Fabio Piras, 56, Direktor Masterstudiengang Mode
Fabio Piras in seinem Büro. Zu seiner Linken hängt auch ein kleines Foto von Louise Wilson.
Das große Finale eines Masterstudiums Mode am Central Saint Martins bildet die Abschluss-Show im Rahmen der London Fashion Week. Bei Ihnen studieren 38 Menschen, aber nur 21 dürfen ihre Kollektion dort zeigen. Warum?
Die Show ist nicht nur die Abschlusspräsentation eines Colleges. Die Show des Masterstudiengangs Mode ist ein Statement, das wir als Designhaus abgeben.
Wie meinen Sie das, »als Designhaus«?
Wir führen diesen Studiengang wie ein Haute-Couture-Atelier, mit dem gleichen Grad an Professionalität, den künftige Arbeitgeber von unseren Studierenden erwarten. Deshalb müssen ihre Kollektionen mit den Kollektionen während der London Fashion Week mithalten können. Das ist ein sehr hohes Level, und nicht alle Studierende erreichen dieses Level – auch nicht alle, die gut sind.
Die Studierenden arbeiten zwei Jahre lang auf diese Show hin. Wird für manche von ihnen nicht eine Welt zusammenbrechen?
Ich hoffe nicht, dass für sie eine Welt zusammenbricht. Einige werden enttäuscht sein, weil die Show eine gute Chance für sie wäre, sich zum ersten Mal der Welt zu präsentieren. Aber es gibt auch andere Wege, sich bekannt zu machen. Und wenn wir nicht so streng wären, dann wäre dieser Studiengang nicht so erfolgreich.
Richtig berühmt gemacht hat diesen Kurs Ihre Vorgängerin Louise Wilson, unter der viele später bekannte Designer wie Alexander McQueen studiert haben und die sich selbst einmal als »rude and bossy bitch« (unhöfliche und herrische Zicke) beschrieb. 2014 starb Wilson mit 52 Jahren an Krebs. Sie übernahmen, nach 20 Jahren in ihrem Team. Was haben Sie von Wilson gelernt?
Ehrlich zu sein. In diesem Job gibt es keinen Platz für Verlogenheit, weil man damit das Spiel verfälscht. Ein Mindestmaß an Höflichkeit, das Louise nicht immer hatte, gehört für mich auch dazu. Zur Ehrlichkeit kommt Großzügigkeit. Einige Studierende haben ein Talent, das ich nie hatte. Sobald mir das ein schlechtes Gefühl bereitet, bin ich nicht mehr richtig hier. Und ich habe von Louise gelernt, meinen Studierenden absolut verpflichtet zu sein. Wenn ich mit ihnen über ihre Kollektionen spreche, zählt nichts anderes auf der Welt.
Woran liegt es, dass dieser Studiengang seit mehr als 30 Jahren erfolgreiche Modedesignerinnen und Modedesigner hervorbringt?
Weil wir unseren Studierenden nicht beibringen, Kleider zu entwerfen. Das lernen sie vorher. Wir bereiten sie darauf vor, Kreativdirektorinnen oder Chefdesigner zu werden. Und das fängt bei der Kreativdirektion für die eigene Abschlusskollektion an. Wir treiben sie dazu an, eine eigene Identität zu entwickeln.
Wie unterrichten Sie das?
Indem mein Team und ich uns bis zur Erschöpfung den Studierenden und ihren Ideen widmen. Ich unterrichte nicht Mode, ich diskutiere Mode. In diesem Kurs geht es darum, Individuen auszubilden, die in der Lage sind, eigene gut informierte Entscheidungen zu treffen und zu ihnen zu stehen. Menschen, die resilient sind und somit in der Lage, die Modeindustrie nicht nur zu kritisieren, sondern sie in den entscheidenen Momenten auch zu verändern. Denn einige von ihnen werden einmal sehr viel Macht haben.
Adam Borchorst Faurschou, 19, aus Holstebro, Dänemark, studiert Mode und Textil (Foundation): »Ich habe mich am Central Saint Martins beworben, weil die Uni anbietet, die Foundation, also das Einführungsstudium, zu bezahlen, wenn man noch nicht 19 ist. Du musst dich mit einer Mappe bewerben. Ich habe keine Ahnung, warum sie mich genommen haben. Ich wusste vorher, dass die Leute hier viel arbeiten. Aber wie viel, das hat mich dann doch erschreckt. Alle sind sehr ehrgeizig. In einem Monat haben wir unsere Präsentationen, dann wird entschieden, wer in den Bachelorstudiengang Modedesign kommt. Es ist seltsam zu wissen, dass wir in unserer Klasse dann alle gegeneinander antreten. Es kann schon stressig werden, aber wir tragen alle die Telefonnummer des Mental-Health-Teams mit uns herum. Wenn wir den Druck nicht aushalten, können wir dort um Hilfe bitten.«
Simon Grancher, 19, aus Ry, Frankreich, studiert Performance Design and Practice (B.A.): »Ry ist ein winziger Ort in der Normandie, der Roman Madame Bovary spielt dort, der Autor Gustave Flaubert hat selbst eine Weile dort gelebt. Auf der Modeschule in Paris fing ich an, mich für Musik und Performance zu begeistern. Ich fand heraus, dass es nur einen Kurs in Europa gibt, der beides vereint – ›Performance Design and Practice‹ an dieser Uni. Wir sind Performer und Art-Direktoren zugleich. Wir kooperieren mit anderen Bereichen, es ist verrückt, was es hier für Kurse gibt, Applied Imagination, keine Ahnung, was das ist. Neulich sollten wir wegen der Klimakatastrophe etwas über Natur machen. Das klingt vielleicht banal, aber ich war ein Baum und sollte in Interaktion mit Passanten treten, das ist nicht leicht und ein wichtiger Aspekt der Performance. Ich ging extrem langsam, und wenn jemand mit mir, der personifizierten Natur, kommunizierte, bekam er einen Mini-Kiefernzapfen. Das war alles sehr symbolisch. London ist für eine Disziplin wie Performance besser geeignet als Paris. Paris ist eitel, prätentiös, unzugänglich. London ist divers, offen, und man findet jeden Tag alle möglichen Veranstaltungen, die einen interessieren.«
Nicole Zisman, 24, aus Los Angeles, USA, hat seit 2019 ihren Bachelor in Modedesign (B.A.): »Diese Kleidungsstücke vermeiden, Kleidung zu sein. Meine Kollektion soll an vergängliche Mode- oder Stylingprozesse erinnern und bringt sie durch den Einsatz von Drucktechniken neu zum Leben.«
Aramatou Toure, 30, von der Elfenbeinküste, studiert Textildesign (B.A.): »Ich bin jetzt mehr als zehn Jahre in London. Als ich ankam, konnte ich kein Wort Englisch. Es war keine leichte Reise nach England, und ich möchte nicht darüber sprechen. Die Idee zu studieren kam erst hier auf, Bildung war ein neues Konzept für mich. Meine Lehrerin am College, an dem ich Englisch gelernt habe, hat mich bestärkt, in die künstlerische Richtung zu gehen. Ich habe mich für die Weberei entschieden, als wir uns spezialisiert haben. Meine Themen sind die Natur und der Müll. Die Lehrer hier sehen, wenn du es dir zu bequem machst, und holen dich immer wieder aus deiner Komfortzone heraus. Ich weiß, dass noch einiges auf mich zukommt, aber ich kann sagen: Wenn ich es schaffe, kann es jeder schaffen. Toll ist, dass die Schule so divers ist. Ich trage meine Haare so, weil sie mich daran erinnern, wer ich bin. Woher ich komme. Wenn ich gemodelt habe, haben sie mir eine Perücke aufgesetzt oder mir geraten, ich soll sie abschneiden, man könne nichts damit machen. Nur hier an der Uni ist es okay für die Leute, wie ich meine Haare habe.«
Jack Sommerville, 21, aus Haworth, Yorkshire, studiert Kunst (B.A.): »Ich glaube, dass ich eigentlich nicht an eine Universität passe. Gleichzeitig finde ich gut, wie sie diesen Kurs hier machen. Sie lassen uns malen, ab und zu gibt es Feedback, aber wir sind zu 90 Prozent auf uns selber angewiesen. Ich wünsche mir ehrlicheres, brutaleres Feedback. In der Mode haben sie Kameras, sie nehmen den ganzen Tag auf, was in den Ateliers passiert, und wenn einer sich bei einem anderen Rat holt, fragen die Lehrer nach. Das hört sich grausam an, aber sie wollen dich nicht kaputt machen, sie wollen dich vorbereiten. Dich in deiner Position stärken. Du sollst dich nicht entschuldigen, sondern erklären, warum du Hilfe gebraucht hast. Gerade läuft eine Ausstellung in einer Galerie, The Locked Room. Sie zeigt, wie Studierende 1969 einen ganzen Tag in einen Raum eingeschlossen wurden mit zum Beispiel Styropor als Material, sie durften zum Essen raus und auf die Toilette, aber nicht miteinander reden, auch nicht mit den Lehrern. Am Ende haben sie Kunst hervorgebracht. Richard Deacon war Teil der Klasse damals, das war radikal, und ich wünschte, sie würden so etwas noch hier machen.«
Kit Ondaatje Rolls, 22, aus London, studiert Biodesign (M.A.): »Nach meinem Einführungsstudium in Kunst habe ich in Edinburgh drei Jahre Umweltsoziologie und Sozialanthropologie studiert. Dann hat mir jemand von ›Material Futures‹ am Central Saint Martins erzählt, und mir war klar, wo ich hinwill. Wir kooperieren mit der Natur. Mit Mikroorganismen, ich habe zu Hause alles voller Pilze, im Wesentlichen versuche ich, bestimmte Stämme selektiv zu züchten, um neue Materialien aufzubauen. Man muss geduldig sein. Im Bio-Labor fangen wir gerade ein Algenprojekt an. Es ist sehr wissenschaftlich, und man kann in alle Richtungen denken: Architektur, Mode, Nahrung. Wir müssen alle Verfahren und Variablen gründlich dokumentieren, denn bei Mikroorganismen weiß man nie ganz, wie das Experiment ausgeht! Mein Traum ist es, Materialien zu erfinden, die selbstheilend sind, wie die Haut. Man schneidet hinein, die Oberfläche repariert sich selbst. Ein Kratzer in der Farbe schließt sich wieder. Mit diesen Materialien eine Stadt bauen – das würde alles verändern. Die Objekte würden sich bewegen, atmen: Das würde die Dichotomie von Leben und Nicht-Leben verändern. Dann würden wir vielleicht endlich den inhärenten Wert von nichtmenschlichen Wesen erkennen.«
Valerie Epping, 27, aus Hamburg, studiert Material Futures (M.A.): »Ich habe in Paris Modedesign und Schnittkonstruktion studiert, zusätzlich einen Bachelor in Innovation in Modeunternehmen. In meiner Arbeit ging es darum, dass Unternehmen ihren Verschnitt untereinander austauschen. Der Verschnitt eines großen Unternehmens kann bei einem kleinen für eine ganze Kollektion reichen. Dieser Master hier entpuppt sich aber als konzeptioneller, als ich dachte, man muss sich alles selber zusammensuchen. Am Anfang schwimmt man ein bisschen. Eine Erkenntnis habe ich schnell gewonnen: nicht zu viel Zeit in der Bibliothek verbringen. Man muss raus, in die Realität, mit Leuten sprechen. Man soll kein Resultat vor Augen haben, keine Kontrolle haben wollen, sondern offen sein für alles. Der Bachelor in Frankreich war das Gegenteil, sehr verschult. Da war auch die Konkurrenz viel größer, weil man die einzelnen Projekte vergleichen konnte. Das ist hier nicht so. Man ist eher neugierig auf das, was der andere tut. Und man lernt viel von den anderen. Wir suchen nach dem Medium für eine Nachricht, nach dem Ausdruck, wie in der Kunst. Das kann nah an der Industrie sein, vor drei Jahren hat eine Studierende untersucht, wie die Regierung in Korea mit Säure im Regen umgeht. Daraufhin hat sie eine Textilie entwickelt, die den pH-Wert im Regen anzeigt, und daraus Regenmäntel gemacht. Eine aus meiner Klasse hat eine Antwort auf ein englisches Gesetz gesucht, das besagt, ein Körperteil, das man verliert, gehört einem nicht mehr. Alexander McQueen hat ja anfangs Haare in einem kleinen Plastikbeutel in seine Kleidungsstücke eingenäht. Sie hat aus Alexander McQueens DNA Fleisch wachsen und aus dem Leder dieses Fleischs eine Jacke und eine Tasche machen lassen.«
Ellie Byrne, 20, von der Isle of Man, studiert Textildesign (B.A.): »Ich habe mich auf Strick spezialisiert. Wir können wählen, ob wir am Ende ein Kunstobjekt, Inneneinrichtung oder Mode aus unserem Stoff herstellen. Zuletzt habe ich Unterwäsche aus Strick und Spitze gemacht, der Arbeitstitel war ›Fluktuation‹. Ich komme von einer Insel zwischen England und Irland, einer sehr kleinen Insel, es regnet immer, und man hört das Meer in dem Haus, in dem ich aufgewachsen bin. Die Regierung der Isle of Man hat als Erste der Welt das Wahlrecht für Frauen eingeführt, aber jetzt erst Abtreibung und die gleichgeschlechtliche Ehe erlaubt. Viele an der Uni kommen vom Land, wir alle hatten den großen Traum London. Das Studium ist so anstrengend, dass ich glaube, so möchte ich nicht immer weitermachen. Wenn man eine Deadline hat, kommt man spätestens um zehn und geht um Mitternacht. Und nicht nur die Uni ist krass, auch London. Anfangs fand ich es so laut! Und wenn man nicht so viel Geld von zu Hause hat, muss man am Wochenende auch arbeiten. Ich habe in einer Bar gekellnert, aber gerade schaffe ich das nicht.«
Nancy Nicholls, 19, aus Manchester, studiert Textildesign (B.A.): »Ich hatte bisher nicht viel mit Stoffen zu tun. Im ersten Jahr geht es ums Experimentieren. Neulich sollten wir darüber nachdenken, was wir beim Anblick zerbrochener Tontöpfe fühlen, und etwas zeichnen, angeregt von den Silhouetten, dann haben wir aus unseren Ergebnissen eine Skulptur gemacht.«
Finn Smith Ogg, 20, aus Newcastle, studiert Kunst (B.A.): »Ich male gerade abstrakt, in Öl. Aber ich möchte in die Skulpturenklasse wechseln. Wichtiger Teil unseres Studiums ist, unsere Ideen zu formulieren. Es ist nicht damit getan zu sagen, das habe ich einfach so gemacht. Es kann einen sehr nervös machen, dass man hier von so vielen tollen Leuten umgeben ist.«
Vasilisa Petrova, 19, aus Moskau, Russland, studiert Kommunikationsdesign (B.A.): »Man muss sich hier selber pushen. Du musst der Schule was geben, um etwas zurückzubekommen. Niemand sagt dir, was du tun sollst. Das musst du selber herausfinden.«
Jegor Pister, 26, aus Schorndorf bei Stuttgart, studiert Mode (M.A.)
Jegor Pister mit Model Nina Kunzendorf.
Sie hatten gerade mit Ihrer Abschlusskollektion den letzten Testlauf. Können Sie erklären, was da geschieht?
Man kommt mit seinen Models in den Raum, in dem die Tutoren sitzen, und zeigt, was man bisher geschafft hat. Dann wird debattiert, was rausgeworfen und was beibehalten wird. Man erklärt seine Entwicklung, weist auch auf die eigenen Schwächen hin, denn wenn man es selbst nicht tut, tun es die anderen.
Also sind die Tutoren ein Prüfungskomitee?
Die Professoren reagieren so, wie die Presse reagieren würde. Wenn sie überhaupt reagieren würde. Denn wenn die Kollektion nicht eine gewisse Glaubwürdigkeit hat, wird sie nicht als Mode wahrgenommen. Sie wäre zu unspezifisch. Aber die Tutoren erkennen ein starkes Modestatement, und das holen sie aus uns raus.
Und wie war das Feedback für Sie?
Bei vielen meiner Teile wurde die Verarbeitung bemängelt, da muss ich einiges nachholen. Und es wurde bemängelt, dass ich Looks an Frauen präsentiert habe. An einem Mann ist die Mode, die ich mache, frischer, gewagter.
War es schlimm, das zu hören?
Ja, aber ich kann das gut aufnehmen. Fabio (Piras, Direktor M.A. Mode, Anm. d. Red.) hat gesagt, dass ich kein Designer für Frauenmode bin. Meine Annäherung an den männlichen Körper ist eine ganz andere als an den weiblichen. Das liegt sicher an meiner Sexualität. Aber ich habe immer versucht, Mode für Frauen mit einzubinden, weil mich der Gedanke abgeschreckt hat, nur Männermode zu machen.
Warum?
Es fühlt sich wie eine Einschränkung an, denn in der Frauenmode hat man viel mehr Möglichkeiten. Trotzdem ist es wichtig, das jetzt zu wissen. Und vielleicht kann man daran mitwirken, dass Männermode eines Tages mehr zu bieten hat und dass sich die Geschlechter in der Mode gar nicht so voneinander unterscheiden.
Alle, die den Master in Mode abschließen, wollenihre Kollektion auf der großen Schau der Schule im Rahmen der London Fashion Week zeigen. Wie groß ist die Konkurrenz?
Die ist ständig da. Wir versuchen, Freunde zu bleiben. Aber man kann nicht über alles miteinander reden. Wobei es wahrscheinlich Paranoia ist, denn wir klauen einander die Ideen nicht, wir sind mittlerweile alle sicher in unserer Ästhetik. Und das Ziel der Tutoren sind so viele individuelle Kollektionen wie möglich.
Was ist so wichtig an der letzten Schau?
Sie ist ein Sprungbrett. Da wird man wahrgenommen. Trotzdem ist es mir wichtiger, eine gute Kollektion zu erstellen, mit der ich dann von hier weg- und in die Welt rausgehen kann.
Sie haben einen einprägsamen Vornamen, Jegor. Woher kommt der?
Meine Eltern sind aus Russland, wir kamen nach Deutschland, als ich zwei Jahre alt war. Wir sprechen zu Hause Russisch. Ich bin in Welzheim nahe Schorndorf aufgewachsen. Ich wusste schon früh, dass ich Mode machen möchte, habe mit neun oder zehn angefangen, Entwürfe zu zeichnen und zu nähen. Mit 14 oder 15 zeigte mir eine Lehrerin einen Artikel in der Zeitung über eine Designerin, die im Raum Stuttgart arbeitete und in London präsentierte: Miriam Lehle, Prose Studio ist ihr Label. Ich war begeistert und bin am selben Tag hin, habe ihr meine Entwürfe gezeigt. Seitdem sind wir befreundet. Ich bin dann zwei-, dreimal die Woche ins Studio nach Schorndorf und habe mit ihr gearbeitet. Sie hat mir alles beigebracht.
Hat sie Ihnen von Central Saint Martin erzählt?
Das musste sie nicht, ich hatte alles über Alexander McQueen, John Galliano und Hussein Chalayan gelesen. Ich habe 2011 hier angefangen, im Bachelorstudium.
Wo haben Sie während des Bachelorstudiums ihr Praktikumsjahr gemacht?
In Paris, bei Chlóe und John Galliano - ohne John Galliano leider. Bei Chlóe hatten wir Praktikanten wirklich Einfluss auf die Designs. Vor der Schau wurde es immer ziemlich spät. Aber wenn man nach Mitternacht noch im Atelier war, zahlte Chlóe das Taxi nach Hause. Das war toll, man fuhr nachts am Eiffelturm vorbei und wusste, am nächsten Tag ist die Schau, und man ist dabei.
Paolo Carzana, 24, aus Wales, studiert Mode (M.A.)
Wann wussten Sie, dass Sie Modedesigner werden wollen?
In der Schule wurde ich gemobbt, aber ich hatte trotzdem eine gute Zeit, denn ich bin mittags in die Kunstklasse gegangen, und die Kunstlehrer wurden meine Freunde. Einer meiner Lehrer hat mich auf Gianni Versace aufmerksam gemacht, und ich habe mich in seine Arbeit verliebt. Da muss ich so zwölf gewesen sein, oder 13. Der Übergang von der Kunst zur Mode kam für mich fließend. Wenn die anderen in der Schule in Kunst Bilder malten, habe ich versucht, aus allen möglichen Materialien Kleider zu machen. Alle dachten, das sei verrückt, aber ich hoffte, das würde mein Weg sein. Ich habe es sogar geschafft, in meinem Praktikumsjahr während des Bachelor-Studiengangs bei Versace in Mailand zu arbeiten.
Sie hatten gestern einen wichtigen Termin: die
letzte Präsentation Ihrer Abschlusskollektion. Wie ist es gelaufen?
Gut. Sehr gut sogar. Es geht eigentlich nicht darum, etwas an der Kollektion zu ändern, sondern sie zu vervollständigen.
Können Sie Ihr Konzept erklären?
Meine Master-Kollektion baut auf meiner Bachelor-Kollektion auf. Diese hatte ich »The Boy you stole« genannt. Sie war extrem persönlich, es ging um eine Ungerechtigkeit, die mir widerfahren ist und mit der ich umgehen musste.
Sie meinen das Mobbing?
Nein, ein viel dunkleres Kapitel. Es geht um Männer, die kontrollieren wollen, um Machtmissbrauch. Darum habe ich diese überdimensionalen Jackets entworfen, die große Schatten werfen. Das war meine Art, mit dem Schmerz umzugehen. Während meiner Zeit hier habe ich mich aus dem Schatten lösen können, ich fühlte mich wiederhergestellt. Mein Leben ist viel heller geworden, das zeigt sich in meiner Kollektion, darum habe ich sie »The Boy who came back to life« genannt.
Das hört sich an wie ein Roman.
Ja. Und darum ist jetzt Heilung mein Thema. Wie kann ich das in meine Arbeit übersetzen? Vorigen Sommer ging ich auf eine Pilgerreise nach Norditalien und Wales, meine beiden Herkunftsländer sozusagen, denn ich bin Halbitaliener. Ich suchte nach heilenden Quellen, in Saturnia in Italien und in Taff’s Well in Wales. Seit Hunderten Jahren sind die Menschen dorthin gepilgert, um sich heilen zu lassen. Die Idee war – und ich weiß, das klingt sehr konzeptionell –, dass die Energie des Wassers in das Material, mit dem ich arbeite, einsickert. Dass ich also eine Kollektion entwickle, die heilende Kräfte hat. Ich habe mich mit 300 Pflanzen beschäftigt, die seit Hunderten Jahren in der Medizin benutzt werden, und die ausgewählt, von denen ich dachte, dass sie in Kleidung ihre Wirkung entfalten können. Mir ist Natur sehr wichtig, unsere Umwelt, soziale Aspekte. Viele Leute, die sich für Nachhaltigkeit einsetzen, sagen, wir brauchen keine Mode mehr. Ich wollte mit diesem Projekt auch zeigen, dass Mode eine neue Relevanz haben kann.
Was tun Sie für Nachhaltigkeit?
Ich benutze Packpapier für meine Modelle, keine Baumwolle, das ist weniger belastend für die Umwelt. Eines meiner Kleider habe ich aus alten Pullovern aus Wohlfahrtsläden zusammengenäht. Ich habe sie gekauft und versuche, sie zu etwas ganz Besonderem, Neuem zu machen. Anderes Material bekomme ich aus Wales, gewirkte Stoffe nach uraltem walisischem Handwerk, einer Technik aus dem 18. Jahrhundert. Ein Hemd ist aus Lotusseide, die von sich aus schon viele gute Eigenschaften hat: Sie ist atmungsaktiv, wirkt beruhigend und ist mit Färberkrapp und Hamamelis gefärbt, Pflanzen, die Wunden und Krampfadern heilen können. Wenn man das Hemd trägt, trägt man gleichzeitig all das auf der Haut, was einem guttut. Lavendel beispielsweise hilft gegen Angst, und ich mag die Vorstellung, dass der Lavendel den, der dieses Hemd trägt, entspannt.
Sie machen Männermode. Stimmen Sie zu, dass
man sie gleichzeitig als feminin bezeichnen kann?
Das ist ein anderer sehr wichtiger Teil meiner Arbeit: Wie kann Frauenmode Männermode anregen? Die Fragilität und die Stärke der Frauen. Für mich spielt das Geschlecht eine untergeordnete Rolle. Aminat und Frankie zum Beispiel sind meine Freunde, sie modeln für mich, und wir entwickeln Ideen zusammen. Ihre Energie steckt in den Kleidern. Übrigens sitzt bei dem langen Kleid auf dem Foto Aminat auf Frankies Schultern.
Haben Sie an der Uni mehr über Mode oder über
sich selber gelernt?
Die Lehrer hier ermutigen uns, herauszufinden, wer wir sind, und unsere Erkenntnisse in unsere Arbeit einzubringen. Dass wir die Bedeutung dessen begreifen, was jeder von uns der Welt zu bieten hat. Und wo wir uns in der Industrie sehen, wenn überhaupt.
Wie in einer Therapie?
Absolut. Es ist hart, hier zu studieren, viele Studenten sind extrem ehrgeizig. Und darum auch empfindlich. Ich habe damit Probleme gehabt. Dabei denke ich, jeder wird seinen Platz finden. Wir sollten uns nicht bekämpfen, sondern uns helfen. Ich hatte Glück, ich
wurde vom British Fashion Council unterstützt.
Meinen Sie Stipendien?
Ja, sonst könnte ich als Angehöriger der Arbeiterklasse nicht hier sein, und ich hätte auch meinen B.A. nicht ohne Stipendien machen können.