtung sich einschleicht, ist es vorbei.

Wie haben Sie es ausgehalten, als er krank wurde?
Die wirklich entsetzliche Erfahrung in dieser Zeit war das komplette Verbot von Zukunft. Angst und Hoffnung sind zwei Folterknechte. Wenn man hofft, kommt gleich die Angst hinterher und sagt: nein, nein. Das zermürbt und setzt einen außerstande, dem anderen zu helfen, weil man keine Kraft mehr hat. Man muss sich radikal befreien von Angst und Hoffnung.

Kann man sich das so antrainieren?
Musste ich. Sonst wäre ich aus dem Fenster gesprungen. Ich konnte vor Angst stellenweise nicht mehr atmen. Aber ich hatte eine kleine Tochter zu versorgen und meinem Mann zu helfen. Ich konnte nicht ausfallen. Und ich habe erfahren, wie man dem Augenblick die Chance gibt, schmerzfrei zu sein oder vielleicht sogar glücklich. Was einem immer bleibt, ist die Gegenwart.

Wie lang wussten Sie, dass es keine Hoffnung gibt?
Es hieß ständig: noch vier Wochen. Oder doch zwei Monate vielleicht. Dann noch drei Monate. Am Ende waren es drei Jahre.

Was erinnert Sie heute im Alltag an Ihren verstorbenen Mann?
An ihn erinnert mich jeden Tag das Licht. Weil er als Kameramann und Fotograf mit Licht gearbeitet hat und es auf eine bestimmte Art und Weise gesehen hat. Ich brauche nur einen Tisch anzusehen, auf den ein Sonnenstrahl fällt, das erinnert mich an ihn.

Erinnern Sie sich gern an ihn?
Ja, sehr. Aber es dauert lang, bis man über den Verlust so weit hinweg ist, dass die Erinnerung nicht jedes Mal so weh tut. Es ist ein ewiger Prozess, irgendwann integriert man den Schmerz. Und wenn man, als Hinterbliebener, so durchlässig wird, so viel Schmerz fühlt, fühlt man auch mit anderen stärker mit. Der Schmerz macht uns zu Menschen.

Sie haben seit 14 Jahren einen neuen Partner, Martin Moszkowicz. Sind Sie verheiratet?
Nein. Aber es macht auch keinen Unterschied. Ich nenne ihn trotzdem meinen Mann. Ich konnte mich vielleicht nur deshalb ein zweites Mal mit aller Macht verlieben, weil ich mit der Liebe nur gute Erfahrungen gemacht hatte. Auch mein zweiter Mann hat ein sehr großes Herz.

Hätten Sie sich ein Leben allein auch vorstellen können?
Allein nicht, aber ohne Partner schon. Das ist ja ein Teil der Liebe: die Unfähigkeit, allein zu sein. Wir Frauen sind erst seit 50 oder 60 Jahren ökonomisch nicht mehr darauf angewiesen, mit Männern zusammenzuleben. Und da stellt sich die Frage noch viel mehr: Warum träumt man überhaupt von der Liebe? Weil man nicht allein sein kann?

Und – was glauben Sie?
Ich glaube, wir Menschen sind so gebaut, dass wir lieber zusammen sind als allein. In anderen Ländern, in Lateinamerika, in Afrika, ist niemand allein. Wer da in einer Ecke sitzt und ein Buch liest, ist ein Sonderling. Bei uns ist das Alleinsein normal geworden. Man kann dabei das Zusammenleben verlernen: Auf einmal nervt alles, man erträgt keine Nähe mehr.

Sich zu verlieben, weil man nicht allein sein kann – das hat mit dem anderen Menschen nicht so viel zu tun, oder? Eine egozentrische Perspektive.
Die Liebe hat ganz oft nicht so viel mit dem anderen zu tun. Wir wissen alle, dass die romantische Liebe eine Erfindung des 18. Jahrhunderts ist. Das war neu, dass man auf einmal nur wegen der Gefühle mit jemandem zusammensein wollte. Vorher hatte das Ganze eine glasklare sozialökonomische Notwendigkeit. Und unsere Sprache ist immer noch so: Wir investieren in eine Partnerschaft, und wenn wir nichts zurückbekommen, taugt sie nichts. Die Rechnungen, die wir aufmachen, müssen aufgehen. Das ist auch eine gute Methode, um permanent unglücklich zu sein. Denn wie schaffe ich es, dass sich alles ständig lohnt? Und wenn es sich nicht lohnt, dann ist es mein Fehler. Dann war ich nicht dünn genug. Nicht interessant genug, nicht blond genug, nicht lässig genug. Meine Schuhe waren zu flach.

Gibt es etwas, was Ihnen an den Männern immer noch ein Rätsel ist?
Ich empfinde Männer nicht als so fundamental anders. Wir unterscheiden uns in ein paar wesentlichen Dingen, zum Glück, aber wir haben die gleichen Emotionen. Alles andere ist Verhandlungssache.

Stimmt es nicht, dass Männer viel wehleidiger sind als Frauen?
Ach, weiß ich nicht. Ist auch so ein Klischee. In einer Beziehung hat man oft seine Muster eingeübt: Die Frau weiß, wo das Pflaster ist.

Warum ist nach all dem, was in den letzten Jahren passiert ist, die Rollenverteilung doch so geblieben?
Ich kann das aus meinen Erfahrungen mit meinen Männern nicht bestätigen. Man kann das doch als Spiel betrachten. Vielleicht ist es ganz schön, wenn das in einer Beziehung so verteilt ist, dass der Mann jammern darf und die Frau weiß, wo das Pflaster ist. Aber man kann das doch auch umdrehen, die Freiheit hat man ja. Damit habe ich sehr gute Erfahrungen. Aber gesellschaftlich sind wir immer noch festgefahren in Rollenvorstellungen, das stimmt. Da bewegen wir uns sogar rückwärts.

Wie erklären Sie sich das?
Mit Angst. Mit ökonomischer Angst. Angst vor wirtschaftlichem Rückschritt. Die hat viele in alte Muster zurückkatapultiert. Wenn man Angst hat, wird man spießig, altmodisch.

Heißt das, die Unabhängigkeit der Frau funktioniert nur in wirtschaftlich guten Zeiten?
Ja, und darüber reden wir ja auch schon ewig. Wir sind ökonomisch sehr anfällig, wenn das große Geld weiter Männerangelegenheit ist.

Als Sie Ihre Familie gegründet haben – hatten Sie einen anderen Anspruch an einen Mann und die Beziehung als heute?
Man muss in der Familiengründungsphase sehr viel mehr managen. Die Frage »Ist wirklich Milch im Kühlschrank?« ist zu der Zeit essenziell. Jetzt ist sie nicht mehr wichtig. Jetzt muss man aufpassen, dass man sich nicht aus den Augen verliert. Die Beziehung ist ja noch freiwilliger. Man schaut sehr genau: Was wollen wir zusammen machen, wie viel Spaß haben wir aneinander?

Was machen Sie gern mit Ihrem Mann zusammen?
Ach, wir gurken so viel in der Weltgeschichte rum – da sitzen wir zur Abwechslung am liebsten auf der Couch und machen nix.

Können Sie das: einfach gar nichts machen?
Sehr gut. Es gibt ein japanisches Haiku, das geht so: »Still sitzend, nichts tuend – der Frühling kommt, und das Gras wächst von alleine.« Die lustige Sinnlosigkeit scheint mir zu kurz zu kommen. Sinnloses Zusammensein wird abgeschafft: endloses Mittagessen in Frankreich, stundenlanges Rumliegen nachmittags in Spanien. Wenn wir es nicht mehr schaffen, sinnlos miteinander Zeit zu verbringen, entfallen auch viele Möglichkeiten für die Liebe.

Haben Sie noch Träume?
Dafür habe ich meine Stellvertreter, die Filmfiguren. Ich selbst hüte mich vor Träumen, ich verliere mich wenig in Dingen, wie ich sie gern hätte oder wie sie sein sollten. Ich versuche, da zu sein, wo ich bin. Und ich habe genug damit zu tun, mir vorzustellen, was meine Figuren tun. Aus was für einem Glas würde sie jetzt trinken? Ingwerwasser oder Martini? Was für einen Pullover hat sie an und was bedeutet es, dass sie Lederflicken auf dem Pullover hat?

Warum hüten Sie selbst sich vor Träumen?
Wenn man sich ständig in der Zukunft aufhält, verpasst man die Gegenwart. Jede Form von Traum bedeutet eine Enttäuschung für die Gegenwart. Ich versuche zu schauen: Was entdecke ich in dieser Gegenwart? Das halte ich für erstrebenswert und das versuche ich auch zu üben.

DORIS DÖRRIE

Sagen wir, in Deutschland gibt es fünf Regisseure von Rang – dann gehört
der Name unbedingt auf die Liste: Doris Dörrie, geboren 1955 in Hannover.

1985 explodierte ihre Karriere mit dem Film Männer … (die Hauptdarsteller Heiner Lauterbach und Uwe Ochsenknecht sind ihr bis heute dankbar – der Film hat sie zu Stars gemacht), danach kamen Erfolge wie Ich und Er, Bin ich schön? und Kirschblüten – Hanami.

Neben ihren 30 Filmen hat Dörrie rätselhafterweise die Zeit gefunden, auch Bücher zu schreiben, bisher sind 22 erschienen, darunter Kinderbücher, Erzählungen und zuletzt der Roman Alles inklusive.

1996 starb ihr Mann Helge Weindler, mit dem sie eine Tochter hat. Seit 1998 ist sie mit dem Constantin-Geschäftsführer Martin Moszkowicz liiert.

Im Augenblick befindet sich Doris Dörrie in Mexiko, um einen neuen Film zu drehen.

�Frauen sind schnell beleidigt�

Christine Mortag (Interview) — 2012-09-06T17:00:00+01:00

Wie ist es eigentlich, wenn man immer und überall die Schönste ist? Ein Gespräch mit Sophie Marceau über Eitelkeit, Neid und SCHNEEWITTCHEN.

SZ-Magazin: Frau Marceau, bei Schneewittchen sind Neid und Eitelkeit die beherrschenden Motive. Darum gleich die Frage, auch wenn sie wenig charmant ist: Sind Sie eitel?
Sophie Marceau: Ja. Nur ein Beispiel: Wenn ich mein Gesicht in Großaufnahme auf der Leinwand sehe und wenn dann jede Falte eine Länge von mindestens zwei Metern hat, ist das ein Anblick, der mir zu schaffen macht.

Ist das der Moment, in dem Sie Botox in Erwägung ziehen?
Nein. Das ist der Moment, in dem ich beim Beleuchter ein schmeichelhafteres Licht einfordere.

Dabei könnten Sie doch ganz beruhigt sein. Sie sind jetzt 45, sehen aber aus wie 30. Schauspielerinnen sagen an dieser Stelle gern, das läge an den Genen und fünf Litern Wasser am Tag.
Papperlapapp. Das ist vor allem harte Arbeit. Ich gehe früh schlafen und selten aus. Oft liege ich schon im Bett, während die Kinder noch auf sind. Ich esse diese ganzen schrecklich gesunden Sachen, ich mache viel Sport, und wenn ich drei Kilo zugenommen habe, kriege ich schlechte Laune. Ich habe sogar das Rauchen aufgegeben, was mir wirklich nicht leicht fiel. Nur der Rotwein, der bleibt. Ich bin Französin.

Machen Sie das, weil von Ihnen als Schauspielerin erwartet wird, makellos auszusehen?
Ich stehe vor der Kamera, seit ich 13 bin. Die längste Zeit meines Lebens. Da weiß man irgendwann nicht mehr, ob man das macht, weil man muss oder weil man so ist. Ich bilde mir ein, ich bin so. So vernünftig, so diszipliniert. Ich kenne es nicht anders. Meine Eltern haben es mir vorgelebt.

Ihre Mutter war Verkäuferin, Ihr Vater Lastwagenfahrer. Was haben sie Ihnen vorgelebt?
Richtige Malocher waren sie, reell, ehrlich. Mit einem großen Ethos. Es war oft anstrengend für sie, aber sie waren unglaublich stolz auf ihre Arbeit, wollten sie immer so gut wie möglich machen. Ich kann mich nicht erinnern, dass meine Mutter einmal zu spät kam. Wie soll ich sagen: Meine Maschine bin ich selber. Und die muss funktionieren und gut gewartet werden.

Wie ist das eigentlich, wenn man immer die Hübscheste von allen ist?
Wie kommen Sie darauf? Ich finde, ich sehe okay aus. Hübsch, aber nicht bedrohlich hübsch.

Immerhin waren Sie schon mit zwölf bei einer Model-Agentur unter Vertrag. Wessen Idee war das?
Meine, ich wollte mir ein bisschen Taschengeld dazuverdienen. Mal ins Kino gehen, mal was zum Anziehen kaufen.

Wie wäre es mit Zeitungaustragen gewesen, Babysitten?
Babysitten bei uns im Viertel, bei all den Leuten, die genauso wenig Geld hatten wie wir? Im Supermarkt um die Ecke habe ich gefragt, ob ich Kisten auspacken könnte. Sie sagten, ich sei noch zu klein, zu schwach. In der Zeitung habe ich dann eine Anzeige gefunden von dieser Model-Agentur. Wie praktisch, sie lag gleich gegenüber von dem Kaufhaus, in dem meine Mutter arbeitete. Sie war dagegen, meinte, das würde doch sowieso nichts bringen.

Und? Brachte es was?
Ich wurde nicht ein einziges Mal gebucht. Meine Mutter war wütend. Um in die Agentur aufgenommen zu werden, musste man Fotos machen lassen. Die waren teurer als unsere Weihnachtsgeschenke.

Dann kam La Boum, und Sie wurden zum begehrtesten Teenager der Welt, und alle Jungs hatten nur noch Augen für Sie. Wie fanden Ihre Mitschülerinnen das?
Die kannten mich ja schon vorher, das machte es einfacher. Ich war eine von ihnen, die es zufällig geschafft hatte, beim Film zu landen. Die kleinen Biester witterten ihre Chance. Fragten: »Hey, Sophie, du sitzt jetzt doch an der Quelle. Kannst du mir nicht auch einen Job besorgen?« Schlimm wurde es, als wir aus dem Vorort nach Paris zogen. Ich wechselte auf ein privates Gymnasium, das funktionierte überhaupt nicht, dann ging ich wieder auf eine staatliche Schule, was es nicht besser machte.

Was war denn so schlimm?
Ich war Sophie Marceau! DAS war schlimm. Eine Marke, eine Projektionsfläche, nicht von dieser Welt. Zwischen mir, Sophie Maupu, wie ich eigentlich heiße, und diesem Kunstprodukt da klaffte eine Lücke so breit wie eine Schlucht, die sich nicht schließen ließ. Neid, Hass, das ganze Programm. Alles drehte sich ja nur um mich. Mir war das unangenehm, und die anderen waren genervt. Ich wurde angestarrt, aber niemand redete mit mir, weil keiner wusste, wie er mich ansprechen sollte. Mit 17 konnte ich nicht mehr und verließ die Schule.

Wie ist das bei Ihnen? Sind Sie neidisch?
Ich halte Neid für eine legitime Gefühlsäußerung. So menschlich. Nichts, wofür man sich schämen müsste. Wir werden doch schon früh darauf konditioniert. Ich war neidisch, wenn mein Bruder mehr auf dem Teller hatte als ich. Oder er eine neue Hose bekam und ich nicht.

Sind Frauen dabei extremer als Männer?
Weiß ich nicht, ich kenne beides. Männer gehen sportlicher damit um. Es spornt sie an, wenn jemand besser ist als sie. Frauen stellen sich gleich mal infrage. Warum bin ich nicht so gut wie die? Was ist falsch an mir? Und damit das keiner merkt, ziehen sie über die andere her.

Valérie Trierweiler, die Lebensgefährtin des neuen französischen Präsidenten François Hollande, hetzte öffentlich gegen seine Ex-Partnerin Ségolène Royal. Ist das typisch weiblich?
Absolut! Und sehr französisch dazu. Ich kann beide Frauen nicht ausstehen. Aber in dem Fall gehört meine Sympathie Madame Trierweiler. Was für eine Show! Ganz großes Kino. Ich liebe solche Dramen, das hat schon was von Shakespeare.

Wie muss man sich das bei Ihnen vorstellen? Sie sitzen mit Ihrem Mann Christopher Lambert, der mal der Highlander war, auf der Couch, schauen Filme und lästern über Kollegen?
Ich rege mich gern auf. Und ärgere mich maßlos, wenn ich einen guten Film sehe und es spielt jemand mit, der überhaupt nicht spielen kann. Was für eine Verschwendung.

Denken Sie manchmal: Die Rolle, die Juliette Binoche spielt oder Julie Delpy, hätte ich auch gern gehabt?
So denke ich nicht. Sie wissen doch, ich bin sehr vernünftig. Neid führt einem auch immer die eigene Unzulänglichkeit vor Augen. Und ich bin, wenn man so will, eine ungelernte Arbeitskraft. Ohne Schulabschluss, ohne klassische Theaterausbildung. Auch nach 30 Jahren in diesem Job bin ich manchmal unsicher, denke, irgendwann kommt mir jemand drauf, dass ich eigentlich gar nichts kann. Wenn ich das Handwerk gelernt hätte, würde ich mich vielleicht etwas sicherer fühlen. Wenn ich eine Juliette Binoche oder Julie Delpy um etwas beneide, dann darum: Sie kommen aus einem intellektuellen Umfeld oder gingen auf eine Schauspielschule, sie wurden ganz anders vorbereitet. Bei uns zu Hause gab es keine Bücher.

Als Sie anfingen, wer hat Sie unterstützt? Hatten Sie eine Mentorin?
Sie meinen, Catherine Deneuve hat mich an angerufen und gesagt: »Kindchen, ich geb dir mal einen guten Rat«? Amüsante Vorstellung! Alles, was ich weiß, weiß ich von Männern. In der Zeit der La Boum-Filme war es Claude Pinoteau, der Regisseur. Wir waren auf Reisen, um den Film vorzustellen. Er zeigte mir die Welt. Dann kam Andrzej Zulawski, der Vater meines Sohnes. Wir waren 17 Jahre zusammen. Er war viel älter und viel klüger als ich. Er brachte mich zum Denken.

[seitenumbruch title="»Als Chefin bin ich wie ein Mann.«"]

Haben Sie überhaupt Freundinnen?
Oh ja. Es werden immer mehr, je älter ich werde. Ich komme gut mit ihnen zurecht. Mir gefällt das Kapriziöse an den Frauen, sie wollen immer alles analysieren, in die Tiefe gehen, alles ergründen. Eine Frau redet nie einfach so mit einem, wie das Männer tun, sie will immer mehr, eine Verbindung schaffen.

Mit wem arbeiten Sie lieber? Männern oder Frauen?
Mit Männern ist es effizienter. Alles, was ich an Frauen schätze, finde ich beim Arbeiten hinderlich. Sie haben Befindlichkeiten, vermischen Privates mit Beruflichem, nehmen alles so persönlich und sind schnell beleidigt.

Zwei Mal haben Sie selbst Regie geführt. Wie sind Sie als Chefin?
Wie ein Mann. Sehr cheffig. Das Filmgeschäft ist sehr hierarchisch aufgebaut und wird immer noch von Männern dominiert. Wenn ihr Vorgesetzter mal eine Frau ist, testen sie aus, wie weit sie gehen können. Sie verhalten sich wie meine Kinder. Man versucht es erst auf die sanfte Tour. »Würdest du bitte dein Zimmer aufräumen?« Das wiederholt man fünf Mal. Passiert natürlich nichts. Beim sechsten Mal haut man auf den Tisch. Und plötzlich geht’s. Beim Film haue ich gleich auf den Tisch. Wie die Männer auch. Klare Ansagen, schnelle Entscheidungen. Niemals zögern. Niemals.

Wären die Frauen weiter, wenn sie untereinander solidarischer wären?
Mich regt es auf, dass mit »weiter« nur die große Karriere gemeint ist. Da, wo ich herkomme, haben die Frauen immer gearbeitet. Das hatte nichts mit Emanzipation zu tun. Es war eine Notwendigkeit. Als mein Bruder und ich klein waren, hat meine Mutter zwar pausiert, aber sie fing wieder an zu arbeiten, als ich sechs wurde. Wenn wir aus der Schule kamen, passten Nachbarn auf uns auf. Das verstehe ich unter Solidarität.

Sie haben auch in Hollywood gearbeitet, spielten in James Bond 007 – Die Welt ist nicht genug und Braveheart. Ist dort der Druck, gut auszusehen, größer als in Frankreich?
Es ist schrecklich. Für Frauen über 40 ist es dort eine Katastrophe. Ich bin froh, dass alle Drehbücher, die mir angeboten werden, so schlecht sind. Da fällt es mir leicht abzusagen. Ich mag nicht arbeiten in einem Land ohne Geschichte. Wo das größte Kulturgut die Jeans ist, die ja streng genommen von einem Deutschen erfunden wurde.

Was genau ist die Katastrophe?
Hollywood arbeitet mit Stereotypen. Man wird lebenslang festgelegt. Einmal sexy, immer sexy. Und wenn man wie Meg Ryan mit 50 immer noch die süße Kleine sein soll, wird es lächerlich. Und dann lassen viele etwas an sich machen, Botox, Schönheitsoperationen, und es wird noch lächerlicher. Man sieht es ja immer. Und es sieht nie besser aus.

In Frankreich dürfen Schauspielerinnen in Würde altern?
Ich bilde es mir zumindest ein. Carla Bruni sieht aus, als wolle sie den Alterungsprozess aufhalten. Was ist mit ihr passiert? Von allem zu viel.

In Ihrem Land werden auch schöne Frauen ernst genommen, dürfen Politikerinnen sich elegant kleiden und wie Frauen aussehen. Unsere Kanzlerin Angela Merkel wird öffentlich gegrillt, wenn ihr Kleid einen Ausschnitt hat.
Ach, das lag an Sarkozy. Der hat sich die ganzen hübschen Dinger ins Parlament geholt.

Ist Schönheit heute wichtiger als vor 30 Jahren?
Es geht um nichts anderes mehr. Interessiert irgendwen mein neuer Film? Nein. Das Einzige, was interessiert, ist, welches Kleid ich bei der Premiere trage. Das sind halt die Mechanismen des Kapitalismus. Das Geschäft mit der Schönheit wird ausgeschlachtet, und jeder verdient daran. Nur ich nicht.

Und damit Sie auf dem roten Teppich besonders hübsch aussehen, engagieren Sie einen Stylisten, der sich um Ihre Garderobe kümmert?
Wollen Sie mich beleidigen? Sprachen wir nicht eben über die Selbstbestimmung der Frau? Und dann soll ich mich fühlen wie eine Dreijährige, der von Mutti die Anziehsachen rausgelegt werden? Das kriege ich gerade noch selber hin. Auch ohne Abitur.

Interessiert Sie Mode?
Doch. Ich ziehe mich gern hübsch an, mache mich auch gern zurecht, wenn es der Anlass erfordert. Das ist Teil meines Jobs, und Sie wissen ja, ich bin eine gewissenhafte Arbeiterin.

Wie ist das bei Ihren Kindern?
Meinem Sohn, er ist 17, ist das alles zu viel. Diese Marken, dieser Labelwahn, er verweigert sich komplett. Kürzlich waren wir bei Lacoste, Schlussverkauf. Ich wollte ihm ein paar Polo-Shirts kaufen. Er schaute mich entgeistert an und sagte: »Mama, spinnst du, ich lauf doch nicht umsonst Werbung für die.« Das fand ich gut.

Zum Schluss noch eine gemeine Frage: Was passiert, wenn Ihre Tochter hübscher wird als Sie?
Noch besteht keine Gefahr. Sie ist erst zehn.

Sophie Marceau
»La Boum - die Fete« machte die 13-Jährige 1980 zum Teeniestar. Um ihr Image loszuwerden, spielte sie 1988 in dem Erotikfilm »Abstieg zur Hölle« - mit Claude Brasseur als ihrem Ehemann, der in »La Boum« noch ihren Vater gab. Danach war sie auch in internationalen Produktionen zu sehen wie »Braveheart« und dem Bond-Film »Die Welt ist nicht genug«. Inzwischen dreht sie vor allem in Frankreich. Am 20. September kommt »Und nebenbei das große Glück« in die Kinos, eine Liebesgeschichte zwischen der reichen Frau eines Managers und einem verarmten Jazzmusiker - eine Kömodie mit viel Slapstick. Seit 2007 ist Sophie Marceau mit dem Schauspieler Christopher Lambert (»Highlander«) zusammen. Vor Kurzem haben sie geheiratet.

Fotos: dpa

Nur die Ruhe

Gabriella Herpell — 2012-07-26T17:00:00+01:00

Wenn es im Film ganz, ganz still ist… hören wir immer dieselbe Stille. Ein Tontechniker hat sie vor 50 Jahren aufgenommen. Und, pssst: Seitdem wird sie praktisch ständig verwendet.

Von irgendwoher summt es immer, oder raschelt, brummt, dröhnt, knistert, scheppert. Die Welt ist voller Nebengeräusche, die von Autos, Flugzeugen, Computern, Nachbarskindern, Kirchenglocken, Straßenarbeitern, dem Wind, dem Kühlschrank erzeugt werden. Ein Grundrauschen, das einen ständig umgibt.

Wenn der Geräuschpegel niedriger wird, in der Nacht oder auf dem Land, hört man eine Uhr ticken, eine Fliege summen, Vogelzwitschern. Denn merkwürdig: Um Stille zu hören, sie überhaupt bewusst wahrzunehmen, braucht es ein Geräusch, ein leises, das man nur hört, weil sonst nichts zu hören ist.

Mehr Stille wäre entsetzlich still. Mehr Stille erträgt man kaum. Das kennt man aus Filmen. Aus Spiel mir das Lied vom Tod zum Beispiel. Wie rasend zirpen die Grillen in der Mittagshitze, Maureen, die Tochter, deckt den Tisch fürs Fest und summt Danny Boy. Dann plötzlich: Totenstille. Eine Minute lang, wie eine Ewigkeit. Vögel fliegen auf, ein Schuss fällt, die Tochter schwankt, die ganze Familie wird erschossen. Wenn man nichts mehr hört, wird es unheimlich.

Also hört man meistens was im Film. Auch wenn man nur Landschaft sieht oder Menschen, die nicht reden und auch sonst keinen Krach machen. Es läuft dann Musik. Oder der Wind pfeift, Vögel singen, Hunde bellen, der Hahn kräht. Alle zwei Sekunden ein neues Geräusch. Denn anders als in der Wirklichkeit vermischen sich die Töne im Film nicht miteinander zu diesem Grundrauschen, sondern werden aneinandergereiht.

Was nicht während der Dreharbeiten aufgenommen wurde und eine gute Tonqualität hat, wird erst beim Vertonen des Films unterlegt und kommt aus der Konserve – als Aufzeichnung eines Tons auf Band. Und weil viele Tondesigner dieselben Töne verwenden, hört man immer wieder dasselbe Hundegebell, dasselbe Telefonklingeln, dasselbe Türquietschen.

Der Ton passt dann zum Bild, zur Atmosphäre, aber manchmal hat er mit der Situation, die gezeigt wird, nicht allzu viel zu tun. Zum Beispiel der Falke: Er gleitet durch die Luft und ruft, einmal, zweimal. Ein leiser Ruf ist es, ein Ruf wie ein Seufzer. Gänsehaut.

Zwei Sekunden lang ist der Ruf des Falken. Er heißt »Bird Hawk Single Screech PE020801« und gehört seit mehr als 50 Jahren zu den beliebtesten Sound-Effekten. Tondesigner aus aller Welt greifen ständig auf den Falken zurück, wenn sie einen Vogelruf brauchen, der die Weite der Landschaft hervorhebt.

Ihre Töne finden die Sound-Designer auf CD-Reihen wie der Premiere Edition der Tonbibliothek Hollywood Edge, auf der Tausende Spezialeffekte preisgekrönter Spielfilme zusammengefasst sind, darunter auch weniger stereotype als der Falke, zwitschernde Vögel oder Hundegebell. »Book«: Buchseiten rascheln beim Umblättern. Oder »Handle turns« – der Türknauf, der sich dreht. »Hamburger, frying«: Eine Frikadelle brät in der Pfanne.

Sound-Designer brauchen unendlich viel Material. Denn im Film hört man alles, was sich ereignet. Auch Dinge, die in Wirklichkeit kaum ein Geräusch machen – Schritte, wenn einer über die Straße läuft. Regen, der aufs Pflaster prasselt. Im Film knarren Holzdielen, klappern Fenster im Wind, quietschen Türen immer laut und deutlich.

Der amerikanische Sound-Designer Peter Michael Sullivan, der den Ton für Filme von James Cameron und Wolfgang Petersen gemacht hat, sagt: »Sound-Design ist etwas, was den Zuschauern gar nicht bewusst ist. Aber es hat einen sehr starken Einfluss darauf, wie sie die Bilder und infolgedessen die ganze Geschichte, die sie sehen, erleben.«

In Brokeback Mountain, einem Western aus dem Jahr 2005, verlieben sich zwei Cowboys ineinander. Am Morgen nach einer dramatischen Nacht reitet der eine, gespielt von Heath Ledger, ins Gebirge und sieht nach den Schafen, die er eigentlich hätte hüten sollen. Es ist kalt und stürmisch, der Sattel knarzt. Man denkt, schöne Landschaft, aber ziemlich ungemütlich. Dann ruft der Falke. Und man denkt, was für eine weite, was für eine großartige Landschaft!

Es funktioniert also. Das Bild, vom Ruf des Vogels untermalt, ist viel stärker als das Bild ohne diesen Ton. Daran liegt es wohl auch, dass man den Falken in so vielen Filmen hört, während man ihm im echten Leben eher selten begegnet.

Zunächst tauchte der Ruf des Falken in klassischen oder Italo-Western aus den Sechziger- und Siebzigerjahren auf. Männer wie Clint Eastwood reiten im Poncho durch karge Gegenden, die Sonne brennt auf sie herab und irgendwo lauert ein Indianer.

Inzwischen ruft der Falke in Filmen, die in der afrikanischen Wüste spielen oder in den Bergen Wyomings, aber auch in deutschen Produktionen. In Romy beispielsweise, dem Fernsehzweiteiler mit Jessica Schwarz über Romy Schneiders Leben. Im modernen, hochgelobten Heimatfilm und Familiendrama Hierankl mit Sepp Bierbichler. Im Roadmovie Friendship: Zwei Jungs aus der DDR trampen durch die USA.

Im Oktober kommt Die Wand ins Kino, die Verfilmung eines Romans der österrei-chischen Schriftstellerin Marlen Haushofer: Eine Frau ist allein im Wald hinter einer gläsernen Wand gefangen, abgeschnitten von der Welt. Schnell begreift sie, wie bedrohlich ihre Situation ist. Aber solange der Falke noch ruft, ist noch Leben. Noch Hoffnung.

Niemand weiß, wo und wann genau der Falke aufgenommen wurde. Aber weil keiner je einen vergleichbaren Ton aufgenommen hat, wurde »Bird Hawk Single Screech PE020801« in den letzten Jahren digital überarbeitet und entrauscht. Er klingt nun noch reiner. Manchmal wird er mit einem Hall verlängert, dann ist er etwas leiser, undeutlicher.

Aber zu erkennen ist er immer. Auch wenn er, weil er so überstrapaziert wird, bereits parodiert wird. Dann ruft er aus dem Wald bei Springfield. Dort wohnen die Simpsons.

�Zwei Stunden im Dunkeln zu lachen kann nicht schaden�

Michaela Haas — 2012-06-01T12:00:00+01:00

Manchmal haben Filme die Kraft, Seelen zu heilen. Die Hollywood-Produzentin Lindsay Doran erklärt, wie das geht.

Zuschauer einer Freiluftvorführung von "Ziemlich beste Freunde" im Münchner Olympiapark.

Lindsay Doran wuchs als Tochter eines Studiobosses in Hollywood auf und hat ihr ganzes Leben im Filmgeschäft verbracht. Sie hat internationale Erfolge mitproduziert – wie »Die Firma«, »Sinn und Sinnlichkeit« und »Schräger als Fiktion«. Sie war Präsidentin von United Artists Pictures, bevor sie sich als Produzentin selbstständig machte. Als »Scriptwhisperer« berät sie vertraulich namhafte Regisseure und Produzenten, wenn diese nicht weiterwissen. Ganz nebenbei arbeitet sie mit aller Macht daran, Filme als neues Antidepressivum einzusetzen.

SZ-Magazin: Frau Doran, zu welchem Mittelchen greifen Sie, wenn Sie einen schlechten Tag haben?
Lindsay Doran: Zur DVD von Singin’ in the Rain. Wenn ich am Boden bin, schaue ich Gene Kelly beim Tanzen zu oder John Travolta in Grease, danach bin wieder ein glücklicher Mensch. Aber wir alle haben auch schon Filme gesehen, die uns mit dem Gefühl zurücklassen: Wenn der das durchstehen kann, dann kann auch ich überleben, was ich gerade durchmache. Letzten Sommer habe ich die Treppenstufen aus Rocky in Philadelphia besucht. Alle fünf Minuten läuft da jemand rauf. Irgendwann bemerkte ich, wie vielen Menschen dabei die Tränen kamen. Sie liefen die Stufen hinauf, um einen persönlichen Kampf oder Sieg zu feiern. Und das alles 36 Jahre nach einem Film über einen Typen, der seinen Kampf nicht einmal gewonnen hat! Das ist die Macht, die wir haben, wenn wir Filme machen.

Könnten Filme Antidepressiva ersetzen?
Zwei Stunden im Dunkeln zu lachen kann jedenfalls nicht schaden. Als Eddie Murphy in Dreamgirls mitspielte, lobten ihn manche dafür, dass er nun endlich ins ernste Fach wechselte. Darauf entgegnete er sinngemäß: Glaubst du wirklich, ich würde lieber in einem Drama mitspielen als in einer Komödie? Er erzählte, wie Leute ihm auf der Straße dankten, dass seine Filme sie aus einem dunklen Loch herausholten. Seine Filme werden in Krankenhäusern gezeigt, weil die Ärzte wissen, dass Komödien Leute buchstäblich gesünder machen.

Laut New York Times befinden Sie sich auf der »heimlichen Mission«, Hollywoods Aberglauben zu widerlegen, dass ein Film nur dann Kunst ist oder einen Oscar gewinnt, wenn er eine Tragödie ist und schlimm ausgeht.
Es ist mehr als ein Aberglaube, das ist eine Tatsache, für die es Beweise gibt. Viele wollen prestigeträchtige Filme machen, und sie glauben, dafür müssten sie in die düstersten Seiten des Lebens eintauchen oder einen tragischen Helden mimen. Das hat natürlich seinen Wert, aber eben nicht ausschließlich! Ich persönlich versuche Filme zu machen, die Leute erheben, und zwar immer. Mit einer Ausnahme: Die Verfilmung von Stephen Kings Friedhof der Kuscheltiere, da ging es darum, den Tod zu akzeptieren, der Film war mir aus persönlichen Gründen wichtig.

Sollen wir uns jetzt nur noch seichte Feel-good-Filme anschauen?
Es hat nichts mit Seichtheit zu tun. Martin Seligman, der Begründer der »positiven Psychologie«, spricht von fünf Elementen, die für das Wohlbefinden von Menschen verantwortlich sind: positive Gefühle, Engagement, Sinn, Erfolge und positive Beziehungen. Als ich diese Liste zum ersten Mal sah, dachte ich: Das sind genau die Zutaten, die einen guten Film ausmachen! Es heißt immer, Hollywood produziere nur Feel-good-Filme - das Gegenteil ist der Fall. Einer der letzten reinen Feel-good-Filme war Mamma Mia! - und der ist von 2008.

Aber es kommt doch eine Komödie nach der anderen ins Kino!
Ich meine Filme, die einfach nur fröhlich sind und zu hundert Prozent positive Gefühle zeigen. Ich lasse die Komödien weg, in denen man zusammenzuckt, also Hangover, Jackass oder Borat. Aber wenn ich in Hollywood herumfrage, warum machen wir denn keine Filme mehr, die Leute einfach glücklich machen, dann höre ich: Das ist nicht cool.

Man könnte auch einwenden: Das Kino soll vom Leben erzählen, und das ist eben nicht immer zum Lachen.
Richtig, deshalb mache ich so gern Filme, in denen man weint und lacht wie Sinn und Sinnlichkeit oder Schräger als Fiktion. Obwohl ich Seligmans Thesen noch gar nicht kannte, als ich Schräger als Fiktion produzierte, wurde mir im Nachhinein klar, dass der Film wie eine Betriebsanleitung für positive Psychologie ist: Will Ferrell tut all die Sachen, die jedem von uns guttun würden. Er macht einen spontanen Spaziergang, schaut sich am helllichten Tag einen Monty-Python-Film an, er beginnt, Gitarre zu lernen, und er beschließt, das Mädchen zu erobern, das er liebt. Beide Filme haben Preise und gute Kritiken bekommen und bauen einen auf, es geht also!

Dann hat es Sie sicher gefreut, dass in diesem Jahr The Artist den Oscar gewonnen hat?
Genau! Und im letzten Jahr The King’s Speech. Beides sind Filme über Ausdauer und persönliche Kämpfe. Psychologen nennen das posttraumatisches Wachstum. Es spricht viel dafür, dass Menschen nach einer schrecklichen Erfahrung stärker und reifer werden als zuvor. The Artist hat einen dunklen Aspekt. In der Mitte ist es sehr traurig und hart, dennoch geht man ziemlich beseelt aus dem Kino.

[seitenumbruch title="Beim Film sind Misserfolg und Zurückweisung ständige Begleiter"]

The King’s Speech (2010) Der herzergreifende Kampf des stotternden Königs mit seinem Schicksal spielte weltweit 235 Mio. Euro ein.

Kann man mit psychologischen Strategien wirklich bessere Filme machen?
Ich bin keine Psychologin, aber ich analysiere Filme durch die Brille der Psychologie. Seither bekomme ich Anrufe von Leuten aus ganz Hollywood, die sich dafür interessieren. Hollywood gibt jedes Jahr enorme Summen dafür aus, herauszufinden, was Kinogänger glücklich macht, ob sie nach einem Film in Beifallrufe ausbrechen oder sich erschießen wollen. Die fünf Elemente aus der positiven Psychologie könnten den Marktforschern viel Geld sparen.

Aber gehört Psychologie nicht spätestens seit Hitchcock zum Handwerkszeug eines jeden guten Filmemachers?
Ich glaube nicht, dass sich die Leute viele Gedanken darüber machen, jedenfalls ist es kaum Gesprächsthema. Fast jeder hat Joseph Campbells Standardwerk Der Heros in tausend Gestalten gelesen oder weiß ein bisschen was über C. G. Jung. Aber die meisten wissen nichts über positive Psychologie.

Sie arbeiten daran, dass sich das ändert. Woher dieses Sendungsbewusstsein?
Im Filmgeschäft sind Misserfolg und Zurückweisung ständige Begleiter. Es gibt keinen, der das nicht täglich erlebt. Man gibt ein Drehbuch ab, und keiner mag es. Man versucht einen Film zu verkaufen, und er floppt. Es sollte irgendwo in Hollywood einen Kirchenraum geben, in dem sich jeden Freitag die Filmemacher anonym Unterstützung nach ihren Misserfolgen holen können wie die Anonymen Alkoholiker. Wenn ich einen Vortrag halte, drücke ich jedem einen Laufzettel in die Hand mit den fünf Elementen des Wohlbefindens. Es ist nicht das Schlimmste, was passieren kann, dass Leute in ganz Hollywood mit einer Liste durch die Gegend laufen, die sagt: positive Gefühle, Sinn, Engagement, Errungenschaften, Beziehungen. Je mehr jeder davon in seinem Leben hat, desto glücklicher und widerstandsfähiger wird er, und das ist für mich das Wichtigste daran: Zurückweisung an sich abprallen und sich nicht unterkriegen lassen.

Sie sind in Hollywood aufgewachsen. Wie hat Sie das geprägt?
Mein Vater war 50 Jahre lang Studioboss, meine Mutter tippte Drehbücher für Preston Sturges, einen der einflussreichsten Autoren und Regisseure Hollywoods, und arbeitete für Paramount. Aber wenn ich meinen Vater als Kind im Studio besuchte, waren da keine Frauen. Gut, es gab Schauspielerinnen und eine Kostümdesignerin, aber ansonsten waren alle, die was zu sagen hatten, Männer. Sosehr ich Filme liebte, ich sah nicht, wie ich da hineinpassen könnte. Ich ging nach dem College erst mal nach England, aber natürlich kann man da als Amerikanerin nicht einfach so auftauchen und Filme machen, deshalb ging ich nach einem Jahr nach Amerika zurück. Ich begann für das Fernsehen zu arbeiten, da hing ein Poster an der Wand: Von uns allen für uns alle. Das war unsere Art zu fragen: Was glauben wir eigentlich, für wen wir diese Sendungen machen?

Finden Sie, die Filmemacher denken zu wenig an ihr Publikum?
Auf jeden Fall. Das mag man als politisch korrekt oder als uncool empfinden, aber die Frage bleibt: Welche Botschaft senden wir mit unserer Arbeit? Die Zeit beim Fernsehen hat mich geprägt: Ich habe mich regelmäßig in Schulklassen gesetzt, um deren Reaktion auf unsere Sendungen zu beobachten. Ein direkteres, ungefiltertes Feedback darüber, welche Botschaften wir senden, gibt es nicht. Einige Leute glauben, unser Job sei es, die dunklen Seiten zu beleuchten. Aber ich arbeite lieber daran, dass es den Leuten besser geht.

Und doch behaupten Sie, das Happy End werde überschätzt.
Wenn Sie in Hollywood nach einem Rezept für einen inspirierenden Film fragen, werden die meisten sagen: Mach einen Film über einen Underdog, der gewinnt. Fast keiner erinnert sich daran, dass Rocky im ersten Film den Kampf nicht gewonnen hat. Was mich in meiner Recherche überrascht hat, war, dass sich das Publikum nicht annähernd so sehr für die Siege des Helden interessiert wie für den Erfolg seiner Beziehungen. Schauen Sie sich die erfolgreichsten Filme an: Der Löwenkönig stirbt, Dumbledore stirbt, Jesus stirbt, Obi-wan stirbt, Gandalf stirbt, 1500 Passagiere auf der Titanic sterben. Es sind Geschichten von horrenden Verlusten. Das ist das Thema der meisten erfolgreichen Filme: das Überwinden von Schmerz. Aber letztendlich geht es nicht darum, ob der Held gewinnt, sondern um Beziehungen. Das letzte Bild in The King’s Speech ist eine Texttafel, die beschreibt, dass der König und sein Freund ein Leben lang Freunde blieben. Das ist es, was uns berührt.

Ist das nicht schon Teil des Rezepts der meisten Hollywood-Labore?
In jedem Filmstudio können die Leute endlos Beispiele dafür aufzählen, wie oft sie ein Filmende neu filmen mussten, weil sie zunächst nicht wirklich kapierten, was den Zuschauern am Herzen lag. Ich nenne es ein »offensichtliches Geheimnis«: Die Beziehungen sind wichtiger als Erfolg. In Verblendung hat Rooney Mara ihr Ziel erreicht, den Mörder zu finden, aber Daniel Craig bricht ihr das Herz. In Moneyball gewinnt Brad Pitts Team, aber er fühlt es nicht. Beide Filme enden nicht mit einem guten Gefühl.

Gibt es so was wie ein Rezept für Männer- bzw. Frauenfilme?
Ja. Für Männer ist Erfolg das Wichtigste. Für Frauen die Beziehungen. Wenn wir Filme für Männer machen, ist die Struktur fast immer darauf aufgebaut, dass der Held, meist männlich, ein Ziel zu erreichen versucht. Am Ende schafft er es und erkennt plötzlich, dass der Erfolg ohne eine Beziehung nichts bedeutet. Wenn wir Filme für Frauen konzipieren, ist der Erfolg die Beziehung, das Ziel ist Liebe. Natürlich ist das nicht immer so einfach gestrickt, aber auch bei Die Tribute von Panem geht es im Kern um Beziehungen, nicht um den Sieg.

Und trotzdem fiebern wir mit den Kinohelden mit, dass sie ihr Ziel erreichen, die Lovestory ist ja oft nicht mehr als Beiwerk.
Wenn Erfolge wirklich der wichtigste Faktor auf der Liste wären, würden wir die Filme dann nicht in dem Augenblick enden lassen, wo der Erfolg erzielt wird? Müsste also Mission Impossible IV nicht enden, wenn die Atomrakete ihr Ziel verfehlt, statt mit vier Menschen, die an einem Tisch sitzen? Müsste das letzte Bild in Transformers III dann nicht sein, wenn die Autobots die Decepticons besiegen, statt ein Junge, der seinem Mädchen eine Liebeserklärung macht? Müssten wir Harry Potter nicht damit enden lassen, dass er Voldemort tötet? Aber nein! Wir beenden sie woanders, und das beweist, dass auch für Männer die Beziehungen wichtiger sind als die Erfolge. Nur wenn wir Anzeigen schalten, tun wir so, als spielten wir das Spiel mit. Bei Filmen für Männer und Jungs sagen wir immer, es ginge um die Rettung der Welt, das Besiegen des Feindes oder um Sex, aber am Ende geht es doch immer um die Beziehungen, und jeder weiß es. Für Frauen müssen wir das nicht verschleiern, die wissen das schon. Wenn du die Welt nicht für jemanden rettest, wofür rettest du sie dann?

Sind Sie Optimistin?
Ich habe mich nie für eine Pessimistin gehalten, aber seit ich mich mit positiver Psychologie beschäftige, weiß ich, dass da noch Luft nach oben ist.

ZUR PERSON
Lindsay Doran, 64, ist eine der erfolgreichsten Filmproduzentinnen Hollywoods. Für "Sinn und Sinnlichkeit" (1995) wurde sie mit einem Oscar und zwei Golden Globes ausgezeichnet.

Foto: picture alliance /dpa

Herzlicher Dank an »Kino am Olympiasee«

Ein Traum in Wei�

2011-06-02T17:00:00+01:00

Vor zwei Jahren fuhr der Mainzer Jörn Ratering als Student nach Tansania – und wurde dort über Nacht zum Filmstar. Wie das ging? Soll er am besten selbst erzählen.

Ein Mann hatte ein Seil über die Straße gespannt, und das Motorradtaxi, in dem ich saß, musste halten. Irgendwo in einem Vorort von Daressalam, der Hauptstadt von Tansania. Zehn Schulmädchen in weißen Blusen und blauen Oberkleidern flatterten auf uns zu. Ich drückte mich tiefer in den Sitz, aber es war zu spät. Als sie mich entdeckten, quietschten sie meinen Namen. »Joooorn«, riefen sie, »Joooorn«. Sie umringten mich, fassten mir durchs Haar und zogen an meiner Haut. Ein Moment, der wohl jeden total überfordert, der kein Filmstar ist. Aber ich bin einer. Nicht in Deutschland, da kennt mich kein Mensch, da bin ich Jörn Ratering, Ethnologiestudent aus Mainz. Aber in Tansania bin ich Jörn Bleibtreu, und Mädchen kreischen bei meinem Anblick.

Daressalam

Es ist kein erhabener Anblick, wenn sich eine Stadt wie Daressalam vor einem auftut. Auftun ist schon das richtige Wort. Es ist ein Moloch mit knapp drei Millionen Einwohnern, aber natürlich sind es mehr, viel mehr, und nur drei oder vier asphaltierte Straßen führen hinein. Wir quetschten uns morgens um sechs in einen Van – eine Gruppe von Ethnologiestudenten, die im August 2009 für drei Monate Afrikaluft schnuppern durften. Wir waren total erschöpft vom Flug und der Hitze, wir sahen müde aus und rochen auch so. Unsere Dozentin Claudia Böhme und ihr Forschungsassistent fuhren uns vom Flughafen in die Stadt zu unseren Gastfamilien.

Im Autoradio lief Bongo Flava, eine Mischung aus Hip-Hop und Reggae auf Swahili. Zu beiden Seiten der Straße nichts als Fabrikgebäude und eingezäunte Metallsilos, und überall war Stau. Verkäufer gingen durch die Wagenreihen und reichten alles Mögliche in die Fahrzeuge, gegrillte Heuschrecken, Wasser in Tüten, Flip-Flops, Landkarten, Babyspielzeug. Und natürlich Bongo Movies, tansanische Filme, die hier vor Ort gedreht werden, die wenig kosten und auf den ersten Blick auch nach wenig aussehen, wie billige Seifenopern. Die Filme sind sehr beliebt in Tansania und werden wie am Fließband hergestellt. Das macht Tollywood, das Hollywood Ostafrikas, zum vielleicht größten Filmmarkt des Kontinents nach Nigeria. Die Verkäufer binden die DVD-Hüllen in Stapeln zu einem Meter zusammen und tragen sie durch die staubige Blechlawine. Ich dachte mir nur: Hier kannst du nicht lange überleben.

»Der ist perfekt, der Junge«

Meine Gastmutter hieß Lucy Komba, sie ist eine Art Filmstar in Tansania, jobbt aber noch zusätzlich als Sekretärin beim Hohen Gericht, denn das Filmbusiness wirft nicht so viel ab, wie man denken mag. Zwei Tage nach meiner Ankunft, ich hatte meinen Kulturschock noch nicht verdaut, besuchten mich Claudia und ein anderer Tansanier namens Ismael. Sie fragten, ob ich in einem Film mitspielen möchte. Für eine Produktion des bekannten Regisseurs Hammie Rajab werde noch ein Mzungu gesucht, ein Weißer. Manche behaupten, Mzungu komme vom Verb »kuzunga«, umherirren. Mzungu sind also Umherirrende. Ismael sprach kurz mit mir, dann stand für ihn fest: »Der ist perfekt, der Junge!«, und er brachte mich direkt zum Regisseur Hammie Rajab, der ebenfalls hier im Mwembe Chai, im Mangoteebaum-Viertel, wohnte. Als wir sein Haus betraten, zog er sich gerade die Hose an; Rajab, ein älterer Herr, hatte ein Nickerchen gemacht. Er schaute mich eindringlich an, und dann behauptete auch er – in einem wundervollen Englisch –, ich sei perfekt, und drückte mir ein Drehbuch in die Hand. Er wollte nicht einmal wissen, ob ich überhaupt spielen kann. »Lern das auswendig«, sagte er. »Übermorgen stelle ich dir die Crew von Tears on Valentine Day vor.« So hieß also mein erster Film.

Tears on Valentine Day

In dem Film spiele ich Johnson Leonard, den Anwalt aus Amerika. Meine Mandantin ist Joana, die Hauptfigur, eine junge Frau, die angeblich aus Notwehr ihrem ehemaligen Liebhaber eine Axt in den Rücken geschlagen hat. So viel zur Rahmenhandlung. Ehrlich gesagt, waren meine Erfahrungen als Schauspieler mickrig. Als wir in der achten Klasse im Englischkurs ein Theaterstück aufführten, ergatterte ich nur eine Minirolle. Aber weil alle hier meinten, ich sei perfekt, übte ich vor einem Handspiegel das seriöse Gesicht eines Anwalts. Meine erste Tollywood-Lektion lautete: Mach dich locker. Der Dreh sollte eine Woche dauern, aber meine Szenen wurden immer wieder verschoben, drei Wochen lang. Als es so weit war, hatte die Requisite mein Kostüm vergessen und musste in einem Geschäft einen weinroten Schlips und einen Anzug aus grobem grünem Stoff ausleihen. Ich sah aus wie ein Gebrauchtwagenhändler aus den Achtzigern. Hammie Rajab sagte aber: »I’d buy that«, ich kauf dir das ab. Wir hatten nur eine Kamera und wiederholten die Szene wieder und wieder. Ich verhaspelte mich ständig, dann hing ein Mikro im Bild oder der Hofhahn krähte. Rajab war total begeistert und bestand darauf, mir eine Gage von 30 000 Schilling zu zahlen, also etwa 15 Euro. Er sagte, es sei ihm wichtig.

Jörn Bleibtreu

Als ich nach meinem vollen Namen für den Abspann gefragt wurde, zögerte ich, denn eigentlich wollte ich anonym bleiben. Am Abend zuvor hatte ich den Film Lammbock gesehen, eine Kifferkomödie mit Moritz Bleibtreu. Deswegen gab ich mir kurzerhand einen neuen Namen: Jörn Bleibtreu. Dass es sich um einen Künstlernamen handelte, wusste keiner, denn keiner kannte hier das Original. Bleibtreu war auch leichter auszusprechen als mein echter Nachname Ratering. Wahrscheinlich bin ich hier bekannter als der echte Bleibtreu, wahrscheinlich bin ich hier sogar der echte Bleibtreu. Schon kurz nach dem Dreh bot mir meine Gastmutter Lucy eine Rolle in ihrem neuen Film Mehr als ein Freund an. Ich spielte mich selbst, den Studenten Jörn aus Deutschland, der nach Tansania kommt und in eine Liebesgeschichte verwickelt wird.

In nur drei Tagen wurde der Film abgedreht, und zwar auf Swahili. Dummerweise war mein Swahili damals nicht besonders gut. Einfache Sätze konnte ich schon bilden, Sätze wie »Die Mama soll Tatu ins Krankenhaus bringen«. Aber die Figur Jörn aus Deutschland war Teil einer Intrige und musste am Ende sogar den Moralapostel spielen. Da blieb es nicht bei Subjekt, Prädikat, Objekt. Ich habe mir an den Satzungetümen die Zähne ausgebissen und schließlich irgendetwas auf Deutsch gesagt. Das wurde untertitelt, fertig, die totale Improvisation. Afrikaveteranen haben dafür eine Art Sprichwort: »This is Africa« oder auch »T.I.A.«. Sie wollen dir sagen: Nimm es, wie es kommt. Es ist der Schlachtruf der Fatalisten. Und ich weiß jetzt, was sie damit meinen. Immerhin kam der Film schon kurz darauf auf den Markt. Das hat mir jedenfalls Lucy erzählt, als ich wieder zurück in Deutschland war. Und dass ständig Leute nach mir fragen würden.

Sehen Sie hier einige Ausschnitte aus Jörn Raterings zweitem Film Mehr als ein Freund:

[seitenumbruch title="»Es ist ein komisches Gefühl, Fans zu haben.«"]

2010: Fans auf Sansibar

Ein Jahr darauf flog ich wieder nach Tansania, machte aber zuerst auf der Insel Sansibar Station, um eine Freundin zu besuchen. Wir saßen in einem Café, als mich ein Mann ansprach. »Du bist Bongo-Movie-Darsteller«, sagte er, »ich habe Filme von dir gesehen.« Er nahm meine Hand. Er schüttelte sie nicht, er nahm sie und hielt sie fest. Dann meinte er: »Schön, dass du hier bist« und ging weiter. Bongo Movies sind auf Sansibar längst nicht so populär wie auf dem tansanischen Festland. Trotzdem wurde ich dreimal erkannt. Und auf der Fähre nach Daressalam waren es noch zwei Mädchen. Sie kannten meinen Namen, sprachen mich mit »Jorn« an und fragten, ob ich neue Filme plane und ob ich für sie nicht auch Rollen organisieren könne. Mein Ruhm eilte mir voraus. Ging ich nun durch Daressalam, blieben die Leute stehen, gaben mir die Hand, luden mich zum Essen und Kaffee ein. Oder sie stürmten mein Motorradtaxi.

Die dicke Polizistin

In unbekannten Vierteln, so wird Ausländern geraten, sollte ich mit dem Auto unterwegs sein, sobald die Dämmerung einsetzt. Und es dämmerte bereits, als ich an einem Septemberabend das Marktviertel Kariakoo verlassen wollte. Überall wuselten Menschen umher, und ich suchte verzweifelt ein Daladala, einen Minibus, der in das Mangoteebaum-Viertel fuhr. Ich blickte in die Menge und entdeckte eine olivgrüne Polizeiuniform, die sich über den Körper einer dicken Polizistin spannte. Ich fragte sie nach einem Bus. Die Polizistin lächelte breit und sagte: »Ich kenne dich. Ich habe gestern Mehr als ein Freund gesehen, der Film ist super.« Sie nahm mich bei der Hand und führte mich zum Daladala. Dort balgten sich die Passagiere um die letzten freien Sitzplätze. Weil ich mich weder prügeln noch zwei Stunden in einem engen Minibus stehen wollte, rief die dicke Polizistin – ich weiß leider nicht einmal mehr ihren Namen – einen befreundeten Taxifahrer an. Er nahm uns beide mit, denn sie hatte sich den Rest des Abends freigenommen. Ich saß auf der Rückbank und wurde mit Fragen bombardiert. Was ich für die Zukunft plane und ob ich ihnen eine Rolle vermitteln könne. Ich hatte zufällig den Film bei mir, den schenkte ich der Polizistin zum Abschied.

Ich sehe dich

Ich genoss die Aufmerksamkeit. Die Tansanier, die ich kennenlernte, waren sehr liebenswürdig zu mir. Gleichzeitig ist es auch ein komisches Gefühl, Fans zu haben. Es sind Menschen, die einen gar nicht kennen und trotzdem anhimmeln. Und das ist mir unangenehm. Nach meinem Auftritt bei der Comedysendung Orijino Komedi verstärkte sich das sogar noch. Die Sendung läuft im Staatsfernsehen TBC und ist ein echter Straßenfeger. Bereits während der Sendung klingelte mein Handy, und Freunde gratulierten mir. Die Tage darauf brachen alle Dämme, alle kannten mich, denn die TV-Show ist noch populärer als die Bongo Movies. Ich erhielt Heiratsanträge, mal mehr, mal weniger ernst gemeinte. Auf jeden Fall ernst gemeint haben es meine muslimischen Nachbarn. Ich war zum Fastenbrechen eingeladen. Während des Essens erhob sich plötzlich die Großmutter, zeigte auf ihre Enkelin Rahma und fragte mich, ob ich sie sähe. Ich sagte ja, denn sie saß mir gegenüber. Kurz herrschte Stille, dann jubelten alle. Da erst fiel bei mir der Groschen. Auf Swahili ist das Wort für »sehen« »kuona«, das Wort für »heiraten« lautet »kuoa«. Und ich hatte auf die Frage: »Willst du sie heiraten?« mit Ja beantwortet. Aber ich konnte das Missverständnis klären. Blickkontakt und Hochzeit waren nur ein »n« voneinander entfernt.

Wie Drei Engel für Charlie

Kurz vor meinem Abschied traf ich Ismael wieder, den Produzenten, der mir zu meiner ersten Rolle verholfen hatte. Er war gerade aus Zypern zurückgekehrt, wo er für ein halbes Jahr auf einem Schiff gearbeitet hatte. Nun wollte er mich für ein neues Bongo Movie rekrutieren, einen Actionfilm in englischer Sprache. »Du bist ein Diamantenhändler, ein Belgier namens Hans Klokker«, sagte er. Die Geschichte geht so: Drei Frauen verbarrikadieren sich in einem Haus und verteidigen einen Beutel Diamanten vor Diamantenräubern. »Wie in Drei Engel für Charlie, mir fehlen nur noch die Engel«, scherzte er. Er wollte meine Szenen im Kasten haben, bevor ich Afrika wieder verlasse. Also kaufte er mir einen Zylinder, und wir legten los.

Zu dieser Zeit fühlte ich mich schon wie ein richtiger Profi. Ich spielte so übertrieben wie möglich, das kommt am besten an. Auch auf Terminabsprachen habe ich mich nicht mehr verlassen. Das macht die Schauspielerei in Tansania viel entspannter. Inzwischen bin ich wieder in Deutschland und habe erfahren, dass jetzt auch die Engel vor der Kamera stehen. Sehen werde ich den Film aber wohl erst, wenn ich das nächste Mal in Afrika bin, um meine Freunde zu besuchen und ein weiteres Bongo Movie zu drehen. Wenn es mal wieder besonders kalt und grau ist in Deutschland. Und ich für eine Weile vom Studenten zum Star werden möchte.

Die 39 Stufen

Milan Pavlovic — 2011-05-24T18:56:00+01:00

Zum Palais des Festivals in Cannes geht es 24 Stufen hoch, die einen in den Himmel des Kinos führen können. 24 Filme während des zwölftägigen Filmspektakels zu sehen, ist aber entschieden zu wenig. Außerdem gibt es ja diesen wunderbaren Hitchcock-Thriller The 39 Steps. Dementsprechend ist unser Mann in Cannes genau in 39 Filme gegangen. Ein Rückblick, der auch ein Ratschlag ist, was man in nächster Zeit angucken sollte – und was nicht.

Glücklich: Die französische Regisseurin Maiwenn ist für ihren Film "Polisse" ausgezeichnet worden:

Thor
(Kenneth Branagh; reguläre Kinovorstellung)
Was hat dieser Film in Cannes zu suchen? Im Festival nichts, aber am Tag davor kann man ja noch mal normal ins Kino gehen, oder? In diesem Fall rüttelt der Besuch am guten Eindruck, den ich beim ersten Mal von dem Fantasy-Spektakel hatte. Damals – vor drei Wochen – hatte ich Spaß daran, die Versuche des Shakespeare-Verehrers Kenneth Branagh zu verfolgen, Ideen und Emotionen seines Lieblingsdichters in die Geschichte zu schmuggeln. Diesmal fallen die käsigen Effekte und grenzwertigen Bauten mehr ins Gewicht, und ich wünsche mir, Natalie Portman hätte mehr zu tun als schön und manchmal drollig zu sein. Ein anderes Problem ist die 3-D-Technik des Kinos. Erst die vierte Brille bringt den gewünschten Effekt, aber auch dann bleibt eine Unschärfe, die mir erstmals jene 3-D-Kopfschmerzen beschert, von denen etliche Kinogänger berichtet haben. Ist das wirklich die Zukunft des Kinos?

Midnight In Paris
(Woody Allen; Wettbewerb/außer Konkurrenz/Eröffnungsfilm)
Die hübsche, kleine, tief reichende Geschichte eines verunsicherten Kaliforniers (Owen Wilson), der während eines Urlaubs in Paris jede Nacht in die von ihm idealisierte Ära der Zwanziger Jahre transportiert wird. Dort diskutiert er in der französischen Kapitale abwechselnd mit Ernest Hemingway und F. Scott Fitzgerald, Gertrude Stein und anderen Berühmtheiten wie Pablo Picasso und Salvador Dalí – und ändert bald sein Leben komplett. Es ist Woody Allens schönster Film seit einem Vierteljahrhundert, seit The Purple Rose of Cairo (1985), und eine Liebeserklärung an eine Stadt, wie er sie vorher nur New York zukommen ließ (1979 mit Manhattan). Midnight in Paris ist voller Trouvaillen. "Rhinozerosse!", sagt Salvador Dalí (Adrien Brody), und schon dafür, wie er es sagt, möchte ich Woody Allens Film gerne wiedersehen. Bald.

Sleeping Beauty
(Julia Leigh; Wettbewerb)
Eine junge Studentin tut alles für Geld, bereitwillig stellt sie ihren Körper für Experimente jeder Art zur Verfügung. (Warum sie trotzdem nicht in der Lage ist, ihre Untermiete zu zahlen, ist eines der vielen logischen Rätsel des Films.) Aber dann will sie doch wissen, was man mit ihr anstellt, wenn sie betäubt in ein Zimmer mit ältlichen Herren gesteckt wird. Wir haben es gesehen, aber nicht richtig verstanden. Und wir begreifen und fühlen auch nichts, wenn sie sieht, was passiert (ist). Die Regisseurin hätte gerne, dass wir verstört sind, aber der Film verströmt im Grunde vor allem Ödnis. Θ

We Need To Talk About Kevin
(Lynne Ramsay; Wettbewerb)
Tilda Swinton ist keine Schönheit im üblichen Sinn, aber es gibt derzeit nur wenige Darsteller(innen), die einen so gefangen nehmen wie sie. In diesem überladenen Familiendrama spielt sie eine Mama, die mit der Erziehung ihres Sohnes überfordert ist und sich bis zu seiner Volljährigkeit fragt, was sie falsch gemacht hat. Leider kann sie gar nichts richtig machen, weil das Kind sie seit seiner Geburt auf eine Weise ablehnt, als stammte es direkt aus einem Horrorfilm à la Das Omen. Das andere Kernproblem des Films ist: Wie, bitte, soll man glauben, dass Tilda Swinton mit John C. Reilly liiert sein könnte? Schade um die Hauptdarstellerin.

Restless
(Gus van Sant; Un Certain Regard)
Als im Vorspann der Tropfen der Firma „Imagine“ aufs Wasser plumpst und die Namen Brian Grazer und Ron Howard als ausführende Produzenten erscheinen, frage ich meinen Nachbarn, ob das wirklich ein gutes Zeichen ist. Nachher bin ich mir sicher: dass die Berlinale dieses süßliche Krebs-Drama als Wettbewerbsbeitrag abgelehnt hat, war völlig richtig. Mia Wasikowska, die das einzig Gute an Tim Burtons Alice in Wonderland und eine von vielen herausragenden Darstellerinnen in The Kids Are All Right war, spielt eine unheilbare Patientin, die aber genug Kraft für eine Liebesgeschichte à la Harold & Maude hat – diesmal freilich mit zwei Teenagern. Sie hat Krebs, aber so einen wie Winona Ryder in Es begann im September, dessen Anwesenheit oft ausgeklammert werden kann, wenn man will. Gus van Sant, der gerne zwischen den Welten von experimentellem Kunstfilm (Elephant) zu Mainstream (Good Will Hunting) und zurück wandert, brauchte offensichtlich wieder ein bisschen Geld für eines seiner persönlichen Projekte.
Ein unglaublicher Gedanke: dass während der ersten Vorführung dieses sentimentalen Heulers der Gus-van-Sant-Fan Michael Althen für immer einschlief. Er hätte uns bestimmt die Vorzüge des Films einleuchtend erklären können. Und weil ich vermute, dass er ihm gefallen hätte, bekommt der Film ein Ω, so wie alle folgenden Werke, die ich als „Althen-Filme“ verstanden habe. Ω

Labrador
(Frederikke Aspöck; Wettbewerb/außer Konkurrenz)
Ein Großstadt-Journalist und seine dralle, schwangere Freundin besuchen ihren eigentümlich eremitischen Vater auf einer winzigen skandinavischen Insel. So wie alle reden, gehört das Paar nicht zusammen. Die Missverständnisse, die durch die Dialoge entstehen, könnten lustig bzw. spannend sein, aber sie sind vor allem enervierend, weil man mit keinem dieser drei Menschen länger zu tun haben möchte als nötig. Dementsprechend sind selbst 75 Minuten Laufzeit zu viel, und deshalb ist Labrador der erste Film dieses Festivals, den ich vorzeitig verlasse. Ich werde es verkraften, wenn ich nie erfahre, ob der eigenbrötlerische Vater was mit dem Tod seiner Frau zu tun hatte. #

Polisse
(Maïwenn [Le Besco]; Wettbewerb)
Es kommt nicht oft vor, dass der beste Film des Festivals schon am zweiten Tag läuft. Aber dieses sensationelle Pariser Polizeidrama, über das hier lange berichtet wurde, hat das Zeug dazu. Ω

Habemus Papam
(Nanni Moretti; Wettbewerb)
Eine schwere Enttäuschung: Nanni Moretti hat soviel Respekt vor der katholischen Kirche, dass er keine Papst-Satire gedreht hat, sondern ein Krisendrama mit halbgaren satirischen Spitzen. Man muss schon ein verbohrter Katholik sein, um sich darüber zu echauffieren, dass einen gewählten Papst-Kandidaten (der 85-jährige Michel Piccoli) so starke Zweifel befallen, dass er sein Amt nicht antritt. Dann rückt Moretti als Psychiater an, der nichts bewegen kann; Margherita Buy bemüht sich ebenso erfolglos; im Vatikan wird Volleyball scheinbar stundenlang gespielt (also bitte!); vor den Toren stehen die Gläubigen wie Lämmer; und das war’s. Das ist nicht skandalös respektlos, sondern skandalös langweilig.

Margin Call
(J.C. Chandor; Markt)
Im Filmmarkt von Cannes kann man immer wieder schöne Entdeckungen machen – wenn man denn als Pressevertreter reingelassen wird. Nicht so dieses Jahr. Da gab es nichts, das verheißungsvoller klang als die Filme der Offiziellen Sektion(en), und das spricht nicht nur für die Qualität des Wettbewerbs. Immerhin kann man manchmal auch verpasste Filme nachholen. Dieser hochkarätig besetzte Finanzthriller (Kevin Spacey, Jeremy Irons, Paul Bettany, Demi Moore und der wunderbare Stanley Tucci), in dem es um die Nacht vor dem erdrutsch-artigen Einbruch an den Devisenmärkten geht, erlebte seine Premiere bei der Berlinale. Wer weiß, ob und wie er in die deutschen Kinos kommt. Der Trip lohnt sich. Dass es mein einziger Markt-Besuch des Festivals bleiben würde, ahnte ich da nicht.

Hearat Shulayim
(Die Fußnote; Joseph Cedar; Wettbewerb)
Manchmal hilft bei aufdringlichen Filmen nur die Flucht in den Schlaf. In dieser israelischen Satire streiten sich zwei pedantische Gelehrte um den Umgang mit der Geschichte ihres Landes, ihres Glaubens und der Wissenschaft. Sie tun es auf verbitterte Art, und alles wird verschärft durch die Tatsache, dass es sich um Vater und Sohn handelt. Der Film selbst setzt Ausrufezeichen mit der Optik und vor allem der Musik, die mitunter auf einen einkeilt, als wisse der Regisseur, dass manche Zuschauer sich in den Schlaf flüchten möchten. Dennoch: Man kann eine Menge gegen den Film sagen, aber wenigstens ist er konsequent. *

Pirates Of The Carribean: On Stranger Tides
(Rob Marshall; Wettbewerb/außer Konkurrenz)
Der vierte Teil der Fluch der Karibik-Reihe ist nichts weniger als eine Katastrophe: fad, unglaublich hölzern inszeniert und mit einer fatalen Gewichteverschiebung. Jack Sparrow mag zwar der Star der ersten drei Teile gewesen sein, aber in der Geschichte war er nur eine Nebenfigur. Es waren Elisabeth Swann (Keira Knightley) und Will Turner (Orlando Bloom), die die Filme antrieben – Sparrow war das bunte Beistück. Nun ist er die Kernfigur, und das bekommt dem Film gar nicht. Abgesehen davon funkt es zwischen Johnny Depp und Penélope Cruz in keiner Sekunde, ähnlich wie schon bei Depp und Angelina Jolie in The Tourist. Langsam scheint es an der Zeit zu sein, das Bild zu überdenken, das man von Johnny Depp hat. Vielleicht ist er doch ein Söldner (geworden); ein cleverer freilich, der es fertig gebracht hat, achtstellige Beträge abzukassieren und sich trotzdem wie ein sympathischer Außenseiter geriert.

Wu Xia
(Peter Ho-Sun Chan; Wettbewerb/außer Konkurrenz)
Martial Arts meets CSI. Ein logisch denkender Detektiv kommt einem ehemaligen Mörder auf die Spur. Der hatte sich von seinem Klan abgesetzt und sein Familienglück in einem kleinen Dorf gefunden. Selbst als er zwei gemeingefährliche Verbrecher außer Gefecht setzt, gibt er sich alle Mühe, unbeholfen und unwissend zu wirken. Aber dem hartnäckigen Ermittler kann er nichts vormachen. Das Tragische daran: Durch seine Erkenntnisse macht der Detektiv den verbrecherischen Klan auf den Abtrünnigen aufmerksam, was wiederum für heftige Kampfszenen sorgt. (Das erinnert natürlich sofort an David Cronenbergs A History Of Violence, der allerdings doch in einer ganz anderen Liga spielt.) Die Choreographien sind zum Teil atemberaubend, vor allem am Ende, wenn der Mobboss mit dem Körper Schwertstöße abfedert. Das macht es sogar wett, dass der Film weder menschlich noch mythologisch weit kommt.

Michael
(Markus Schleinzer; Wettbewerb)
Wie konnte Michael zum Päderasten werden? Falsche Frage, wird nicht beantwortet. Was treibt Michael an? Falsche Frage, wird nicht beantwortet. Was geschieht in seinem Keller? Unangenehme Frage. Der merklich von Ulrich Seidl (Hundstage) und Michael Haneke (71 Fragmente) beeinflusste Film will nicht werten, sondern beobachten. Die Frage ist, wer das sehen will.

Le Gamin Au Vélo
(Das Kind auf dem Fahrrad; Jean-Pierre & Luc Dardenne; Wettbewerb)
Es ist ja fast ein bisschen langweilig, die Dardenne-Brüder zu loben, aber was können sie denn dazu, dass sie einen bemerkenswerten Film nach dem anderen drehen? Nach Rosetta, Der Sohn, Das Kind und Lornas Schweigen folgt nun also diese Geschichte über einen etwa zehnjährigen Jungen, der von seinem egoistischen (und überforderten) Papa (Jérémie Renier) aufgegeben und von einer jungen, schönen Frau (Cécile de France) aufgenommen wird. Kann das gut gehen? Die Sorgen im Publikum wachsen, weil so etwas nur selten klappt, nicht im Leben und kaum häufiger im Kino, ganz zu schweigen vom europäischen Autoren-Kino. Aber die Dardenne-Brüder werden mit zunehmendem Alter immer hoffnungsvoller, wobei ihr Schluss gar nicht einmal unglaubwürdig ist. Was ihren Umgang mit Kindern betrifft, sind sie längst die legitimen Nachkommen von François Truffaut. Ω

The Artist
(Michel Hazanavicius; Wettbewerb)
Der Regisseur hat seine ersten Erfolge mit den bei uns quasi unbekannten OSS-Komödien gefeiert. Sie ermöglichten es ihm, in schwarz/weiß diese sehr schöne, im uralten 1,33:1-Format gedrehte Komödie über einen Stummfilmstar (herrlich: Jean Dujardin) zu produzieren, der den Wechsel zum Tonfilm verpasst (warum, das begreifen wir ganz am Ende) und in Armut zu versinken droht. Parallel dazu erfährt die einst von ihm geförderte Peppy (Bérénice Bejo) einen kometenhaften Aufstieg. The Artist erzählt nichts, was man nicht schon einmal gesehen hätte – aber er tut es auf eine unterhaltsame Art, die obendrein Menschen, die noch nie einen Stummfilmen gesehen haben, neugierig auf diese Form machen könnte.

Martha Marcy May Marlene
(Sean Durkin; Un Certain Regard)
Einer dieser unabhängig von Hollywood produzierten amerikanischen Indie-Filme, die froh sind, Fragen aufzuwerfen, ohne alle Antworten zu geben. Das kann aber auch zur Masche werden und zur Feigheit verleiten. Als Martha (Elisabeth Olsen, die kleinste der Olsen-Schwestern) bei ihrer Schwester auftaucht, ist sie ganz offensichtlich gezeichnet von den beiden Jahren, in denen sie verschwunden war. Wir sehen in Rückblenden, dass Martha bei einer Sekte mit einem scheinbar sanften, in Wahrheit übermächtigen Anführer (John Hawkes) untergekommen war. Aber was soll ihre schlecht informierte Schwester denken? Der Film deutet mehrere Lösungen und Nebenpfade an, die er dann aber doch nicht beschreitet. Das ist ok, aber es wirkt eben doch inkonsequent, dass er sich für nichts richtig entscheidet. *

Halt auf freier Strecke
(Andreas Dresen; Un Certain Regard)
In diesem Fall ist "schwer erträglich" ein großes Lob. Andreas Dresen erzählt die letzten Monate im Leben eines unheilbaren Krebspatienten (Milan Peschel) geraderaus, ohne Schönfärbereien oder Kompromisse. Ein Glück, dass dieser Film nicht am Todestag von Michael Althen vorgeführt wurde. Wenn man danach noch klar denken kann, fragt man sich, warum dieser Film nicht im Wettbewerb laufen durfte. Ω

Apollonide
(Bertrand Bonello; Wettbewerb)
Früher war alles besser. Zum Beispiel die Edelbordelle, wenn man diesem Film glauben darf, der in ein Pariser Etablissement gegen Ende des 19. Jahrhunderts eintaucht und nicht nur die Arbeit, sondern auch den Alltag von Prostituierten zeigt. Soso. Das ist längst nicht so schlecht, wie es während des Sehens wirkt. Aber es bedarf doch wohl eines Textes des ehemals ständigen SZ-Kritikers Hans Schifferle, um alle Vorzüge von „Apollonide“ zu begreifen. (In einem dieser Texte, die dann viel besser sind als der Film.) Immerhin weiß ich dank des internationalen Verleihtitels, dass der Puff im englischsprachigen Raum früher "House of Tolerance" hieß. Θ

The Tree Of Life
(Terrence Malick; Wettbewerb)
Psst, nicht weitersagen: Auch der neue Film von Terrence Malick (The New World), der seit Jahren, ach was: Jahrzehnten erwartet wurde, ist nicht unbedingt für jedermann. Ich habe höchsten Respekt vor den Versuchen des Regisseurs, die Schöpfungs- und Entwicklungsgeschichte der Menschheit zu erzählen und mit einer symbolischen Vater/Sohn-Geschichte (und der Präsenz von Brad Pitt) aufzupeppen. Die Schönheit der Aufnahmen ist überwältigend. Aber insgesamt lässt mich der Film kalt, und die schönen Naturaufnahmen erinnern mich an Koyaanisqatsi. Ω

Hors Satan
(Bruno Dumont; Un Certain Regard)
Der Filmschwurbler Bruno Dumont (L’humanité) ist ein Liebling der Auswahlleute von Cannes und ein chouchou von Michael Althen. Seine Filme sind oft fies bis zum Abwinken und verweisen stolz auf ihre untergründigen Ebenen. Hors Satan ist die Geschichte eines leicht verlottert wirkenden Einsiedlers mit interessanten Fähigkeiten. Er bringt in Nord-Belgien Menschen um, die es nicht besser verdient haben, exorziert ein junges Mädchen, rammt einer Tramperin mit der hässlichsten Achselbehaarung der Filmgeschichte sein Ding in den Unterleib, bis ihr Schaum (oder Samen?) aus dem Mund kommt, und am Ende hilft er einer jungen Frau, den Tod zu überwunden. Klingt nach Action, ist aber durchsetzt mit vielen Passagen, in denen Menschen einfach nur von Ort A zu Ort B gehen. Wer’s mag. Diesen Film nach The Tree of Life zu sehen, ist doppelt verstörend, weil der Lauf der Dinge, der bei Terrence Malick noch so schlüssig ausgesehen hatte, wieder auf den Kopf gestellt wird. *Ω

Les Impardonnables
(Denen man nicht vergibt; André Téchiné; Quinzaine des Réalisateurs)
André Téchiné, jahrelang ein Stammgast im Wettbewerb, muss beim Festivalleiter Thierry Frémaux in Ungnade gefallen sein. Wieso sonst lief dieses in Venedig spielende Ensemble-Stück nur in der 1969 geschaffenen Nebensektion "Quinzaine des Réalisateurs"? André Dussolier und die immer noch schöne Carole Bouquet spielen ein Paar, um das herum viele Nebengeschichten passieren, die der Regisseur fast mühelos miteinander verbindet. Kein ganz großer Wurf wie Les voleurs (1996), aber ein sehenswerter Téchiné. Ω

Le Havre
(Aki Kaurismäki; Wettbewerb)
Lichter der Vorstadt (2006) schien sogar die meisten Kaurismäki-Fans kalt gelassen zu haben, aber jetzt wird die Rückkehr des Finnen bejubelt, als hätte er das Kino neu erfunden. Die Geschichte vom gutherzigen Schuhputzer Marcel Marx (André Wilms), der einem schwarzen Flüchtlingsjungen bei der illegalen Weiterreise von Le Havre nach England helfen will, hat viele hübsche Momente. Kaurismäki spielt mit all den Klischees, die sich aus dieser Konstellation ergeben und reduziert wie immer alles aufs Wesentliche. Im Grunde erzählt er eine typische Hollywood-Geschichte so anti-hollywoodesk, dass es eine Unverfrorenheit ist, dass er damit durchkommt. Wie so oft, wenn ich so etwas sehe, frage ich mich, wie die Jubler reagiert hätten, wenn da nicht Aki Kaurismäki gestanden hätte, sondern zum Beispiel Tom Shadyac (Patch Adams)?

The Beaver
(Der Biber; Jodie Foster; Wettbewerb/außer Konkurrenz)
Mel Gibson spielt sich als depressiver Firmenchef, der mit Hilfe einer Biber-Puppe an der linken Hand ein spektakuläres Comeback feiert, die Seele aus dem Leib, während Jodie Foster in der Rolle seiner Frau so oft so besorgt guckt, dass man sich Sorgen um sie macht. So wie es aussieht, wird der Film dem in den USA umstrittenen Gibson nicht zum Comeback verhelfen. Er lag jahrelang auf Eis – so lange, dass Jennifer Lawrence (inzwischen Oscar-nominiert für Winter’s Bone) fast noch Babyspeck im Gesicht hat –, und jetzt liefert er in erster Linie eine neue Definition für den Begriff "Talk to the Hand".

Hanezu No Tsuki
(Naomi Kawase; Wettbewerb)
Immer wieder raunt eine Stimme, zwei Berge hätten um die Gunst eines dritten Bergs gebuhlt. Das sei seit Urzeiten so gewesen und auch bei Menschen zu beobachten. Dann erleben wir, wie eine Japanerin sich nicht zwischen zwei Männern entscheiden kann. Und wieder raunt die Stimme die Berge-Geschichte. Ich komme mir vor wie bei einer Hypnose, und immer, wenn ich nach kurzen, unruhigen Schlaf-Attacken wieder wach werde, prüfe ich zunächst einmal, ob mir in der Zwischenzeit jemand etwas geklaut hat. *

Belmondo, Itineraire
(Vincent Perrot; Hommage)
Unfasslich rührend: die Hommage an Jean-Paul Belmondo. 24 Weggefährten des 78-jährigen Schauspielers werden auf die Bühne gebeten, vom Regisseur Georges Lautner über die Kollegin Claudia Cardinale bis zum immer noch hyperagilen Jean Rochefort. Danach folgt ein ordentlicher Dokumentarfilm über seine imposante Karriere. Da wird mir noch einmal klar, dass Belmondo mich seit meiner Jugend begleitet hat, direkt nach Harold Lloyd und Louis de Funès, aber vor Terence Hill und Bud Spencer – und dass außer ihm nur Harold Lloyd haften geblieben ist. Schön, dass Cannes einem auch solche Erinnerungen schenkt. Ω

Melancholia
(Lars von Trier; Wettbewerb)
Behandelt man einen Provokateur zu gut, kommt der ins Grübeln. Und spannt den Bogen noch heftiger. Lars von Trier, dessen Weltuntergangsstück Melancholia in Cannes so freundlich, ja begeistert aufgenommen wurde wie lange nichts von ihm, hat den Bogen überspannt. Wieviel davon Absicht war, weiß er vermutlich selbst nicht. Ob Cannes auf die albernen Nazi-Anmerkungen übertrieben reagiert hat, sei dahingestellt. Tatsache ist, dass Trier nicht glaubwürdig klang, als er seine Nazi-Keule schwang (über seine "Endlösung"-Entgleisung gegen Journalisten und seine plumpen Spitzen gegen die Oscar-Gewinnerin Susanne Bier sprach dagegen fast niemand); und dass er erst wieder in seinem Element zu sein schien, als er vom Festival ausgeschlossen und zur "Persona non grata" erklärt worden war. Als sei er noch (oder schon wieder) ein Kind, das zeigen muss, dass es die größte Schaufel für den Sandkasten besitzt, warf der Däne gleich wieder mit Dreck um sich. Wem diese Muskelspiele am Ende mehr schaden werden, ist noch unklar. Im Grunde müsste Trier als Verlierer angesehen werden. Zumindest bis er mit einem seiner nächsten Filme in Berlin oder Venedig reüssiert und Cannes unerfreuliche Neuigkeiten verkünden muss.
Ach so, der Film... Ist gut (wenn auch nicht herausragend wie Breaking The Waves oder Dancer In The Dark), sieht höllisch gut aus, hat Spezialeffekte, die die meisten Amerikaner vor Neid erblassen lassen dürften. Trier setzt Kirsten Dunst mal in ein anderes Licht, und wieder einmal sind die Männer die Weicheier, inklusive Kiefer Sutherland als Ehemann von Charlotte Gainsbourg. Als Jack Bauer hätte er es jedenfalls nicht zugelassen, dass ein anderer Planet auf die Erde zurast. Mein Nachbar erinnert mich gleich an 24, als er eine von Sutherlands Lieblingsbemerkungen aus der unsterblichen TV-Serie zitiert: "We have to put up a perimeter!" Und ich ergänze: "Now!!" Ω

La Conquête
(Die Eroberung; Xavier Durringer; Wettbewerb/außer Konkurrenz)
Französische Politik als Kabarett, in dem eitle Männer alberne Machtkämpfe und Intrigen austragen. (Herrlich: Bernard Le Coq als Jacques Chirac.) Am Ende ist Nicolas Sarkozy Staatspräsident, aber ein geschlagener Mann, weil er es auf Kosten seiner Ehe und seiner Menschlichkeit geworden ist. Angeblich soll Sarkozy den Film mögen, was erstaunlich wäre, weil er wie eine kleine Wurst rüberkommt, fast so schlecht wie Villepin.

Oslo, 31. August
(Joachim Trier; Un Certain Regard)
Ein junger, intelligenter Däne, der wegen Drogensucht lange in Behandlung war, hat Freigang. Er begegnet in Oslo einigen alten Bekannten, von denen die meisten skeptisch bis ablehnend auf ihn reagieren, und macht neue Bekanntschaften, von denen einige vielversprechend wirken. Aber Anders ist nicht auf einen Neubeginn aus, sondern auf einen sauberen Abschluss. Wie jemand freiwillig aus dem Leben scheidet, obwohl er so viele Möglichkeiten hat, wurde im Kino selten so kühl und konzentriert gezeigt. In einigen Punkten ist der Film herausragend durchdacht, schon die Tonmischung ist außerordentlich. Ω

Loverboy
(Catalin Mitulesco; Un Certain Regard)
Ein junger, hübscher Rumäne lächelt junge Frauen an und bringt sie dazu, sich für ihn zu prostituieren und freiwillig ins Ausland verkaufen zu lassen. Das ist unabdingbar, damit er nicht wegen Anstiftung zur Prostitution belangt werden kann. Der Film guckt sich das ziemlich kühl an, und diese Distanz tut dem Film gut.

Ichimei
(Harakiri – Der Tod eines Samurais; Takashi Miike; Wettbewerb)
Ein doppelter Etikettenschwindel, wie man ihn nur selten erlebt. Wer ein paar der Filme von Takashi Miike kennt, ob nun Ichi, der Killer oder Gozu, der freute sich bei der Aussicht, einen Thriller von ihm im Wettbewerb zu erleben. Aber schon die Kombination Samurai/Harakiri hätte einem zu denken geben müssen. Dies ist ein ultralangsames Moralstück. Seufz! Erschwerend kommt hinzu, dass der Film in 3D präsentiert wurde, ohne dass irgendwas nach 3D aussehen würde. Einem Schneckenrennen beizuwohnen, wäre deutlich spannender gewesen.

La Piel Que Habito
(Die Haut, in der ich wohne; Pedro Almodóvar; Wettbewerb)
Ihre Haut ist unwirklich schön, das fällt spätestens beim zweiten Blick auf. Beim ersten registriert man natürlich zunächst den eigenwilligen Ganzkörperanzug, den Vera trägt: fleischfarben, mit auffällig dezenten Nähten, unterhalb des Busens, am Bauch, der Taille, den Beine, der Schamzone. Die Geschichte dieser schönen Erscheinung ist bewegt, aber wie bewegt, davon hat man keine Vorstellung, als Die Haut, in der ich wohne beginnt.
Pedro Almodóvars 19. Spielfilm ist ein Melodrama über unsterbliche, also gefährliche Liebe, Obsessionen und Anmaßung. Der brillante Chirurg Robert Ledgard (Antonio Banderas) hat eine ethisch diskutable Methode entwickelt, menschliche Gene und damit ihre Haut zu manipulieren. Während er in der Öffentlichkeit noch hypothetische Vorträge hält, hat der Witwer in Vera (Elena Anaya, die vor zehn Jahren in Lucía und der Sex eine tolle Nebenrolle hatte) den praktischen Beweis längst daheim. Aber warum hat er sie weggeschlossen?
Das wäre schon genügend Stoff für einen Film. Längst nicht genug für Almodóvar, der es darauf anlegt, die Filme von Alfred Hitchcock und Georges Franju (Augen ohne Gesicht) nicht bloß zu zitieren, sondern hinter sich zu lassen. Also kommen nach einer Weile Versuchung und Vergebung, Rache, Familiengeheimnisse und eine Entführung hinzu, aber nicht mit den Ergebnissen, die man erwarten könnte. Der spanische Exzentriker schreddert den Katalog der großen Kinogefühle mit Wonne; besser gesagt: Er setzt das Skalpell an und setzt die ganze Geschichte aus heiterem Himmel aus einer anderen Perspektive zusammen.
Bei den meisten Filmemachern würde ein Viertel der Emotionen und Kolportage-Elemente ausreichen, um das Werk rettungslos aus dem Gleichgewicht zu reißen. Aber Almodóvar, dem in seiner Vita große Gesten keineswegs fremd waren, bleibt im Gegenteil kühl. Mitunter wirkt sein Ansatz fast unterkühlt. Das führt dazu, dass man auf Distanz bleibt, zum Beispiel mehr als in seinem Meisterwerk Sprich mit ihr (2002). Aber vermutlich ist das die einzige Art, die Geschichte nicht ins Lächerliche abgleiten zu lassen. Und uns einzuladen zu einem dritten Blick. ΩΘ

L’Exercice De L'État
(Der Minister; Pierre Schoeller; Un Certain Regard)
Französische Politik als Alltagskrimi, ein Ensemble-Drama, wie es im Kino offenbar nur die Franzosen hinbekommen. Der Film verfolgt das Schaffen des Verkehrsministers (Olivier Gourmet), der mit normalen Rückschlägen und ekligen Intrigen fertig werden muss. Nichts davon ist nur annähernd so lustig wie in La conquête, aber L’Exercice de l’État ist auch nicht als Satire konzipiert, sondern fast wie ein Thriller. Außerdem gibt es einen Moment der brutalen Überraschung, wie man ihn sogar in Horrorfilmen nur noch selten erlebt. Ω

In Film Nist
(Dies ist kein Film; Jafar Panahi & Mojtaba Mirtahmasb)
Das Arbeitsverbot für den iranischen Filmemacher Jafar Panahi ist eine Schande. Gleichzeitig macht man sich im Westen wahrscheinlich falsche Vorstellungen über sein Dasein während des Hausarrests. Das ist zumindest die Folgerung aus der Dokumentation Dies ist kein Film, die auf einem USB-Stick aus Iran nach Cannes geschmuggelt wurde. Darin sieht man Panahi, wie er daheim ist, telefoniert, Projekte und/oder seinen Fall bespricht und filmt. Man sieht auch, dass der Hausarrest wohl nicht mit Strafen zu vergleichen ist, die man aus China kennt oder der ehemaligen Sowjetunion. Das ist kein Trost für Panahi, aber ein bisschen erleichtert nimmt man das schon zur Kenntnis. #

Il Était Une Fois ... Orange Mécanique
(Es war einmal „Uhrwerk Orange“; Antoine de Gaudemar; Cannes Classic)
Ein Dokumentarfilm über die Dreharbeiten zu Stanley Kubricks Uhrwerk Orange. Den Film kenne ich auswendig, und außerdem reden in diesem nicht einmal einstündigen Rückblick die Beteiligten (wie Hauptdarsteller Malcolm McDowell) frontal in die Kamera. Deshalb kann ich es verkraften, die Dokumentation in einem 20º-Winkel zur Leinwand zu sehen. Aber wie kann man auf diesen Sitzen ganze Filme ansehen?
Uhrwerk Orange selbst schenke ich mir, schließlich ist dies (neben den Monty-Python-Werken) einer der wenigen Fälle, in denen ich die deutsche Synchronisation (Dialogregie: Wolfgang Staudte) noch besser finde als das Original.

Drive
(Nicolas Winding Refn; Wettbewerb)
Dieser existentialistische Actionfilm erinnert zunächst einmal schmerzlich daran, dass keines der großen Festival zur richtigen Zeit Michael Mann oder Walter Hill eingeladen hat. Beide standen Pate für Nicolas Winding Refn, den Regisseur der Pusher-Trilogie, als es darum ging, die Geschichte eines Renn- und Stuntfahrers zu erzählen. Der Driver (Ryan Gosling) gerät unerwartet in einen kriminellen Strudel, weil er die neue Nachbarin (Carey Mulligan) toll findet. Als ihr Mann aus dem Gefängnis entlassen und zu einem weiteren Coup gezwungen wird, hilft unser wortkarger Held aus. Nur um festzustellen, wie mies es um die Moral des Mobs bestellt ist. Aber der Driver ist härter als seine Gegner. Der Film klingt nach einer idealen Mischung aus Thief (Mann) und Driver (Hill), aber irgendwann kommt er vom Weg ab und begeht Fehler, die nur Amateure unterlaufen. Schade um die tollen Ansätze. ΩΘ

This Must Be The Place
(Paolo Sorrentino; Wettbewerb)
Die ersten Momente sind furchteinflößend, die Erinnerung an I Am Sam kommt sofort wieder hoch. Der Gang gebeugt, das geschminkte Gesicht oft verdeckt von den Strähnen einer wüsten, tiefschwarzen Perücke, zieht Sean Penn mit hoher Stimme durch die ersten Szenen dieses Films, als werde er die Geschichte dominieren. Das passiert dann auch – aber wesentlich weniger penetrant als man glauben könnte. Paolo Sorrentino verlässt Dublin, wo Penn als ehemaliger Poprockstar seinen ehemaligen Starstatus pflegt, und bricht mit seinem Star zu einer Entdeckungsreise nach Amerika auf, geschickt untermalt von Songs vom Talking-Heads-Kopf David Byrne, an dem man wegen True Stories (1986) ohnehin denken muss. Nicht alles in This Must Be The Place ist wirklich gelungen, aber es ist schwer, sich dem Sog der Ereignisse zu entziehen. Ein echt seltsamer Film.

Hwanghae
(Der Mörder/Yellow Sea; Hong-jin Na; Un Certain Regard)
Der wildeste Film, den ich in Cannes gesehen habe: brutal, wüst, hemmungslos. Dem Regisseur Hong-jin Na gelingt es mühelos, seinen vergangenen Film, den kruden Polizei-Thriller The Chaser, in jeder Hinsicht zu überbieten. Ein verzweifelter, versoffener, hoch verschuldeter und offenbar von seiner Frau verlassener Taxifahrer erhält von einem proletigen Mobboss den Auftrag, im Niemandsland zwischen Süd- und Nordkorea sowie China einen Mann umzubringen. Der Mann stirbt, wenn auch nicht annähernd so wie geplant, und von jenem Moment an wird unser Held Gu-nam gejagt: von der Polizei sowie von zwei konkurrierenden Gangstergruppen, die sich irgendwann gegenseitig mit langen scharfen Messern und Beilen traktieren. Der schluffe Loser Gu-nam entwickelt dabei Nehmer- und Steherqualitäten, die an Bruce Willis in seinen besten Tagen erinnern.
Der Film läuft in einer Nebensektion, für die auch Eintrittskarten für die Bewohner von Cannes verlost werden. Ich sitze in einer Reihe mit zehn etwa 16-jährigen Schülerinnen, die merklich begeistert sind, dass sie in diesen Film durften. Aber die Gewalt des Films holt sie bald ein, und vor lauter Blut, herumfliegenden Fingern und anderen Körperteilen verbringen sie in der abschließenden Stunde die meiste Zeit damit, die Händen vor die eigenen Augen zu legen. *

Bir Zamanlar Anadolu'da
(Es war einmal in Anatolien; Nuri Bilge Ceylan; Wettbewerb)
Gegen Ende eines Festivals wird es für die Filme immer schwieriger. Das hat weniger mit einem Aufmerksamkeitsdefizit zu tun als mit einem Ungeduldssyndrom, das es nach zehn Tagen von Filmen verlangt, schnell zur Sache zu kommen. Insofern ist Bir Zamanlar Anadolu’da verheerend terminiert. Denn wie alle Filme von Nuri Bilge Ceylan (Jahreszeiten) lässt sich auch dieser unendlich viel Zeit, fast 160 Minuten sind angekündigt. Auf drei Autos verteilt, fahren Polizisten, Mordverdächtige, ein Arzt und ein Staatsanwalt durch die Nacht, auf der Suche nach jener Stelle, an der eine Leiche vergraben wurde. Eine Stunde lang findet die suchende Gruppe nichts. Dann legt sie eine Pause von einer halben Filmstunde ein. Als man dann am Morgen danach weitersucht, sagt der Täter endlich mit großer Bestimmtheit: "Hier ist es!" Und zur Erleichterung (fast) aller im Saal klatscht ein Zuschauer im Saal. Danach nimmt der Film seinen alten Trott wieder auf.
Die ganze Zeit überlege ich, was die Coen-Brüder aus diesem Stoff gemacht hätten. Sie mögen die Filme von Nuri Bilge Ceylan übrigens sehr. Immer noch unvergessen ist ihr Kurzfilm World Cinema“, in dem Josh Brolin als herber Cowboy in Jahreszeiten geht. #Ω

La Source Des Femmes
(Die Quelle der Frauen; Radu Mihaileanu; Wettbewerb)
Und dann stehen dem Kino auch profane Dinge im Weg: Koffer packen, Apartment aufräumen, den Kühlschrank etwas leerer essen. Nur im Ausnahmefall könnte ich La Source Des Femmes zu Ende sehen. Der Fall tritt fast ein. Die Geschichte handelt von einem kleinen islamischen Dorf, in dem die Frauen einen Sexstreik beginnen, weil die Männer sich weigern, ihnen bei der täglichen Arbeit zur Hand zu gehen. Die Botschaft ist absehbar, aber die Umsetzung bewegend. Fast widerwillig mache ich mich aus dem Staub. Aber andererseits: Was kann zum Abschluss eines Festivals schöner sein als das Gefühl, einen Film unbedingt noch zu Ende sehen zu müssen? #

#: vorzeitig verlassen
*: zum Teil verschlafen
Ω: Ein Film, der bestimmt Michael Althen gefallen hätte
Θ: Ein Film, den uns Hans Schifferle (noch besser) erklären muss

Robert De Niro und seine Jury haben ihre Preise vergeben. Wenn es nach mir gegangen wäre, hätte die Gewinner so geheißen:

Goldene Palme: Polisse (Maïwenn)
Großer Preis: „Le Gamin Au Vélo (Jean-Pierre & Luc Dardenne)
Regie: Terrence Malick (The Tree Of Life) [Im Grunde müsste aber auch dieser Preis an Maïwenn gehen]
Darsteller: Jean Dujardin (The Artist)
Darstellerin: Tilda Swinton (We Have To Talk About Kevin)
Sonderpreis für das Ensemble in Polisse
Drehbuch: La Piel Que Habito (Pedro Almodóvar)
Preis der Jury: Melancholia (Lars von Trier)

Simpler geordnet: die Top 7 des Festivals.
Polisse (Maïwenn)
Midnight In Paris (Woody Allen)
Le Gamin Au Vélo (Jean-Pierre & Luc Dardenne)
La Piel Que Habito (Pedro Almodóvar)
L’Exercice De L’État (Pierre Schoeller)
The Artist (Michel Hazanavicius)
La Source Des Femmes (Radu Mihaileanu)

Das war also die 64. Ausgabe des Filmfestivals von Cannes, ein eher überdurchschnittlicher Jahrgang. "Will you still need me / will you still feed me / when I’m sixty-four?" fragten einst die Beatles. Keine Frage. Wir brauchen es immer noch – und es füttert uns immer noch mit unvergesslichen Momenten und Filmen.

Ein irrer Spa�

Milan Pavlovic — 2011-05-18T15:17:00+01:00

Schikanen, Schwachsinn, schaukelnde Nymphen: Warum sich unser Autor Cannes zum 29. Mal antut (womit er zusammengerechnet ein Jahr seines Lebens in dieser Kleinstadt verbracht hat). Ein Fazit mit den besten und schlechtesten Filme des Jahres.

Ein Anruf aus der Heimat.
"Hast Du Robert De Niro gesehen?", lautet die erste Frage, und noch bevor ich antworten kann, fährt die Gesprächspartnerin fort: "Der war ganz gerührt, als sich im Palais das ganze Publikum für ihn erhob." Die Antwort lautet Nein, die Szene spielte sich bei der Eröffnungsgala von Cannes ab, zu der man hätte geladen sein müssen, um sie verfolgen zu können. "Aber Du bist doch in Cannes?!", lautet die nächste, eher rhetorische Frage, denn die Anruferin weiß, wo ich bin. "Ja“, entgegne ich trotzdem und füge hinzu: "Selbst wenn das hier im Fernsehen live übertragen worden wäre, hätte ich es nicht sehen können. Ich stand nämlich gerade vor einem anderen Kino an, um in einen Kunstfilm über eine Studentin zu gehen, die ihren Körper verkauft." Die Bemerkung dazu war fast absehbar: "Da hätte ich mir an deiner Stelle aber lieber Robert De Niro angesehen.“

Der Dialog passt prima zu einem der ältesten Vorurteile der Festivalgeschichte und dazu, wie sehr sich der Eindruck von diesem Festival in der Heimat von der Realität eines in Cannes arbeitenden Journalisten unterscheidet. Das Klischee sagt, dass man in praller Sonne Stars sieht und Spaß hat und irre Filme sieht. Das stimmt alles und könnte dennoch kaum weiter von der Realität entfernt sein, vergleichbar ungefähr mit der Distanz zwischen Nord- zu Südkorea.

Man sieht Filme, von denen viele so irre sind, dass nur wenige von ihnen in normalen Kinos rund um den Globus gezeigt werden. Man sieht auch die Stars, aber im Grunde aus noch größerer Ferne als sonst, und das ändert sich selbst dann nicht, wenn man sie in den berüchtigten Round-Table-Interviews trifft, bei denen fünf bis fünfzehn Reporter gefühlte fünf bis fünfzehn Minuten Zeit haben, um Fragen zu stellen – bevor manche von ihnen um Autogramme bitten. Und wenn abends der berühmte Gang über den Roten Teppich zur Gala ansteht, ist der professionelle Kinogänger laut Zeitplan aufgefordert, um die Ecke im Salle Debussy, dem zweitgrößten Kino der Stadt, die abendliche Pressevorführungen jenes Films zu besuchen, dessen Gala am nächsten Abend ansteht.

Zudem sind die meisten Teppichgänge, das muss endlich mal gesagt werden, längst nicht so aufregend wie man sich das wünschen würde. Idealerweise hätte man zwölf Oscar-Abende hintereinander. Aber in Wahrheit werden die Stufen zum Grand Auditorium Lumière zumeist von französischen Sternchen erklommen, deren Namen selbst Eingeweihten oft nicht bekannt sind. Immer wieder treten die Damen von L’Oréal an, darunter die stolze Jane Fonda. Und es kommt auch tatsächlich vor, dass Angelina Jolie auftaucht, um Brad Pitt zu begleiten. (Oder umgekehrt, so wie 2008, als Brad zu Ehren von Angelina anreiste.)

Die Diva fehlt
Aber es fehlt auch in diesem Jahr eine Konstante: eine große Diva, wie sie Emmanuelle Béart als Jury-Mitglied 2004 war; oder eine gnadenlose Selbstdarstellerin, wie sie 2002 bei praktisch jeder Gelegenheit perfekt von Sharon Stone verkörpert wurde. In diesem Jahr gibt es in der Jury zwei potentielle Kandidatinnen für die Rolle des Hinguckers. Martina Gusman ("Léonera“) ist freilich zu unbekannt. Und Uma Thurman ist zwar weiterhin ein Knockout. Aber erstens ist sie riesig – weshalb Jury-Präsident Robert De Niro so aussieht, als bräuchte er eine Leiter, um auf Augenhöhe mit seinem Co-Star aus "Mad Dog and Glory“ (1993) zu gelangen. Und zweitens ist sie ziemlich zurückhaltend. Das ist ein angenehmer Charakterzug, disqualifiziert sie allerdings für die Rolle der Selbstdarstellerin.

Der professionelle Festivalgast studiert derweil ohnehin nebenan das Programm des gleichen oder des folgenden Tages, immer auf der Suche nach der einen Entdeckung oder exklusiven Offenbarung. Man könnte sich auf die offiziellen Sektionen beschränken, das wären mehr Filme, als es irgendwer schaffen könnte. Aber das wäre ja weder gewagt noch abenteuerlich. Also sondieren viele die Listen der Marktvorführungen, die in den Kinos jenseits des roten Teppichs laufen. Einige von ihnen direkt unter oder über den illustren Sälen im Palais des Festivals; einige von ihnen in den eigens gebauten Riviera-Kinos hinter dem Palais des Festivals; und die meisten von ihnen mehrere Minuten entfernt in der Rue d’Antibes, die zugleich die wichtigste Shopping-Straße des Städtchens ist.

Es gibt mehr als genug Filme im Angebot: täglich mindestens zehn in den offiziellen Sektionen und weit über 150 im Markt. Darüber informieren täglich kostenlos vier ernstzunehmende dailies: die Branchenblätter Variety, The Hollywood Reporter, Screen International sowie – auf französisch – Le film français. Darin werden die neuesten Deals bekanntgegeben, ein paar Gerüchte gestreut und die neuen Filme rezensiert. In Screen und Le film français gibt es zum Abschluss eine täglich aktualisierte Liste mit Wertungen, über die selbst jene Kritiker diskutieren, die so etwas gerne als albern und unwürdig ablehnen.

Bevor es das Internet gab, erlebten diese Publikationen goldene Jahre. Einige Tagesausgaben waren in den 80er Jahren so dick, dass sie glatt als Mordwerkzeuge in Betracht gezogen werden mussten. Wenn man sie alle zusammen mitnahm, hatte man manchmal Angst, sich einen Bruch zu heben. Mittlerweile hat auch hier das Internet seine Spuren hinterlassen, und die Hefte sind deutlich dünner als noch vor zehn Jahren. (Inzwischen wird man ja auch per E-Mail mit "Breaking News“ über weitere Deals überhäuft.) Nach einer Woche und trotz aller Meldungen vom boomenden Markt sind die Dailies nun schon am Mittwoch wieder so dünn, dass sie nicht einmal mehr als Fächer taugen.

Die nervigsten Trends
Aber bis dahin gab es ohnehin zu blättern und zu sichten. Und zu kichern, über die neuen Trends. Vor zwei, drei Jahren wurde man mit Bollywood-Produktionen bombardiert. Das ist längst Vergangenheit. In diesem Jahr gibt es mehrere Trends, von denen deutsche Kinogänger hoffentlich nur wenige erleben müssen.

1. Es gibt so viele Animationsfilme wie noch nie. Bestimmt nur zufällig erinnern sie an "Rio“ ("Zambezia 3D“, "Leafie, a Hen into the Wild“) oder an "Drachenzähmen leicht gemacht“ ("Legends of Valhalla“) oder an "Findet Nemo“ ("Seafood“) oder an "Kungfu Panda“ ("Legend of a Rabbit 3D“, beworben mit der Zeile "This bunny doesn’t hop“). Hinzu kommen schauderhafte Plakate wie jene zu "Rorrim Bo & the Magic Goblet“, "Freddy Frogface 3D“ oder "Cucaracha“, natürlich ebenfalls in 3D.

2. 3D
Das enervierende neue Kinoformat gibt es auch jenseits von Animation für alles mögliche, sogar die Rückkehr von Softpornos ("Sex and Zen – Extreme Ecstasy“) erscheint lukrativ. Und wenn das nicht geht, dann kann man ja auch einfach nur alte Filme in 3D herausbringen ("Der Nussknacker“, "Battle Royale“).

(Foto: Schauspielerinnen von "Sex and Zen")

3. Asiatisches
Action, Horror, Kungfu. Komplett austauschbar. Kann jemand mit Bestimmtheit sagen, ob dieser oder jener Film nicht schon im vergangenen Jahr angeboten wurde?

4. Horrorfilme
Gehen ebenfalls immer. Und immer noch billiger. Die Top fünf der schlockigsten Ankündigungen: "The Toolbox Murders“ (Werbezeile: "If you can’t be something great, do something terrible"), "Snow Beast“ ("Bloodthirsty and hungry ... for humans!"), "The Howling Reborn“ ("When darkness falls, the moon will rise, and a legend will be reborn“), "Bong of the Dead“ ("There will be Bud!"), "Robin Hood – Ghosts of Sherwood in 3D“ (ganz ohne Zeile, aber mit einem Skelett als Robin Hood!?).

Was freilich schlimmer ist: Anzeigen für Filme, bei denen Menschen beteiligt sind, die man so nie sehen wollte, weil so der oft in jahrzehntelanger Arbeit erworbene Ruf gefährdet wird. Zum Beispiel die Komödie "The Big Wedding“, für die neben Vielfilmer Robert De Niro auch Katherine Heigl und Diane Keaton engagiert wurden. Klingt gar nicht so schlecht? Nun, die Produktion kommt aus dem Hause Nu Image/Millennium, das bislang kaum einen guten Film hervorgebracht hat. De Niros vergangene Nu-Image/Millennium-Produktion "Righteous Kill“ (Kurzer Prozess; 2008) brachte das Kunststück fertig, trotz der Beteiligung von De Niro und Al Pacino scheußlich missglückt zu sein. Weitere anstehende Geschenke von Nu Image/Millennium: "The Texas Chainsaw Massacre 3D“ (beworben mit der vielversprechenden Zeile: "Vom Produzenten von »Saw 3D: The Final Chapter«),"Hercules 3D“ (beworben mit: "Man. God. Hero.“)

Noch schauderhafter fiel das Wiedersehen mit anderen echt alten Bekannten aus, ob nun Rosanna Arquette ("Exodus Fall“), Christina Ricci ("War Flowers“), Heather Graham ("The Flying Machine“, selbstverständlich in 3D) oder dem Regisseur Roland Joffé, der vor 25 Jahren mit "The Mission“ (natürlich mit Robert De Niro) die Goldene Palme in Cannes gewann, nun aber bei einem Studio gelandet ist, das seinen neuen Kriegsfilm "There Be Dragons“ aussehen lässt wie ein Schülerprojekt. Man weiß, dass die Beteiligten für die nächste Zeit fürs Qualitätskino verloren sind, wenn sie in solchen Anzeigen (und solchen Filmen) auftauchen.

Manchmal hat man den Eindruck, irgendwer hätte sich einen teuren Scherz erlaubt und würde die Leser dabei filmen, wie ihnen bei manchen Ankündigen die Münder offenstehen. Unangefochtener Spitzenreiter der ersten Woche: das indische Drama "Dear Friend Hitler...“, das sehr lustig sein soll – allerdings vollkommen ungewollt.

Trotzdem fahndet man aus Tradition weiter, schließlich gab es hier über die Jahre genug Entdeckungen, selbst 2010 wurde man noch mit "Centurion“ belohnt. In den 70ern, als Mainstream-Filme wie "Pirates of the Caribbean 4“ noch nicht in der offiziellen Auswahl landeten, muss Cannes ein Eldorado gewesen sein.

In den 80ern, das weiß ich aus eigener Erfahrung, war es immer noch lohnenswert, nach Schätzen zu graben. In den 90ern begann die Ära, dass viele Filme schon vor Drehbeginn verkauft wurden und in Cannes immer weniger vorgeführt wurde. Und heutzutage ist das Angebot noch dünner. Man liest absurde Anreißer-Zeilen wie "The Shining meets a Vittorio de Sica film“ oder "Run Lola Run [Lola rennt] meets Taken“. Inhaltsangaben wie "Two Lost Souls meet and connect in ...“ kommen mit unterschiedlichen Städte- oder Ländernamen jährlich mehrmals vor, und auch hier wird man das Gefühl nicht los, dass man mitunter gerade veralbert wird. Zum Film "Bonsai“ heißt es zum Beispiel: "At the end of this film, Emilia dies and Julio remains alone. Actually, Julio had remained alone several years before Emilia’s death. What matters is at the end, Emilia dies and Julio does not die. Julio lives and Emilia does not live. The rest is fiction.“

Noch jemand Lust auf Kino?
Die französischen Organisatoren und Ordner lassen nichts unversucht, sie einem zu nehmen mit ihren Regeln und Vorschriften, die gerne von heute auf morgen, ach was: von einer Vorstellung zur nächsten geändert werden. Wer, wann, wo rein, sitzen und raus darf, ist je nach Uhrzeit unterschiedlich. Wenn man tatsächlich mal in eine Nachmittagsvorstellung ins Grand Auditorium Lumière muss, weil der Film nur dann und dort gezeigt wird, der muss eine absurde Reihe von Kontrollen und Umwegen in Kauf nehmen, die Zeit und Nerven kosten.

Da in diesem Jahr wegen des Internets und der Invasion der Blogger wieder mehr Journalisten akkreditiert wurden, sind die Säle wieder voller als in den vergangenen Jahren. Bei "The Tree of Life“ war der untere Teil im gut 2500 Menschen fassenden Lumière bereits 35 Minuten vor Beginn voll, bei der bezaubernden Hommage an Jean-Paul Belmondo bekam man 30 Minuten vor dem angekündigten Eintreffen der Stars keinen Platz mehr.

Dementsprechend früh muss man da sein, um einen guten Platz zu bekommen und nicht durch die Reihen laufen zu müssen mit den Fragen "Ist der Platz frei?“ oder "Ist der Platz reserviert?“, was je nach Fragestellung gerne zu Missverständnissen und unwirsch geführten Dialogen führt. Wer nun auch noch das Pech hat, nicht zu den drei brauchbaren Kategorien zu gehören – wer also nicht weiß, rosa mit Punkt oder rosa hat, sondern blau, gelb oder bräunlich –, der verbringt täglich fast soviel Zeit in Warteschlangen wie im Kino.

In diesem Jahr ist als neue Schikane verfügt worden, dass man keine eigenen Wasserflaschen mehr in die Kinos mitbringen kann. Das ist eigentlich eine Petitesse, ist aber nicht sehr erquicklich, wenn man von morgens von acht bis sechzehn Uhr im Kino sitzt oder vor dem nächsten Film ansteht. Abgesehen davon hat die Maßnahme nichts mit Terrorgefahren zu tun – sondern bloß damit, dass die Veranstalter keine Lust mehr haben, den Saal zwischen den Vorführungen groß aufzuräumen. Das ist nachvollziehbar, aber irgendwie unmenschlich.

Und was kommt nach dem Kino?
Wenn man Lust, Kraft und die passenden Einladungen hat, kann es jeden Abend abgehen. Ich habe meistens nichts davon, sondern lese lieber ein paar Tage später beschwingt, was es alles für tolle Parties gab. In diesem Mai klang bisher am spannendsten, was Canal+ zu bieten hatte. (Das ist ein Pay-TV-Sender, wie es in Deutschland Sky gerne wäre – mit dem sanften Unterschied, dass das französische Kinowesen ohne die Beteiligung von Canal+ längst nicht mal mehr die Hälfte wert wäre.) Die Canal+-Fete fand auf den Hügeln oberhalb von Cannes statt, mit einem hinreißenden Blick auf die Stadt, Bedienungen in Black-Swan-Kostümen sowie einer halbnackten Nymphe, die auf einer Schaukel über den Gästen schwebte und diese sanft mit Blumen bewarf.

Beschreibungen und Fotos zu dieser Party waren atemberaubend. Worüber allerdings gerne geschwiegen wird, ist der abenteuerlich komplizierte Rückweg nach Cannes, was ja insofern ein Problem darstellt, da um 8.30 Uhr morgens der erste Film ansteht, der zumeist der wichtigste des Tages ist. Und da in diesem Jahr wegen des Internets und der Invasion der Blogger wieder mehr Journalisten akkreditiert wurden ... ach so, das hatten wir ja schon. Es ist ein Teufelskreis, elf Tage lang.

Warum ich mir Cannes trotzdem zum 29. Mal antue
(... womit ich zusammengerechnet ein Jahr meines Lebens in dieser Kleinstadt verbracht habe), ist eine naheliegende Frage. Man kann Cannes zugleich lieben und hassen. Mehr aber noch lieben. Denn nirgendwo sonst auf der Welt kann man bei ähnlich sonnigen Rahmenbedigungen annähernd so viele interessante Filme am Stück sehen und in einem vergleichbaren Zusammenhang erleben. Es wirkt dann irgendwann nicht mehr wie ein Zufall, wenn morgens zunächst Terrence Malicks Schöpfungswerk "The Tree of Life“ gezeigt wird und danach Bruno Dumonts abseitiger "Outside Satan“. Wenn die komplett unterschiedlichen Paris-Filme "Midnight in Paris“ und "Polisse“ nahe zueinander terminiert werden. Wenn man aus dem Kindererziehungsdrama "We Need to Talk about Kevin“ herauskommt und das Pädophilendrama "Michael“ ansteht. Wenn sich das Thema der Vater/Sohn-Problematik wie ein Roter Faden durch eine Reihe von Wettbewerbsfilmen zieht. Wenn man Zeuge einer Hommage an Jean-Paul Belmondo wird.

Und außerdem gilt: Wenn die Franzosen soviele herausragende neue Filme liefern wie in diesem Jahr (auf "Polisse“ folgten noch der Stummfilm "The Artist“ sowie "Denen man nicht verzeiht“, der neue Film von André Téchiné; obendrein lief in französischer Sprache noch "Der Junge auf dem Fahrrad“ von den belgischen Dardenne-Brüdern), dann vergibt man ihnen alle Schikanen. Na ja, fast alle.

Aber es war ein Smartphone!

Milan Pavlovic — 2011-05-14T09:38:00+01:00

Filmfestspiele in Cannes, Eintrag 2: Ein französischer Polizeifilm begeistert unseren Autoren Milan Pavlovic und veranlasst ihn zu einer ungewöhnlichen Tat.

(Maïwenn Le Besco von Polisse auf dem roten Teppich)

Manche Dinge passieren einem während der Filmfestspiele von Cannes alljährlich mehrmals; zum Beispiel dass man von französischen Ordnern und/oder Obern wie debiles Kleinvieh behandelt wird, für das sogar Rindertreiber zu gut wären. Manches dagegen passiert so gut wie nie. Vor exakt einem Vierteljahrhundert hatte ich mir zuletzt einen Film gleich zweimal an einem Tag angesehen. Wer macht so etwas schon noch? Doch dann kam Polisse.

Wie so oft in solchen Fällen waren die Erwartungen vorher nicht übermächtig. Es war zu hören gewesen, dass der Film vom Alltag einer Pariser Jugendschutzbrigade handele und vermutlich nur deshalb im Wettbewerb gelandet sei, weil die Regisseurin Maïwenn einst mit dem mächtigen Filmschaffenden Luc Besson (Nikita, Das fünfte Element) liiert war, hübsch ist und ein paar bekannte französische Gesichter versammeln konnte. Das Gerücht, dies sei ein Werk vom Regisseur, der „den Film mit den Wassermelonen“ gedreht habe, konnte vorab aus der Welt geschafft werden, schließlich ist Luc Besson weder schwul noch mit einem Mann verheiratet, und den Melonenfilm The Wayward Cloud hat Tsai Ming-Liang inszeniert.

Was sich erst bei der Ansicht von Polisse als Ente herausstellte, war die Vorab-Klassifizierung, es handele sich um eine Sozialsatire. Hier werden Zustände nicht ironisch überspitzt, niemand erhebt sich über andere oder belustigt sich auf Kosten anderer, weil er es besser weiß. Die Geschichte spielt dort in Paris, wo es zumeist ungemütlich ist: wo Pädophile sich an (ihren) Kindern vergreifen und Frauen ihre Söhne bei der Polizei abgeben wollen, weil sie sie nicht mehr ernähren oder von der Straße weghalten können; diese Welt wird bevölkert von Männern, die ihre minderjährigen Verwandten zu Straftaten nötigen und von drogenabhängigen Müttern, die ihre Babys entführen.

Klingt zunächst nach einer Menge Klischees, aber der Film – quasi ein ultrarealistisches Gegenstück zu Woody Allens verträumtem Eröffnungsfilm Midnight in Paris – stürzt sich ungeschützt und voll auf Augenhöhe mit den Protagonisten in den Alltag. Polisse komprimiert das, was andere in eine komplette Staffel einer TV-Serie à la The Wire oder The Shield packen würden, auf etwas über zwei Stunden. Und als wäre diese Leistung nicht hoch genug einzuschätzen, gelingt es der gelernten Schauspielerin Maïwenn, jedem aus ihrem gut ein Dutzend Charaktere umfassenden Personal eigenständige Merkmale zu verleihen, die jeder Episode Tiefe verleihen.

Im ersten Moment könnte man glauben, dies sei eine lose aneinandergereihte Sammlung brillanter Szenen. Aber Polisse ist weit mehr als das. Als wir den Film verließen – aufgerüttelt, animiert, hungrig –, brachen wir zu fünft auf zu einem Abendessen in Gedenken an den am Vormittag verstorbenen Autor und Freund Michael Althen. Dort erzählten wir dem Kollegen Kniebe, der nicht ins Kino hatte gehen können, von dem Film und wie gut er Michael Althen wahrscheinlich gefallen hätte. Althen liebte ja unter anderem französische Filme, aufregende Frauen, Autorenwerke und Action – und Polisse hat all das im Überfluss zu bieten. Wir erzählten einzelne Szenen nach und begeisterten uns, unisono wie selten, über die Härte, den Witz, die Schärfe, die oft schockierenden Details und die pointierten Dialoge.

Wir erzählten: von der redseligen Ermittlerin im Team (Karin Viard), die mitten während des Scheidungstermins zu ihrem untreuen Mann geht, sich vorbeugt und einmal tief in seinem Nacken einatmet; wie eine Pariserin ganz erstaunt reagiert, als man ihr erklärt, dass es sexueller Missbrauch ist, wenn man dem einjährigen Sohn einen runterholt, damit er Ruhe gibt; wie der Intellektuelle der Brigade kurz mal so redet wie die Leute um ihn herum; wie die Muslimin des Ermittlungsteams einen engstirnigen Landsmann anbrüllt, er möge ihr die Stellen im Koran zeigen, an denen die Unterdrückung der Frauen verlangt werde; wie die junge Frau (Maïwenn), die den Alltag der Brigade in einer Reihe von Fotos festhalten soll, einmal am Schießstand zwei Schüsse abgeben darf und danach so angespannt ist, dass sie die Waffe kaum mehr loslassen kann; wie ein reicher Geschäftsmann all seine perversen Phantasien und Taten offenbart, weil er weiß, dass er unantastbar ist; wie zwei langjährige Kolleginnen all jene über Jahre aufgestauten Sachen rausschreien; wie eine Schülerin erzählt, man habe ihr das Handy nur unter der Bedingung zurückgegeben, dass sie drei Jungs einen blasen würde – und auf die entgeistert-belustigten Bemerkungen erwidert: "Aber es war ein Smartphone!"

Während wir all das erzählten, reifte der Entschluss, den Film in der späten Wiederholung noch einmal anzugucken. Und siehe da: Erst beim zweiten Mal fiel richtig auf, wie konzentriert und genau abgestimmt die scheinbar lose Szenenfolge war.

Polisse wird hoffentlich bald auch in deutschen Kinos für Diskussionsstoff sorgen. In Cannes hat er mehr als entschädigt für all die Enttäuschungen, die sich nach dem schönen Eröffnungsfilm aufgetürmt hatten: We Need to talk about Kevin mit Tilda Swinton, eine überambitioniert zersplitterte "Warum ist mein Sohn ein Amokläufer?“-Geschichte, die leider eher wie "Das Omen, Teil 7“ funktionierte; "Habemus Papam“, Nanni Morettis zahmer Papstfilm, der höchstens verbohrte Katholiken schockieren dürfte und für alle anderen halbwegs normalen Menschen gnadenlos ins Leere läuft; und nicht zuletzt Gus van Sants Teenager-Krebs-Romanze Restless, die trotz der Hauptdarstellerin Mia Wasikowska (The Kids Are All Right) mehr wie Patch Adams 2 wirkte – und uns am diesem Tag besonders unpassend vorkam.

Michael Althen hätte wahrscheinlich trotzdem ein paar nette Worte für Gus van Sant und Tilda Swinton gefunden. Deshalb: Nichts Schlechtes über tote Filme, sondern nur Entzückung über Polisse.